교를 졸업하고, 1,910年 파리에 유학을 떠났었다.

그리하여 아카데미 쥘리앙에서 공부하면서, 故 피카소와 입체파의 영향을 받았었다. 

1,966年 故 샤갈은, 17점 연작인 ‘ 성경의 메시지 ’ 를 프랑스 정부에 기증했었다.

故 말로의 연작을 포함하여, 故 샤갈의 작품을 전시

하는 국립박물관의 건설을 추진했었다.

니스 시가 토지를 제공하는 형태로 1,973年, 화가의 86살 생일에 니스 시는

‘ 샤갈 미술관 ’ 을 개관했으며, 1,985年 98세로 세상을 떠났었다.

그의 무덤은, 이후 주변 셍 폴(Saint Paul)의 유대인 묘지에 묻혔었다.

바바를 위하여

25세 연하인, 검은 눈의 어여쁜 러시아 여성 바바를 위하여 이 그림이 그려져, 그녀에 의해 보존되고 있었다.   故 샤갈의 바바에 대한 헌신의 정도는, 감동적인 이야기거리 가 될 정도로, 같은 제목의 작품을 남기고 있다.   이 작품은 검은 색을 배경으로 한, 유난히 정결한 얼굴과 시원하고 맑은 눈이 노란 말의 초록색 눈과 대조를 이루며, 괏슈 특유의 수수한 맛을 풍겨준다.     아담과 이브   이 작품은 故 샤갈의 작품 중에서, 면을 가장 세분화한 작품일 것이다.   당시 그는, 벽에 故 세잔의 복제화를 몇 장이나 붙여 놓을 정도로 故 세잔의 만년 입 체파의 모체가 된 조형 이념을 동경했었고, “ 우리들은, 모두 세잔에서 출 발했다 ” 라고 고백한 故 레제 · 故 브라크에 가장 심취해 있었다.   일찍이, 제작을 통해서 다양한 형태의 기하학적인 해체를 철저히 파고들려 고 결의하고 있었던 것을, 이 작품을 통해서 추측할 수가 있다.   이 작품은, 형태가 그렇게 세분화되도 유동적이고 · 음상이 또렷 또렷한, 마치 故 바하의 토카타를 듣는 것처럼 장엄하다.   이러한 수법은, 후일 렝스 성당이나 메쓰 성당의 스 테인드글라스 제작에서 되살아났었다.   故 샤갈의 다른 작품에서도 그러하지만, 인물의 표정에 있어서 음산한 면은 금단의 열매를 딴 악의 주제가 그대로 나타나고 있다.     술잔을 높이 쳐든 이중 초상   비테부스크의 처가에서, 명의 추이를 관망하면서 그린 작품들에서 가장 대표할 수 있는, 그의 사랑의 찬가가 바로 이 술잔을 높이 쳐든 이중 초상이다.   故 샤갈은 이 작품을 통해, 그의 스타일에 있어 명확한 하나의 전기를 가져왔었다.   화면 전체에 명쾌한 빛이 넘치게 되고, 더구나 억제된 약동감을 가지고 있어 보이 는 까닭은, 배경 오른편에 두텁게 노란 마티에르가 왼쪽의 청색과 효과 적 불협화음을 이루면서, 세 인물을 일체화하는 요소에 의하여 심정의 흐름이 극적으로 묘사되어 있기 때문이다.   그의 딸 이다가, 천사처럼 아버지의 머리 위에서 날개치고 있고, 그 주 변에서 부부의 몸 쪽으로 붙어서 흐르는 짙은 파랑색은, 윤곽 이 아니고 피와 살의 결합을 강조하고 있는 듯하다.   이러한 선은, 처음 나타난 것으로 후일의 서정적 작품에서 더러 나오게 된다.     전원의 창  

예술가로서 뿐만 아니라, 한 인간으로서 끊임없이 생존 자체를 걱정하며 살아야

했었던 故 샤갈의 신산한 삶은, 사회주의 혁명을 지지했었으면서도 공

산정권의 희생자가 됐었고, 절대주의 화가 말레비치와의

경쟁에서 밀려 영원히 조국을 떠나야만 했었다.

