공릉동 에덴피아노음악학원

공릉동 에덴피아노 꿈나무

2009-03-08T17:35:39Z

공릉동 에덴피아노에서 친구들과의 우정을 다지며 피아노를 쳐요

tag : 교육, 클래식, 음악, 학원, 피아노, 레슨, 에덴, 공릉동

공릉동 에덴피아노 꿈나무

2009-03-08T17:32:11Z

공릉동 에덴피아노에서 내 꿈과 희망을 키워요

tag : 교육, 클래식, 음악, 학원, 피아노, 레슨, 에덴, 공릉동

공릉동 에덴피아노 꿈나무

2009-03-08T17:29:16Z

공릉동 에덴피아노에서 피아노콩쿠르를 준비해요

tag : 교육, 클래식, 음악, 학원, 피아노, 콩쿠르, 레슨, 에덴, 공릉동

공릉동 에덴피아노 꿈나무

2009-03-08T17:27:17Z

공릉동 에덴피아노와 함께 피아노 연주실력을 키워요

tag : 교육, 클래식, 음악, 학원, 피아노, 레슨, 에덴, 공릉동

공릉동 에덴피아노 꿈나무

2009-03-08T17:24:51Z

공릉동 에덴피아노와 함께 하면 늘 즐거워요

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공릉동 에덴피아노꿈나무

2009-03-08T17:22:11Z

공릉동 에덴피아노와 함께 피아니스트의 꿈을 키워나가요

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낭만파음악의 문을 연 고뇌하는 예술가 베토벤

2009-02-22T21:09:10Z

베토벤, 그의 사진을 보고 있노라면 우리는 어느새 질문을 던지게 됩니다.

"악성? 음악의 성인이라고? 왜?"

왜냐하면 우리가 알고 있는 성인의 모습과는 좀 다르기 때문입니다.

마구 헝클어진 머리, 어두운 얼굴!

이름조차도 '덩굴 밭'이라는 뜻의 베토벤이라니!

겉모습만 보면 성인과는 딴판일 것 같은 이 음악가에게

사람들은 왜 '악성'이라는 별명을 붙여 주었을까요?

우리는 그 해답을 그의 삶 속에서 찾을 수 있습니다.

베토벤은 한평생 지독한 불행에 맞닥뜨려 살았습니다.

그러나 그 불행에 결코 굴복하지 않았습니다.

아버지의 학대에도 불구하고 음악의 길을 포기하지 않았고,

가난때문에 학업을 중단하는 아픔속에서도 학구열을 불태웠으며,

음악가에게 치명적인 귓병에 시달리면서도 음악을 계속 작곡하였습니다.

뿐만 아니라 그는 자신의 삶, 즉 운명을 개척해 나가는 인간 승리의 과정을

고스란히 작품에 담아 세상에 내놓았습니다.

그리하여 그의 음악을 들은 사람들은 자신이 맞닥뜨린 시련을 더 이상 두려워하지않고,

맞서 싸울 용기를 갖게 되었습니다.

고통속에서 신음하던 사람들에게 그의 삶과 음악은 구원의 신이 된 것입니다.

자신의 삶과 작품으로 세상 사람들에게 용기와 희망을 주었으므로

그는 오늘날까지 '음악의 성인;으로 불리고 있는 것입니다.

가혹한 어린 시절

Painting by unknown Bonn artist, ca. 1783

13세의 베토벤, 어린 베토벤의 음악적 재능을 이용해 돈을 벌고자 한 아버지때문에

불우한 어린 시절을 보내야 했다.

루트비히 판 베토벤은 1770년 서부 독일의 도시 본에서 태어났습니다.

바흐나 모차르트처럼 베토벤의 집안도 음악가 집안이었습니다.

네덜란드에서 이민 온 할아버지는 쾰른 대주교 선제후의 궁정악단 단원으로 시작하여

음악 감독의 자리에 까지 올랐고, 아버지 요한 역시 궁정악단의 테너 가수였습니다.

할아버지의 지위 덕분에 베토벤의 집안은 처음엔 부유한 편이었습니다.

그러나 베토벤이 세 살 되던 해, 할아버지가 세상을 떠나면서 집안 형편이 차츰 기울기 시작했습니다.

그런데다가 베토벤의 아버지 요한마저 알코올 중독에 빠져 집안을 돌보지 않았습니다.

모차르트와 마찬가지로 베토벤도 아주 어릴 적부터 음악적인 재능을 보였습니다.

재능을 발견한 사람은 물론 아버지였습니다.

그런데 아버지는 좋지 않은 마음을 먹었습니다.

아들을 이용해서 돈을 벌기로 한 것입니다.

그는 아들을 모차르트같은 신동으로 키워서 연주 여행을 다녀야겠다고 결심하고,

겨우 네 살밖에 안된 베토벤에게 음악을 가르치기 시작했는데,

그 방식은 아주 혹독했습니다.

방에 가두어 놓고 하루종일 피아노를 치게 했으니까요.

아버지의 욕심은 어린 베토벤에게는 너무나 가혹한 것이었습니다.

만일 보통 아이들에게 그런 식으로 음악 공부를 시킨다면 아마 대부분 얼마 못가서 지쳐버리고,

음악이라면 진저리를 치게 될 것입니다.

끊임없이 샘솟는 음악에 대한 열정과 어머니의 따뜻한 격려가 있었기 때문에

어린 베토벤은 견딜 수 있었습니다.

결국 2년 만인 여섯 살 때 베토벤은 대중 앞에서 연주를 하게 되었습니다.

베토벤의 아버지는 아들을 '제2의 모차르트'라고 선전하며 연주 여행을 다녔습니다.

그러나 연주 여행은 그다지 큰 성공을 거두지 못했습니다.

이미 모차르트의 천재성에 놀란 사람들에게 베토벤의 재능은 그다지 신기하지 않았던 것입니다.

자신의 계획이 물거품이 되자, 아버지는 더 자주 술을 마셨고,

가세는 더욱 기울어졌습니다.

때문에 베토벤은 열한 살 때 학교를 그만두어야 했습니다.

이처럼 베토벤은 어링아이로서는 감당하기 힘든 고뇌를 일찍부터 맛보며

쓰라린 어린 시절을 보내야 했습니다.

짧은 학력, 넘치는 학구열

베토벤을 그린 세밀화, 크리스티안 호르네만, 1803 빈의 귀족 살롱에서 세련되고 우아한 연주가로 명성을 떨치던 시절의 베토벤

비록 가정환경은 불우했지만, 베토벤은 어린 시절에 좋은 선생님들을 만나

훌륭한 가르침을 받을 수 있었습니다.

그중에서도 궁정의 오르간 연주자였던 네페(Christian Gottlob Neefe, 1748~1798, 독일)로부터

많은 영향을 받았습니다.

네페는 작센 출신의 개신교도로서 높은 이상과 폭넓은 교양을 지닌 사람이었습니다.

때문에 그는 베토벤에게 음악뿐만 아니라 여러가지 교양을 가르쳤고,

영리한 베토벤은 그 가르침을 제대로 섭취하였습니다.

네페 선생님의 가르침 덕분에 베토벤은 폭넓은 교양의 기초를 다질 수 있었고,

이는 훗날 초등학교 중퇴 학력에도 불구하고 그 어떤 학자들에게도 뒤지지 않은 밑거름이 되었습니다.

학교를 그만둔 베토벤은 1782년 궁정예배당으로 들어가 네페의 보조 연주자가 되었고

2년 만에 정식 연주자로 임명되었습니다.

5년 뒤, 베토벤에게는 일생일대의 기회가 찾아옵니다.

음악의 중심지 빈으로 가게 된 것입니다.

자신의 고용주인 선제후의 후원에 힘입어 빈으로 간 베토벤은 모차르트를 만났습니다.

이 자리에서 모차르트는 베토벤의 즉흥 연주를 듣고 깊은 감명을 받은 나머지 이렇게 말했습니다.

"저 젊은이를 잘 지켜보게, 머지않아 세상을 놀라게 할 테니까"

그러나 모차르트와의 만남은 너무 빨리 끝나버렸습니다.

어머니가 위독하다는 소식때문이었습니다.

하는 수 없이 베토벤은 고향으로 돌아갔지만, 어머니는 곧 세상을 떠났습니다.

어머니가 세상을 떠나자 아버지의 알코올 중독은 더욱 심각해졌습니다.

결국 베토벤은 17세의 나이에 가족을 부양할 책임을 떠맡게 되었습니다.

한창 공부해야 할 나이에 가장이 된 것입니다.

스무 살도 안 된 청년 베토벤은 여러가지로 힘겨운 나날을 보내야 했습니다.

어른 구실을 못하는 아버지와 어린 동생들의 생계를 꾸려나가는 일은 결코 쉽지 않았습니다.

그러나 그보다 더 베토벤을 괴롭힌 것은 학식과 교양이

다른 사람들보다 부족하다는 사실이었습니다.

그도 그럴 것이 그가 학교에 다닌 기간을 통틀어봐도 4년이 채 안되었으니까요.

유난히 지식에 대한 욕구가 많았던 베토벤은 스스로의 힘으로 교양을 쌓고자

남다른 노력을 기울였습니다.

다행히 그는 즉흥 연주를 잘하는 피아노의 달인으로 이름을 날리게 되면서

본의 명문가인 폰 브로이닝 백작가에 출입하게 되었습니다.

그곳에 모인 많은 예술가들과의 교류를 통해 그는 문학, 철학, 역사 등 여러 분야의

지식을 얻을 수 있었습니다.

특히 당시 유럽사회를 뒤흔들고 있던 프랑스혁명과 계몽주의 사상에 관한 지식은

베토벤의 생애와 작품에 매우 큰 영향을 주었습니다.

계몽사상

계몽사상과 프랑스 대혁명은 청년 베토벤의 정신을 일깨우고,

그의 생애와 작품을 지배하는 등대 구실을 했습니다.

프랑스 대혁명은 수백 년 동안 유럽사회를 이끌어 온 봉건주의,

즉 왕과 귀족이 지배하는 시대를 완전히 끝내고 상인과 자본가 등 시민계급이 주도하는

민주주의 시대를 열어젖히는 신호탄이었습니다.

그런데 이처럼 중요한 혁명은 하루아침에 이루어진 것은 아니었습니다.

프랑스 대혁명을 신생아에 비유한다면 그것을 잉태하고 키워낸 산모같은 존재는 바로 계몽사상이었습니다.

계몽이란 '자각하지 못한 상태에서 잠들고 있는 인간에게 이성의 빛을 던져줌으로써

편견에서 빠져나오게 한다'는 뜻입니다.

좀 더 쉽게 말하면 수천 년 동안 미신이나 다름없는 신학에 지배되어 온

인간에게 과학적, 합리적인 깨달음을 준다는 뜻이지요.

계몽사상의 뿌리는 영국의 철학자 로크에서 찾아볼 수 있는데,

로크는 "인간은 자유로운 존재이며, 국가는 시민의 이익을 지키기 위한 존재요,

국왕은 그 집행기관에 지나지 않는다"고 주장하였습니다.

바로 얼마 전까지만 해도 '국왕의 권리는 하늘이 내려준 것'이라는

주장이 널리 퍼져 있었던 것을 생각하면 로크의 주장은 너무나 파격적인 것이었습니다.

로크의 주장은 프랑스의 몽테스키외로 이어졌습니다.

몽테스키외는 국왕이 독점해 온 국가권력을 입법, 사법, 행정으로 나눠야 한다고 주장하였고,

루소는 "인간은 자연 상태에서 가장 행복한 존재인데, 자신의 손으로 만든 사회제도에 의해 불행해진다"고

주장하면서 당시의 사회, 문화를 비판했습니다.

이처럼 계몽주의 학자들은 인간의 자유가 무엇보다 중요하며, 국왕이든 사회제도든

인간의 자유를 억눌러서는 안 된다고 주장하였고, 이런 생각은 왕과 귀족들의 횡포에 짓눌리고 있던

사람들 사이에 널리 퍼지게 되었습니다.

프랑스 대혁명

민중을 이끄는 자유의 여신, 들라크루아, 1830

18세기 말, 유럽 특히 프랑스 민중의 처지는 그야말로 참담한 지경에 빠져 있었습니다.

루이 14세(재위 1643년~1715년)는 '국왕의 권위는 신이 내린 것'이라고 주장하며,

소수의 귀족과 성직자들에게만 특혜를 주었습니다.

다시 말해 전체 국민의 대다수를 차지하는 평민층에게만 세금을 내게 하고,

왕과 귀족들은 빈둥빈둥 놀기만 하면서 평민들이 낸 세금으로 먹고 살았지요.

그런데도 왕과 귀족들의 생활은 점점 더 사치스러워졌습니다.

왕은 국민들이 낸 세금으로 베르사유 궁전을 짓고, 온갖 호화스러운 가구와 장식으로

궁전을 채웠으며, 궁궐과 귀족의 저택에서는 날마다 파티가 열렸습니다.

왕과 귀족들이 그렇게 세금을 써버리자 평민들의 고통은 점점 더 커졌습니다.

나중에는 땀 흘려 번 돈을 전부 세금으로 걷어가 버려서 끼니를 때울 수도 없게 되었습니다.

하지만 왕과 귀족들은 아랑곳하지 않았습니다.

심지어 루이 16세의 왕비 마리 앙투아네트는

"백성들이 빵을 사 먹지 못해서 굶어 죽는다"는 말에

"빵이 없으면 고기를 사 먹으면 되지 왜 굶어죽느냐?"고 말할 정도로

그들은 백성들의 비참한 현실에는 아랑곳하지않고 자기들의 욕심을 채우기만 했습니다.

참다 못한 평민들은 오늘날의 국회와 같은 의회에 들어가서

귀족들도 세금을 내야 한다고 주장하였습니다.