 

아늑한 녹색 정원을 창밖에 둔, 신혼의 보금자리다. 선명한 초록 화면의 한 중간에, 하얀 간이 커튼이 걷어올려져 있다. 밤에는, 커다란 창을 반만 가릴 수 있도록 된 커튼의 백색 이 깨끗한 그들의 신혼 감정처럼 청결하다.   사랑이 넘쳐, 만물을 모두 같은 아름다움으로 찬미하려는 심정의 행복함이 숨김 없이 잘 나타나고 있다. 그 심정은, 바로 사랑이라는 것을 창의 오른편에 쌓아 올려놓은 듯 두개의 옆 얼굴로 故 샤갈과 부인 故 벨라가 그려져 있다.   창 밖의 무성한 자작나무의 풍경은, 그들의 보금자리에서 새로운 세계로서 보는 감 동을, 갈색의 항아리와 빨간 과일을 자연에 바치는 물건으로 창을 통해 서 생명이 일고, 그 생명 다하도록 온갖 곳에 사랑의 중심이 있도록 기도하는 마음이 이 화면을 꽉 메운다.     부인기수   1,924年 이후 故 샤갈은, 완전히 서커스를 파고드는데 사로잡혀 있었다. 확실히 이 세계를 주제로 하는 작품을 통하여, 유태 예술계와의 협력 시대에 몸에 익힌 새로운, 경쾌하고 · 대범한 필법을 충분히 소화시켜 나간 것 같다.   이 작품은, 같은 해에 그린 꿈이란 작품과 함께 창가의 이다 이후 또 한 단계 그의 원숙기에 한 발자국 다가섰다고 말할 수 있을 것이다.   이 작품 속에서, 그의 새로운 발견은 형은 데생으로부터 자유이고 · 색채는 형에 서 자유라는 것, 평면적으로 색을 칠하는 가치가 얼룩으로 바뀌고, 새 로운 기호(말의 배면에 있는 기수의 손과 같은)의 발 등 … , 그는 속박되는 틀에서 한 겹 탈피하는 것이다.     창가의 이다   1,923年 故 샤갈은 두 번째로 파리에 나오게 되고, 다음 해인 24年엔 바르바상쥬 오베르 화랑에서 처음으로 회고전을 갖곤, 여름을 브르타뉴에서 보냈었다.   이 작품은, 파리에 나와서부터 시작되는 제 2 체불 기간의 새로운 그의 양식이 보여주는, 색채와 형을 사랑으로 융화시키는 수법이 시작되었음을 알 수 있게 하는 중요한 그림 이다.   브르뉴 해안의 경승지 브레아섬의 여름이 주는 풍치가, 그 가 사랑하는 딸 이다와 함께 융화되어 있다.   여기에는, 그가 첫 번째 파리 시절에 입체파의 영향으로 그렸던 의도적이 고 · 의식적인 화면의 분할과 어두운 그림자도 없이, 인물은 외계 에 대하여 알맞게 균형 잡혀, 안정되고 조용하게 앉아 있다.   전체의 색조와 마티에르는, 안개가 스며든 것처럼 부드럽게 어울려 데생에 의해서가 아니라, 처음부터 색채의 뉘앙스에 의하 여 화면을 처리한 듯 부드러운 정감이 가득하다.     화촉   故 벨라의 죽음은, 故 샤갈에서 있어 너무나 큰 충격이었다. 그 불행과 고독을 이겨내는 9개월간, 그는 붓을 들지 못 했고, 온갖 그림들을 벽을 향해 돌려놓았었다.   드디어 화가(畵架 · 이젤) 앞에 앉을 기력을 회복하여, 처음으로 그가 손에 잡 은 그림이 12年 전 그가 사랑에 잠겨 살 때 그린, 아르르 캉이었다.   