그러자 왕과 귀족들은 위기를 느낀 나머지 군인들을 불러들였고,

파리 시내의 분위기는 살벌해졌습니다.

국민들에게 총칼을 들이대는 군인들을 보자 평민들의 분노는 마침내 폭발하고 말았습니다.

혁명이 시작된 것입니다.

먼저 그들은 바스티유 감옥을 습격했습니다.

그곳에는 왕과 귀족들에게 대항하다가 감옥에 갇힌 정치범들이 많았기 때문입니다.

감옥을 점령한 혁명세력은 사태를 진압하기위해 출동한 군인들을 물리쳤습니다.

그 소식은 순식간에 나라안으로 퍼져 이곳저곳에서 평민들이 들고 일어났습니다.

각 지방에 있는 영주의 성이 농민들에 의해 함락되었습니다.

왕과 귀족들은 사태를 힘으로 억누를 수 없다는 것을 깨닫고 서둘러 법을 개정하였습니다.

봉건적인 신분제도와 영주제도를 없앤다는 내용이었습니다.

새로운 법은 귀족과 평민의 구별없이 모든 사람이 동등한 권리를 갖는다는 뜻이었지만,

평민들의 분노는 가라앉지 않았습니다.

국민들은 왕이 국가를 다스리는 군주제를 더 이상 원하지 않았습니다.

결국 루이 16세와 왕비 마리 앙투아네트는 처형되고,

프랑스는 공화정, 즉 국민이 뽑은 사람이 나라를 다스리는 제도를 실시하게 되었습니다.

빈으로 간 베토벤

22살이 되던 해, 베토벤은 빈으로 갔습니다.

당시 빈은 그야말로 음악으로 가득 찬 도시였습니다.

빈의 귀족들은 음악을 매우 사랑하며 모두들 직접 악기를 연주하였는데,

그 실력은 전문 연주자와 겨루어도 뒤지지 않을 정도였습니다.

독일에서 인정받은 베토벤의 피아노 즉흥 연주 실력은 빈에 도착하자마자

많은 사람들의 눈길을 끌었습니다.

모차르트도 훌륭한 즉흥 연주가로 인기를 누렸지만,

베토벤의 연주 실력 또한 조금도 뒤지지 않았습니다.

계몽주의의 영향으로 개인의 감수성을 중요하게 여기던 당시 분위기에서

베토벤의 연주는 듣는 이들에게 강한 감동을 주었습니다.

베토벤이 한창 즉흥 연주 실력을 뽐낼 무렵이었습니다.

프리즈 백작의 집에서 시타이베르트라는 피아니스트와 대결을 벌이게 되었는데,

베토벤의 주제를 연주하던 시타이베르트가 주제를 더 화려하게 전개시키며

뽐내는 것이었습니다.

그러자 베토벤은 시타이베르트의 악보를 보면대에 거꾸로 놓고 더 화려하게 쳤습니다.

연주가 끝나자 그 자리에서 시타이베르트의 모습은 보이질 않았습니다.

연주자로 이름을 떨치는 한편, 베토벤은 작곡 공부에도 열심이었습니다.

모차르트는 이미 세상을 떠난 뒤였으므로 하이든의 제자가 되어 작곡을 배웠습니다.

그런데 베토벤은 하이든의 가르침만으로 만족하지 않았습니다.

물론 하이든은 훌륭한 작곡가였지만 그의 음악은 너무 오래 전의 방식에

머물러 있었기 때문에 새로운 것을 찾고 있던 베토벤에게는 성에 차지 않았던 것입니다.

그래서 베토벤은 하이든 몰래 다른 음악가들을 찾아가 레슨을 받았습니다.

장크트슈테판 대성당의 오르간 연주자 알브레히츠베르거

(Johann Georg Albrechtsberger, 1736~1809, 오스트리아), 황제 직속 음악감독 살리에리 등이

바로 그들이었습니다.

1795년 그는 마침내 처음으로 공개 연주회에 참여, 자신이 작곡한 피아노협주곡 2번과

모차르트협주곡을 연주했습니다.

그리고 귀족후원자들의 도움을 받아 피아노, 바이올린, 첼로를 위한

3개의 3중주 작품1을 출판하였습니다.

당당한 음악가 베토벤

작품의 출판은 베토벤 개인뿐 아니라 음악사에서 주목할 만한 중요한 사건이었습니다.

그것은 음악가가 스스로의 작품으로 생계를 유지하게 된 것을 의미하였습니다.

다시 말해 이전까지는 왕이나 귀족에게 하인처럼 고용되어,

그들이 주문하는 음악을 만드는 시대였지만, 이제는 누구의 주문이 아닌

음악가 스스로 만들고 싶은 음악을 만들고, 그 음악을 연주하거나

악보를 팔아서 먹고 사는 시대가 된 것입니다.

베토벤은 시대를 이끌어 가는 선구자였습니다.

빈의 귀족들은 베토벤의 재능을 높이 평가하고 사랑하였습니다.

발트슈타인 남작은 사람들에게 베토벤을 소개하며

'모차르트의 뒤를 이을 위대한 음악가'라고 칭찬했고,

모차르트를 후원하던 스비텐백작, 카를 리히노프스키 대공은

베토벤의 후원자가 되었습니다.

그 밖에도 베토벤은 일생 동안 많은 귀족들과 친분을 유지했는데,

항상 당당한 태도를 잃지 않았습니다.

한번은 제자의 어머니인 브로이닝 부인의 주선으로 귀족들의 모임에서

피아노 독주를 하게 되었는데, 사람들이 음악에 귀를 기울이지 않고

술, 담배를 하면서 떠드는 것이었습니다.

그것을 본 베토벤은 갑자기 피아노 뚜껑을 닫고 일어서서

"음악을 모독하지 마시오"

라고 말하고는 밖으로 나가 버렸습니다.

또 어느 후작의 집에서 연주를 강요당하자,

집을 박차고 나와 다음과 같은 편지를 보냈습니다.

"백작님, 백작이라는 벼슬은 우연히 생긴 것이지만,

나는 제 힘으로 생겼습니다. 그런데 명령조로 연주를 강요하다니 매우 불쾌합니다.

백작은 앞으로도 수천명이 나오겠지만, 베토벤은 단 한 명뿐입니다."

이처럼 베토벤은 자존심 센 음악가였습니다.

모차르트가 일자리를 얻기 위해 귀족들의 문을 두드리고 돌아다닌 음악가였다고 한다면

베토벤은 그들의 문을 발길로 걷어차고 돌진해 들어간 음악가라고 할 수 있었습니다.

이처럼 당당한 태도는 계몽주의와 프랑스대혁명에서 비롯되었습니다.

혁명의 영향으로 귀족들만 특별하게 대접하는 사회제도에 대해

좋지않은 생각을 갖고 있었고, 그 결과 귀족들 앞에서도 기죽지 않았던 것입니다.

궁정 음악가 출신으로 귀족들 앞에서 고개를 숙이던 하이든 시대의 음악가들과는 딴 판이었습니다.

베토벤은 간혹 하이든 같은 선배 음악가들로부터

"왜 귀족들에게 머리를 조아리지 않느냐?"는 꾸지람 섞인 질문을 받기도 했는데,

그럴때마다 베토벤은

"모든 사람은 평등합니다. 더욱이 예술가는 귀족보다 천한 직업이 아닙니다."

라고 대답했습니다.

시련에 맞선 투쟁

Fifth Symphony Coversheet

우울한 소년 시절을 지나 처음으로 행복을 맛본 청년 베토벤!

그러나 그의 행복은 그리 오래가지 않았습니다.

음악가로서 치명적인 질병, 귓병이 찾아 온것입니다.

처음 소리를 듣지 못하는 증세가 나타난 것은 20대 후반 무렵이었지만

다행히도 이후 몇 년 동안에는 별다른 증세가 없이 평온한 나날이 계속되었습니다.

그러나 서른두 살 무렵, 그는 자신의 병이 심각해지고 있다는 것을 깨달았습니다.

점차 피아노를 연주할 수 없게 된 그는 이루 말할 수 없는 실의에 빠졌습니다.

귀가 들리지 않는다는 것은 오로지 음악밖에 모르는 베토벤에게는

엄청난 시련이었습니다.

훗날 베토벤을 모델로 한 <장 크리스토프>라는 소설을 쓴 로맹롤랑은

"만약 하느님이 인류에게 범한 죄가 있다면 그것은 베토벤에게서

귀를 빼앗아 간 것이다"

라고 말할 정도였지요.

병이 깊어지자 요양을 하러 하일리겐슈타트라는 시골로 간 베토벤은

그 곳에서 두 동생 카를과 요한에게 유서를 썼습니다.

그러나 삶에 대한 의지가 강했던 베토벤은 자살을 시도하지는 않았습니다.

유서를 써 놓고도 죽지 않았던 데 대하여 훗날 그는 이렇게 말했습니다.

"가슴 속에 있는 창작의 요구를 다 채우기 전에는 세상을 떠날 수 없었다."

오히려 그는 이 시련을 딛고 일어서고 말겠다는 강한 의지를 보였습니다.

그의 의지는 친구에게 보낸 편지에 고스란히 담겨 있습니다.

"나는 운명의 끈을 붙잡겠다."

"병이 치유되기만 한다면 나는 온 세계를 담아낼 것이다."

비록 그의 병은 끝내 치유되지 않았지만, 그의 소원은 이루어졌습니다.

세계에서 가장 위대한 음악가가 되었으니까요.

49세가 되자 베토벤은 귀가 완전히 먹어서 의사소통을 하기조차 어려워졌습니다.

사람들과 이야기를 나누기 위해서는 노트를 갖고 다녀야 할 정도였습니다.

더 이상 연주를 할 수 없게 된 베토벤은 작곡에 힘을 기울였습니다.

그는 오래 산책을 하면서 악상을 떠올리고,

그것을 스케치북에 적어두었습니다.

이 스케치북들 중 대부분은 잘 보존되어 왔는데,

잘 살펴보면 베토벤의 작곡방법을 짐작할 수 있습니다.

머릿속에 떠오른 곡을 거침없이 써내려간 후 거의 수정을 하지 않았던 모차르트와 달리

베토벤은 한 곡을 완성할 떄까지 수없이 고쳤습니다.

그래서 그의 악보는 아무도 알아볼 수 없을 정도로 너덜너덜했고,

완성하기까지 많은 시간이 걸렸습니다.

예를 들어 가장 널리 알려진 5번 교향곡 <운명>의 경우

1804년에 스케치 악보를 쓰기 시작했는데, 4년 뒤인 1808년이 되어서야 완성될 정도였습니다.

이처럼 베토벤은 음악가로서 치명적인 장애에 맞닥뜨렸음에도 불구하고

좌절하지 않았습니다.

아니, 좌절은 커녕 이전보다 몇 배, 몇 십 배 노력하여 고난을 극복하였습니다.

그 결과 가장 고통스러웠을 이 시기에 <제5번 교향곡-운명>, <제6번 교향곡-전원>,

<피아노협주곡 5번-황제> 등 손꼽히는 걸작들이 탄생하였습니다.

그중에서도 걸작중의 걸작으로 오늘날까지 많은 사람들의 사랑을 받고 있는

<운명교향곡>은 베토벤 자신의 삶을 담은 분신과도 같은 작품이었습니다.

외국에서는 운명이라는 이름을 붙이지 않고 그냥 <5번 교향곡>으로 불리는 이 작품은

귀에 이상이 생기고 영원한 연인으로 알려진 테레제와의 이별, 나폴레옹의 침공 등

불행이 겹치던 시기에 작곡되었습니다.

<영웅>이나 <전원>이라는 이름을 베토벹 자신이 붙인 것과 달리

<5번 교향곡>은 후세 사람들에 의해 붙여졌는데, 그 이유는 제1악장 첫 머리의

'빰빰빰 빠-'하고 시작하는 유명한 동기에 대해 베토벤 자신이

"운명은 이처럼 문을 두드린다"고 설명한데서 비롯되었다고 합니다.

앞에서 말한 것처럼 운명의 네 악장은 작곡가 자신의 삶을 축약해 놓은 듯합니다.

어느 날 갑자기 찾아온 운명을 그린 1악장에 이어 경건한 기도로 마음을 달래는 2악장,

인생에 대한 풍자를 그린 듯한 3악장을 지나 4악장에서는 운명을 극복한

승자의 환희를 그리고 있습니다.

한편 <운명교향곡>은 내용뿐 아니라 형식적인 측면에서도 큰 의의를 가진

작품이었습니다.

고전파의 맥을 이어 엄격하고 절제된 짜임새를 가지는 동시에

작곡가 개인이 지닌 내면의 감정을 작품으로 표현해 낭만파 음악의 문을 연

작품으로 평가되고 있습니다.

마음의 세계를 표현한 말년

Beethoven_Ninth_Symphony

귓병이 깊어지자 베토벤은 집 안에만 틀어 박혔습니다.

사람을 잘 만나지도 않고 작품의 숫자도 줄어 들었습니다.

완전히 귀가 들리지 않게 된 1815년부터 세상을 떠난 1827년까지

12년 동안 극소수의 작품만이 만들어졌습니다.

그러나 이 시기에 만들어진 음악은 비록 수는 적었지만

이전의 그 어떤 작품보다 완성도가 높았습니다.

음악적으로도 깊이가 있었지만 무엇보다도 삶의 경험에서 우러나온

성숙한 정신이 작품에 고스란히 배어 있었습니다.

베토벤의 교향곡 중에서 <운명>과 함께 최고의 대작으로 손꼽히는

9번 <합창>을 들어보면 그 같은 사실을 잘 알 수 있습니다.

사람들은 이 작품을 일컬어 '인간의 힘으로 쓸 수 있었던 가장 완전하고 위대한 곡!

모든 사람에게 호소하여 압도적 감동으로 이끄는 교향곡!'이라고 부릅니다.