시집가는 신부를 거의 중앙에 그리고, 주위에는 여러 형상과 인물이 여기저기 그려 져 있는 작품으로, 이 오른쪽 반쪽의 테마로서 ‘ 화촉 ’ 이라는 이 작품 을, 왼쪽 반으로선 ‘ 그녀의 주변 ’ 이라는 작품을 그렸었다.   앞 쪽의 투명하고 짙은 푸른색에서, 밝게 멀리 배경의 위로 놓은 신부의 모습으로, 그 주위에는 선회하는 듯 여러 형상을 둘러싸게 한 이 구도는, 혼례를 주제 로 한 故 샤갈의 전작품 중 가장 아름다운 것이라 할 수 있을 것이다.     그녀의 주변   이 작품은, 故 샤갈의 애처 故 벨라가 세상을 떠난 다음 해에 그려졌었다.   파리 해방과 더불어, 파리 개방의 소식을 듣고 뛸 듯이 좋아했었던 故 벨라가, 갑자기 돌아오지 않은 사람으로 그의 곁을 떠나고, 故 샤갈은 그 슬 픔을 통하여 그녀와의 삶을 이 작품에서, 마치 스테인글라스 의 작품처럼 투명하고 심오한 색으로 표현했었다.   푸른 밤의 중앙에는, 초승달 빛을 받은 비테부스크의 또 다른 밤이 둥글게 따로 박 혀 있고, 이 둥근 조그만 지구를 아크로바트로 변한 딸 이다가 붙들고 있다.   전경에는, 피안의 사람들을 봄으로서 그것을 상기하고 있는 듯한 故 벨라의 표정과, 그 피안의 하늘에 시선을 지는 자기 자신의 역전한 얼굴이 그려져 있다.   중앙의 원은 초승달과 함께 해와 달을 상징하고, 이후 많은 작품에 음양(陰 陽)의 의미를 가지고 나타나는 기호의 발단이라고 할 수 있다.     순교자   순교자는, 십자가가 아니라 커다란 일자 막대기에 매달려 있다. 순교자의 집은 불타, 하늘에 시커멓게 연기로 채워지고 있다.   결혼 이후 25年 간, 행복하고 · 안락한 그의 가정에 피어나던 사랑의 이야기를 환희와 더불어 그려오던 그의 작업은, 정세의 변화와 함께 전해 내려 오는 전설 신화에 그 자신의 현실을 일체화시키는 총합적인 작업으로 변하여 간다.   이 작품에 있어 순교자란 예수가 아니라, 나찌에 의하여 학살 되어 간 이름 없는 무수한 유태인들 중의 하나이다.   죽은 자를 한 여인의 눈물, 명복을 비는 아직 살아남은 사람의 기도, 바이올린으 로 진혼 음악을 연주하는 녹색 옷을 입은 악사, 그런 것에 의하여 죽음을 보상받는 순교는, 유난히 화면 중앙에 강렬한 인상를 주고 있다.     썰매와 마돈나   故 벨라가 죽고 난 이후, 몇 점의 작품에서 故 샤갈의 색채가 얼마나 투명하며 깊 이 있고 · 아름답게 발색하고 있는가를, 우리는 깨닫지 않을 수 없게 된다.   그것은, 그의 내면속에 깊이 깔린 슬픔을 그가 얼마나 알뜰하게 소 화하며 · 정화시키고 있는가 하는 문제와 관련된다.   이 작품에 있어서도, 화면의 부분을 메운 투명한 푸른색속에 몇 가지 드러낸 강렬한 대비색이 너무나 아름답게 빛나고 있다.   故 샤갈이, 돌연 화면에 매를 그리게 된 것은, 어느 친구의 ‘ 천야 일야(千夜一夜) ’ 란 삽화를 경험한 후부터서라고 한다.   어쨌든, 그가 즐겨 쓰는 나선구에 의해 두 갈래로 갈라진 모자의 하 강과 썰매와 말의 상승운동을 통하여 어떤 리얼리티와 결 합한 점에서, 이 작품은 깊은 의미를 지닌다.   