한평생 자신을 억압하는 운명에 맞서 싸우던 베토벤은

귓병의 악화와 조카와의 불화로 점점 건강이 나빠지더니,

1826년 동생 니콜라우스 요한의 집에서 여름을 보내고 빈으로 돌라오던 길에

결핵에 걸리고 말았습니다.

그리고 끝내 병을 회복하지 못한 채 병상에 누웠다가 간경변증으로

세상을 떠나고 말았습니다.

1827년 3월, 그의 나이 57세 되던 해의 일이었습니다.

베토벤의 장례식은 3일 뒤에 치러졌는데,

29일 동안 거행된 장례식에는 무려 2만여 명의 조문객들이 참석하여

위대한 악성의 죽음을 애도했습니다.

tag : 독일, 음악, 베토벤, 음악가, 작곡가, 낭만파음악

하이든의 고별교향곡 Symphony No.45 in F# minor 'Farewell'

2009-02-22T20:48:51Z

Nikolaus_Esterhazy

하이든이 31년동안 몸담았던 에스테르하지궁전

하이든은 위트가 넘치는 사람이었습니다.

천성이 낙천적인데다가 일생동안 자신의 생활을 즐긴 사람이었지요.

어릴 때부터 아버지의 손에 이끌려 유럽 각국의 왕실과 귀족 사회를 전전하면서

곡마단 곡예사처럼 살았던 모차르트와는 달랐습니다.

<고별교향곡>은 그의 재치를 상징하는 곡으로 널리 알려져 있습니다.

이 곡은 교향곡으로는 특이하게 5악장으로 이루어져 있습니다.

4악장까지 연주가 끝나고 5악장으로 돌입하면서 오케스트라의 단원들은 차례로 무대에서 퇴장합니다.

처음에는 콘트라베이스, 그 다음엔 오보에, 호른....

결국 맨 마지막에는 바이롤린 두 대만이 남아 연주를 마치고

보면대 옆에 켜두었던 촛불을 끕니다.

그러자 후작은 단원들의 행동에 담긴 뜻을 눈치채고 오래 머물던 여름별장에서

가족들이 기다리는 비엔나로 돌아갈 것을 지시했지요.

우리도 이 곡을 자주 연주하는데, 우리나라의 경우 많은 공연장이 촛불을 켜지 못하게 하기 때문에

보통 조명을 점점 어둡게 하여 촛불과 같은 효과를 내보려고 하지요.

흔히 알려지기로는 이 5악장 때문에 '고별'이라는 이름이 붙게 되었다고 하지만,

저는 1악장에도 이미 고별의 느낌이 담겨 있다고 생각합니다.

알레그로로 빠르게 연주되는 부분이 마치 자신의 소망을 격정적으로 말하는 듯 하니까요.

첼로가 강한 어조로 집에 가야 한다고 말하면,

제2 바이올린이 참으라고 말리는 것 같기도 합니다.

그래서 연주회에서 해설할 때 저는 종종 가사를 붙입니다.

"나~는 집~에 가야만 돼" 라고

또 1악장의 중간 부분에서는 1분여 동안 갑자기 곡이 느려지는데,

저는 이 부분에서 왜 갑자기 느려졌을까 생각해 보았습니다.

아마도 사랑하는 가족들을 떠올리는 것이 아닐까요?

이처럼 1악장에는 고별을 암시하는 듯한 소절이 들어 있어서

마치 소설의 복선과도 같은 재미를 느낄 수 있습니다.

-금난새와 떠나는 클래식여행중에서-

I. "Farewell": Allegro assai 5:40

알레그로 아사이, 3/4박자의 소나타 형식, 단조로우면서도 깔끔한 선율이 진행

II. "Farewell": Adagio 7:38

아다지오, 3/8박자. 조용한 바이올린의 선율로 이루어진 소나타 형식의 악장

III, "Farewell": Menuetto: Allegretto 3:52

알레그레토의 미뉴에트. 하이든의 미뉴에트들 중에서도 가장 훌륭하다는 평을 듣는 부분

IV. "Farewell": Finale: Presto - Adagio 8:10

프레스토, 2/2박자
어쩐지 활기 없는 가락이 나타나며 호른, 오보에, 파 곳, 베이스, 첼로가 차례로 퇴장하고
제2바이올린이 떠나면 제1바이올린이 슬픈 가락을 마지막으로 켜고 곡을 끝낸다.

tag : 하이든, Nikolaus_Esterhazy, 고별교향곡, Symphony No.45 in F# minor 'Farewell'

모차르트의 아이네 클라이네 나흐트 무지크(Eine kleine Nachtmusik)

2009-02-22T20:43:35Z

고전파 시대의 음악가들은 지금과 달리 언제나 주문을 받아 음악을 만들었습니다.

모차르트 역시 마찬가지였지요.

때문에 모차르트의 곡에는 작곡가 개인의 감정이나 생각이 담겨있지 않습니다.

그렇기때문에 그의 음악만 듣고서는 작곡할 당시 모차르트의 기분이 어떠헀는지 알수 없는 것이지요.

자신의 감정이 아무리 슬퍼도 주문한 사람이 잔치에 쓰일 음악을 원한다면

즐거운 음악을 작곡해야 했습니다.

그래서 일까요? 모차르트의 음악은 시작이 항상 단순한 편입니다.

자기가 만들고 싶은 음악을 만드는 것이 아니므로 어쩌면 처음에는 시쿤둥 했던 것이 아닐까 싶습니다.

그러나 중반에 이르면서 점점 더 아름답고 화려해지는 것을 알 수 있습니다.

오선지를 채워나가다보면 어느덧 영감이 생겨서 특유의 천재성이 나타난 것이겠지요.

하지만 작곡가 개인의 감정이 실려있지 않기 때문에

오히려 우리는 모차르트의 곡을 들으면서 마음껏 상상해 볼 수도 있습니다.

<아이네 클라이네 나흐트 무지크>를 예로 들어 볼까요?

저는 연주회에서 이 곡을 해설할 때 첫 부분에 다음과 같은 가사를 붙이고는 합니다.

친구 친구, 영화관 갈래?

아니 아니, 텔레비 볼래.

한 소절의 음은 올라가고, 다음 소절의 음은 점점 내려가는 것이

마치 질문하고 대답하는 것 같기 때문입니다.

클래식 음악은 꼭 어렵게만 생각할 것이 아닙니다.

음악의 형식을 몰라도 소리 그 자체만으로도 충분히 상상하고 노랫말을 붙이면서

상상할 수 있는 것입니다.

여러분도 한 번 멋진 가사를 붙여 보세요.

-금난새와 떠나는 클래식 여행중에서-

작은 소야곡이라 불리는 모짜르트의 명작 세레나데로,
모짜르트는 모두 13곡의 세레나데를 작곡 했으며 현악 합주를 위한 제13번 "Eine Kleine Nachtmusik" 이 가장 유명하다.

1. Allegro
제1악장 알레그로 G장조 4/4박자. 소나타 형식
첫머리에 유니즌으로 힘차게 제 1주제가 연주되면 대조적인
제2주제가 귀여운 노래로 응답한다.

2. Romance. Andante
제2악장 로만체 안단테 C장조 4/4박자 세도막 형식.
가장 인상적인 악장이다. 로만체는 중세기에 생긴 사랑의
노래인데 이것이 변해 달콤한 선율을 주로 한 가요적인 느린
기악곡이다.

3. Menuetto. Allegretto
제3악장 미뉴에트 알레그레토 G장조 3/4박자. 겹세도막 형식
간결하고 전형적인 미뉴에트인데 선율적인 독일의 옛 무곡
렌틀러풍의 성격을 가지고 있다.

4. Rondo. Allegro
제4악장 론도 알레그로 G장조 4/4박자 불규칙한 소나타 형식.
기쁨에 찬 활발하게 약동하는 악장인데, 제1주제는 경쾌한
기분을 갖고 있고, 제2주제는 유창한 멜로디로서
피날레에서는 드문 뛰어난 작품이다.

tag : 모차르트, 세레나데, 소야곡, Eine Kleine Nachtmusik, 아이네 클라이네 나흐트 무지크

공릉동 일대 경춘선 폐철로에 대규모 ‘테마공원 녹지문화벨트’ 펼쳐진다

2009-02-20T12:58:40Z

서울시, 경춘선 ‘성북역~시계’철로 걷고

여의도공원 크기 대규모 테마공원 조성

- 노원, 도봉, 중랑, 성북, 강북 등 동북부 5개구 225만 주민 수혜 전망
- 대학가 밀집한 주변과 연계해 문화 예술 웰빙 공간으로 재탄생
- 철도로 단절됐던 불암산, 태릉천 한강 등 동서로 연결되고 강남북 균형발전 앞당겨
- 오 시장,“동북부 새 시대 여는 명소, 서울의 대표적 녹지벨트로 자리매김할 것”

서울 동북부에 기차 소음과 진동은 사라지고 길게 뻗은 S라인 녹지문화벨트가 새롭게 펼쳐진다.

서울시는 978억을 투입, 경춘선 성북역~시계(서울시와 구리시의 경계)구간의 철로를 걷어내고
여의도공원 크기의 대규모 테마공원을 조성한다고 19일(목) 밝혔다.

1993년 개통된 경춘선은 도시철도공사(舊 철도청)의 복선전철화 사업에 따라
2010년 12월말 일부 단선구간인 ‘성북~(경기도 남양주)갈매역’은 폐선되고
‘중랑구 망우역~갈매역’에 복선이 신설될 예정으로서,
서울시의 이번 발표는 2007년 11월 실시한 기본조사 및 구상 연구용역 결과가
최근 확정됨에 따라 이루어졌다.

오 시장은 “경춘선 자리에 들어서는 공원은 새로운 동북부 시대를 여는 명소로 거듭나고
서울의 대표적 녹지벨트로 자리매김할 것”이라고 말했다.

여의도공원, 양재시민의 숲 규모의 녹지문화벨트, 5개구 225만 주민 수혜

공원은 기차가 지나갔던 6.3㎞ 긴 길을 따라 폭 20~80m, 22만7천㎡ 규모로 펼쳐지는데
이때 공원면적은 성북역~시계 6.3㎞ 구간 12만8천㎡와 주변 시설녹지 9만9천㎡를 포함한 것으로서,
여의도공원(23만㎡), 양재시민의 숲(25만9천㎡)과 비슷한 규모지만
긴 길을 따라 선형으로 조성되기 때문에 공원서비스 수혜면적이 훨씬 광범위하다는 특징을 가진다.

市는 노선폭이 평균 11m에 그칠 정도로 매우 좁다는 대상지 특성상 공원시설 도입에
제약이 많다는 한계를 보완하기 위해 철도 주변의 녹지를 확보,
공원 폭을 최소 20~80m 정도로 넓혀 조성하기로 했다.

또 향후 폐선부지 연접부의 재개발 재건축 시에 공원쪽으로 공공용지 조성을
유도함으로써 공원조성 효과를 배가시킨다는 복안이다.

철도와 문화를 테마로 한 녹지 문화벨트로 조성되는 공원은 북서울 꿈의 숲과 함께
서울 동북부에 길게 뻗은 또 하나의 명물 공원, 주민들이 걸어서 쉽게 갈 수 있는
생활 속 나들이 공원으로서 인근 지역 5개구(노원, 도봉, 중랑, 성북, 강북)에 거주하는
225만 명 주민이 직접적인 수혜를 누리게 될 전망이다.

대학가 밀집한 주변과 연계, 문화 예술 웰빙 공간으로

또 대상지 주변에 서울여대, 서울산업대, 육군사관학교 등 여러 대학이 자리 잡고 있다는 점과
연계해 젊은 층이 즐길 수 있는 문화 예술 공간을 다수 조성할 계획인데,
특히 각 구간은 지역별 특징을 살려 주민들이 원하는 문화 웰빙 공간으로 재탄생된다.

성북역에서 공덕 제2철도 건널목 구간까지는 자연 요소를 기반으로 한 정원 축제공간으로
공덕제2철도 건널목에서 육사삼거리 구간까지는 지역 문화 경제 활성화를 위해
SOHO 등의 클러스트화를 통한 문화 예술구간으로 조성한다.

또 육사삼거리에서 시계까지는 주변대학과 연계한 문화활동 공간을 화랑대역을 중심으로는
역사 문화교류 공간을 조성한다. 화랑로 주변에는 거점 박물관, 전시관, 아트갤러리,
열차갤러리 등 다양한 문화시설을 도입해 집적성을 더욱 강화할 계획이다.

철도로 단절됐던 불암산, 태릉천, 중랑천 및 한강 동서로 연결

서울시는 공원 조성을 통해 철도로 단절됐던 불암산, 태릉천, 중랑천 및 한강 등을
동서로 연결함으로 동북부지역에 광역 생태녹지축이 구축되고 낙후된 동북부 지역 발전 촉진과
주거환경 격차 해소를 통해 강남북 균형발전 시대를 앞당기게 될 것이라고 기대했다.

市는 올해 안에 현상공모를 통해 당선작을 선정해 공원의 밑그림을 그리고
2010년까지 실시설계를 진행, 2010년 말 철도부지 폐선일정에 따라 공사를 착공해
2012년까지 조성을 완료할 계획이다.