썰매를 타고 가던 마돈나는, 상승하는 썰매에서 떨어져 땅에 떨어지고 있다.     십계판을 부수는 모세   이 작품은, 홍해 횡단 · 다윗왕과 더불어 대작 3 폭의 기념비적인 작품 중의 하나이다.   산에 올라, 주(主)의 손으로부터 증표가 되는 십계판을 받고 있는 사이, 아론의 선동에 의해 황금의 송아지를 만들어 우상 숭배의 대상으로, 한 민중이 화면 우측에 보인다.   이에 너무 화가 나, 십계판을 던져 깨어버린 모세의 모습을 화면 중앙에 세워, 화면을 좌 · 우로 갈라 놓았다.   이 작품은, 이중으로 어떤 뜻을 시사하고 있다.   왼편 아래 쪽에서는, 거룩한 분노의 공포에 떨고 있는 사람들과 오른쪽 쪽에 는 모세가 주(主)로부터 십계판을 받는 장면이, 다음 왼편 위 쪽에는 십계에 따라 살고 있는 행복한 사람들이 그려져 있어, 마치 헤브라이적인 의미의 천의의 달성 시간을 펼치는 것이 생생하게 느껴지게 되는 작품이다.     홍해 횡단   모세에 의하여 홍해(紅海)를 가르고 이집트를 탈출하는, 이스라엘 백성의 이야 기는 그라나파를 위시하여 몇몇 종교 화가들의 영감을 고취하기도 했었 고, 또한 영화까지 만들어져 우리의 흥미를 돋군 적이 있었다.   이 이야기를 故 샤갈은, 그 나름의 대단한 구성법에 의하여 작품화하고 있다.   하느님에 의하여 직접 모세의 힘으로 바다를 두 쪽으로 갈라, 해안과 해안 사이 에 길을 이루어 피난민을 건너게 하고, 신의 사자인 모세는 다시 되돌아 와 그들을 뒤따라 절박하게 추격해 온 파라오의 군세(軍勢) 위 쪽에 서서, 구름과 어둠을 내려 그 진격을 저지한다.   날이 밝아 모세가 그의 지팡이를 휘둘러, 주(主)의 힘은 좌우로 갈 라졌던 바닷물을 일시에 되덮게 한 광경을 그리고 있다.   강렬한 색 대비의 화면이 아니라, 아주 부드러운 하모니를 이루는, 그의 원숙기를 느끼게 하는 작품이다.     부활제   “ 마티스 이후, 샤갈만이 색이 무엇인가를 아는 유일한 화가가 될 것이다. ” 이것은, 피카소가 한 말이다.   故 샤갈은 물감의 순결이 심정의 순수와 일체화하려고 했었고, 작품을 성실히 제작하는 것은 최선을 다하여 성실을 가지고 자기 표백을 하는 것을 염원으로 했었다.   무엇보다도, 그에게 불쾌감을 주는 것은 색채의 폭력에 있다고 그는 생 각하며, 그런 색을 “ 코에 역겹게 다가온다 ” 라고 했었다.   이 작품은, 극히 억제된 색으로 별세계(別世界)의 깊이를 강조하고 있다. 부활제의 헤브라이어의 원의(原意)인, 통과 · 초월자(超越者)의 놀라운 통과를, 이 천사는 나타내고 있는 것인지?   오른손을 올려 희생된 어린 새끼양을 부르고, 가난한 에스파냐 사람들은 이를 환송한다. 모든 것이 여기서는 희생에의 축성(祝聖)을, 낮은 소리로 읊조리고 있는 것이다. 부조리의 초극(超克)은, 이리하여 최고의 축성(consecration)의 의의와 합치된다.     