공원조성전

공원조성후

구간별 조성계획

성북역～공덕 제2철도 건널목

육사삼거리～태릉선수촌 입구

경춘선 폐선부지 공원조성 추진현황

사업개요

위    치 : 경춘선 폐선부지(성북역 ~ 서울시계 구간)
규    모 : 길이- 6.3㎞, 면적- 227,049㎡㎡(시설녹지 99,299㎡ 포함)
사업내용 : 현상공모, 실시설계용역, 토지보상, 폐선부지 공원 조성
사 업 비 : 97,800백만원(보상비 54,000, 시설비 43,800)
사업기간 : 2007 ~ 2012년

추진현황

2007. 8.23 : 경춘선 폐선부지 공원화 계획 수립
2007.11. 8 : 공원조성 기본조사 및 구상연구 학술용역 착수
2008. 4.15 : 학술용역 시행 1차 보고회 개최
2008. 8～10 : 공원화 추진에 따른 관련기관 협의 (노원구청, 서울여대, 육군사관학교 등)
2008. 9. 9 : 학술용역 시행 2차 보고회 개최
2008.12.31 : 공원조성 기본조사 및 구상연구 학술용역 준공

향후계획

2009년 : 현상공모
2010년 : 실시설계용역
2011년 : 도시관리계획 변경, 토지사용 협약(토지매입), 실시계획 작성 고시, 공사발주
2012년 : 공사 준공

기대효과

철도로 인한 소음, 진동 등 생활불편 해소 및 도심경관 개선
왜곡된 도시구조 회복 및 낙후된 동북부지역의 균형발전 도모

tag : 노원구, 태릉선수촌, 공릉동, 공원조성, 성북역, 철로폐선부지, 육사삼거리

고전주의 음악을 완성한 두 거장, 모차르트와 하이든

2009-02-20T10:09:11Z

고전주의 음악을 완성한 두 거장,
볼프강 아마데우스 모차르트와 프란츠 요제프 하이든

볼프강 모차르트

아마데우스(Amadeus)라는 영화가 있었습니다.
이 영화는 죽음을 앞둔 궁정음악가 살리에리(Antonio Salieri, 1750~1825, 이탈리아)가
어느 신부에게 고해성사를 하는 장면으로 시작됩니다.
천재 음악가 모차르트를 향한 질투심에 불탄 나머지 그를 죽음에 이르게 했다는 그의 고백은
미움은 커녕 인간적인 연민을 불러 일으킵니다.
그는 죽어도 천재와 같아질 수 없는 보통 사람의 심정을 웅변하고 있으니까요.

살리에리는 신을 향해 이렇게 울부짖습니다.

"하느님! 왜 하필 모차르트입니까? 왜 하필 저 망나니 같은 모차르트에게 재능을 주셨습니까?"

물론 이 영화는 실제로 있었던 일을 그린 것은 아니라고 합니다.
실제로 살리에리는 뛰어난 궁정음악가로서 모차르트보다 훨씬 좋은 대우를 받았다고 알려져 있습니다.
그런데 왜 영화에서는 살리에리를 질투에 눈 먼 나머지 모차르트를
죽음에 이르도록 하는 사람으로 그렸을까요?
아마 모차르트의 천재성을 강조하기 위해서 그랬던 것 같습니다.

영화에 그려진 것처럼 모차르트는 인류 역사에 몇 안되는 천재였습니다.
그가 얼마나 뛰어난 천재였는지 알려주는 일화는 이루 다 헤아릴 수 없을 정도로 많습니다.

모차르트는 이 뛰어난 재능으로 인류 음악사에 영원히 남을 위대한 업적을 남겼습니다.
바로크 시대의 대위법 대신 화성음악을 중시하고 소나타 형식을 발전시켜 고전주의의 문을 열고,
주옥같은 오페라 작품들을 끊임없이 쏟아내는 등, 그가 남긴 업적을 헤아리려면
밤을 새도 모자랄 정도입니다.

그런데 뛰어난 재능을 가진 이 음악 천재의 영혼은 무척 어린애같았던 모양입니다.
살리에리가 그토록 괴로울 수 밖에 없었던 이유이지요.
영화에도 묘사되었듯 모차르트는 자기중심적이고,
제멋대로인데다 변덕스럽기까지 했습니다.
그 때문에 모차르트는 간혹 욕을 얻어 먹기도 했지요.

"천재면 뭐하고, 위대한 음악가면 뭐해? 인품이 엉망인 걸"

그러나 대부분의 사람들은 모차르트를 비난하지 않았습니다.

"모차르트는 훌륭한 인품을 가진 성인은 아니었지만 남에게 해를 끼친 적은 없잖아.
인류에게 남긴 음악의 가치에 비한다면 그깟 흠은 얘깃거리도 못 돼"

아닌게 아니라 사람들은 그를

'하늘에서 잠시 쫓겨난 음악 천사'라고 불러 왔습니다.
하늘에서 말썽을 피우다가 인간 세상으로 쫓겨나와 천상에서나 들을 수 있는
아름다운 음악을 남겨 놓고 돌아간 천사라는 것이지요.

반면 같은 시대에 활동한 하이든은 모차르트에 비해 무척 어른스럽고 점잖은 사람이었습니다.
그는 성격이 아주 상냥하고 친절해서 주위 사람들로부터 존경을 받았고 생활도 모범적이었답니다.
그래서 사람들은 항상 정직하고 근면한데다 유머까지 갖춘 하이든을 '파파하이든'이라고 불렀습니다.

그 밖에도 두 사람은 많은 면에서 서로 다른 모습을 보였습니다.

하이든의 초상, 루트비히 구텐브룬, 1770

서른다섯 해의 짧은 시간 동안 이 세상에 다녀간 모차르트와 달리 하이든의 경우
일흔 여섯 살까지 살면서 고전파 음악의 대부 역할을 다하였고,
주로 교향곡을 만드는 데 집중한 하이든과 달리 모차르트는
오페라와 협주곡, 교향곡 등 모든 장르의 음악을 골고루 남겼으니까요.
그러나 성격이나 생활, 취향의 차이에도 불구하고 두 사람은 음악사에 길이 남을
위대한 업적을 이루었습니다.
인류가 만든 음악중에 가장 완벽한 아름다움을 실현했다는 고전파 음악을 발전시킨 것입니다.

음악의 신동 모차르트

사람들은 모차르트를 신동이라고 부릅니다.
그런데 사실은 신동 정도가 아니고 굉장한 천재였습니다.
현대의 심리학자들이 추정해 낸 아이큐가 230~250이라니 음악사는 물론
인류 역사상 최고의 천재라고 할 수 있지요.

인류 최고의 천재답게 그의 행적에는 깜짝 놀랄만한 사건이 줄을 이었습니다.
다섯 살 때 작곡을 시작해서 여덟 살 때 교향곡 제1번을,
열한 살 때 오페라 '바스티안과 바스티엔'을 작곡했습니다.
그리고 열네살 때는 아버지와 함께 이탈리아를 여행하다가 11분짜리 곡을 단 한 번 듣고,
정확히 기억해서 악보를 적어내 사람들을 놀라게 했습니다.
그 곡은 바로 알레그리가 작곡한 합창곡 '미제레레'였습니다.
원래는 성당 밖으로 절대로 갖고 나갈 수 없게 되어 있는 극비곡이었지만,
교황은 모차르트에게 벌을 주지 않았습니다.
그의 놀라운 재능에 감탄했기 때문이었지요.