푸른 얼굴   이 작품은, 화면을 세로로 이등분(二等分)하여 그늘과 양지로 표현하고 있다.   7年 전에 푸른 얼굴의 여인을 그렸었는데, 같은 모티브로서 피리 부는 사람 · 꽃들, 이러한 제재(題材)들은 60年 전 그가 초기에 붓을 손에 잡던, 그 시절에 마음이 끌렸었던 테마들이다.   그가 좋아하는 일체의 색들은, 그동안 전쟁과 혁명을 통하여 결국 역사가 화폭에 비극적 인 찰과상을 남기고 지나갔으며, 다시 이렇게 하여 그 엘리멘트를 되살리고 있다.   그 동안에 故 샤갈은, 판화와 스테인드글라스 · 도예(陶藝) 등을 통하여 애 당초부터 체질적으로 우러나던 그의 색채들을 갈고 닦았었다.   그늘속에 잠긴 푸른 얼굴은 잔잔한 호수같고, 그 위에 삼각형의 더 깊은 심연을 이 루는 순박하고 · 선량한 얼굴이 양지 쪽으로 꽃다발을 내어밀고 있다.   건너 편에는, 아기를 안은 어머니가 황홀한 얼굴로, 그것을 지켜보고 있다.     곡예사   1,940年, 파리의 독일군에 의한 함락과 유태인 학살 때문에 남불(南佛)로 피난을 했었다가, 다음 해에 뉴욕 근대 미술관의 초청에 의하여 故 샤갈 부처는 미국으로 건너갔었다.   그래서 그 다음 해인 42年에, 수주일간 멕시코에서 故 차이코프스 키의 발레 ‘ 아레코 ’ 의 무대장치와 의상을 담당했었다.   그래서 이 작품은, 故 샤갈 자신의 현실적 내면을 무대의 극 적 장면을 통하여 이야기하려 하고 있는 듯하다. 이 무대의 극적 장면도, 서커스와 발레의 총합적 장면이다.   새 모양을 한 인물이, 한 손에 시계를 걸치고 나타나 뭔가 자기정 체를, 또는 어떤 다가오는 시간을 알리려는 듯 둥글 게 된 무대 중앙에서 지금 막 뛰어나왔다.   오른 편에는 자그만 소녀가, 말 위에서 유도하는 대로 말이 된 아가씨가 수줍게 등장하고 있다. 불길(不吉)을 느끼게 하는, 환상미의 극치에 이르는 작품이다.       도시 위에서 · Over the Town · 1,914 ~ 1,918年   색체의 마술사인 故 샤갈 작품 중, 최고가를 자랑하는 이 ‘ 도시 위에서 ’ 는 러시아 국립 트레티야코 미술관이 소장하 고 있는 故 마르크 샤갈의 대표작 중 하나다.   이 그림은, 故 샤갈이 벨라와 결혼한 직후 제작한 것들 중 하나이다. 비테프스크의 다른 화가들이 추상을 시도하고 있을 때, 그는 신혼의 행복을 전하기 위해 오히려 아주 전통적인 회화 형식으로 돌아갔었다.   혁명의 소요 한복판에 있었음에도(이 그림은, 1,917年에 발발한 러시아 혁명을 전후한

1,914 ~ 1,918年에 제작되었다), 故 샤갈은 마치 주변 상황에 무관심해 보인다.

 

그는 이 작품에서, 이후 다른 작품들에서도 발견할 수 있는 핵심

적인 두 주제인 비테프스크와 연인을 결합시키고 있다.

 

놀라울 정도로 부드럽고 세련된 색채가, 보는 이의 눈길을 끌고 특히 회색 배경

위로 초록색 · 분홍색 · 파랑색이 아주 미묘한 변화를 보이고 있다.

 

고향 비테프스크를 배경으로, 그의 아내 故 벨라와 함께 서로를 꼭 껴

안은 채 새처럼 도시 위를 나는 환상적인 모습을 그렸었다.