초능력에 가까운 그의 천재성은 이 세상에 머문 35년 동안 계속되었습니다.
한 곡을 만들기까지 여러 차례 수정을 거쳐야 했던 여느 음악가들과 달리
모차르트에게는 작품을 쓰며 수정하는 경우가 거의 없었습니다.
마치 머릿속에 들어 있는 음악을 그대로 옮겨 쓰듯 거침없이 써내려갔으므로,
그의 악보는 언제나 깨끗했습니다.

아닌 게 아니라 그는 자신이 악보를 써내려가는 모습을 보고 놀란 사람들에게 이렇게 말했다고 합니다.

"나는 머릿속에서 완성된 스코어를 그저 오선지에 옮기고 있을 뿐이오"

이 밖에도 모차르트의 천재성을 증명하는 일화는 이루 헤아릴 수 없을 만큼 많습니다.
영화 '아마데우스'에서 처럼 당구를 치면서 작곡을 하는 일은 예사였고,
한 곡을 악보에 써내려가면서 동시에 다른 곡을 구상하는 일도 가능했다니,
어쩌면 그는 단순한 천재가 아니라 사람들의 말대로 정말 '하늘에서 쫓겨난 음악천사'가
아니었을까요?

모차르트 일가, J.N.델라 크로체, 1780, 뒤편에 걸린 그림은 1778년 파리에서 작고한 모차르트의 모친

부친인 레오폴트 모차르트

모차르트는 1756년, 오스트리아의 잘츠부르크에서 태어났습니다.
볼프강의 아버지는 슈라텐바흐 대주교의 궁정 음악가인
레오폴트 모차르트(Johann Georg Leopold Mozart, 1719~1787,오스트리아)였습니다.
그는 아내 안나 마리아 페르틀과의 사이에서 모두 일곱명의 아이를 낳았는데,
불행하게도 그중 다섯아이를 잃었습니다.
살아남은 아이는 딸 난넬과 막내 볼프강뿐이었지요.
아버지 레오폴트는 두 아이에게 늘 음악을 들려주는 한편,
다양한 방법으로 호기심을 불러 일으키면서 엄격한 교육을 시켰습니다.
어릴 때부터 누나가 연주하는 하프시코드 소리에 귀를 기울이던 볼프강은
이미 여섯 살때 뛰어난 하프시코드 연주자가 되었습니다.

아버지는 아들의 천재성을 한눈에 알아보았습니다.
오르간이든 바이올린이든 가르쳐 주기만 하면 금방 연주하고,
글을 읽기도 전에 협주곡을 작곡하는 아들은 자랑거리가 아닐 수 없었습니다.
레오폴트는 아들의 재능을 계발도 하고 자랑도 할 겸 볼프강과 난넬을 데리고
유럽 연주 여행을 떠났습니다.

볼프강과 그의 누이 난넬

볼프강의 나이 겨우 여섯 살 때의 일이었습니다.
뮌헨을 거쳐 오스트리아 수도 빈에 도착한 모차르트 일행은 열렬한 환영을 받고,
당시의 여제였던 마리아 테레지아 앞에서 연주하는 영광을 얻었습니다.
이때 벌어진 일화 하나!
볼프강이 실수로 넘어지자 비슷한 또래의 한 소녀가 와서 볼프강을 일으켜 준 일이 있었습니다.
볼프강은 그 소녀에게

"고마워요. 내가 크면 당신과 결혼하겠어요."

라고 말했습니다.

마리앙투아네트 공주 초상

그 소녀가 누구냐고요? 바로 훗날 프랑스의 왕비가 된 마리 앙투아네트 공주였습니다.
그럴 가능성은 0퍼센트였겠지만, 만일 볼프강의 말대로 두 사람이 결혼했다면
마리 앙투아네트의 운명은 어떻게 되었을까요?
적어도 단두대의 이슬로 사라지는 비극을 겪지는 않았겠지요?

첫 번째 연주여행에서 성공을 거둔 모차르트일가는 이후에도 계속 유럽 전역을 여행하였습니다.
이 여행을 통해 볼프강은 여러나라의 음악가들과 만났고, 많은 영향을 받았습니다.
이탈리아에서는 오페라에, 독일에서는 교향곡에 심취하는 한편,
틈틈이 작곡도 공부하여 여덟 살 때 첫 교향곡을,
열한 살 때 첫 오페라를 만들어 냈습니다.
그리고 15세 이전에 소나타, 교향곡, 오페라까지 무려 1백 곡 이상의 곡을 쓰면서
연주를 잘하는 꼬마 천재에서 위대한 작곡가로 이름을 떨치기 시작했습니다.

대장간 집 아들 하이든

하이든의 초상

하이든은 1732년 오스트리아 로라우의 대장간 집안에서 태어났습니다.
그는 3형제 중 맏아들로 태어났는데, 그의 형제들 모두 음악적 재능이 뛰어났다고 합니다.
바흐나 모차르트처럼 음악을 잘아는 부모를 만나지 못했기 때문에
하이든의 재능은 하마터면 묻혀버릴뻔 했습니다.
만일 그랬다면 하이든은 고전파 음악의 위대한 거목이 아닌 대장장이로 한 평생을 살았겠지요.

그러나 다행스럽게도 하이든에게 행운이 찾아 왔습니다.
여섯 살 때의 일이었습니다.
학교 선생님이었던 그의 친척이 하이든의 음악적 재능을 발견한 것입니다.
그 친척은 자기가 하이든을 직접 맡아 기르면서 음악을 가르치겠다고
아버지를 설득한 끝에 하이든을 자신의 집으로 데려갈 수 있었습니다.
하인부르크에 있는 친척집에서 살게 된 하이든은 그 곳에서 노래와 여러가지 악기를
연주하는 법을 배웠습니다.

2년 뒤 하이든에게 두번째 행운이 찾아왔습니다.
빈의 유명한 교회에서 오르간을 연주하는 사람의 눈에 띈 것입니다.
목소리 좋은 소년을 찾고 있던 그는 하이든의 목소리가 맘에 들어
그를 성당 합창단에 넣어 주었습니다.

그 곳에서 하이든은 10여 년 동안 노래를 부르며 음악을 배웠습니다.
그러나 열일곱 살이 되자 합창단을 떠나야 했습니다.
변성기를 맞이해서 목소리가 굵어졌기 때문입니다.
먹고 살 길이 막막했던 그는 학생들을 가르치면서 틈틈이 작곡을 공부하기 시작했습니다.

얼마 후 그에게는 세 번째 행운이 찾아 왔습니다.
귀족의 자녀들을 가르치는 유명한 노래 선생님인 니콜라 포르포라를 만난 것입니다.
하이든은 그의 반주자로 일하면서 귀족들을 만나게 되었고,
차츰 그들로부터 재능 있는 젊은 음악가로 인정받게 되었습니다.

아이같은 모차르트/아버지 같은 하이든

앞에서 말했듯이 모차르트는 음악적 재능은 뛰어났지만 인품은 그다지
훌륭한 편은 아니었던 것 같습니다.
영화 아마데우스를 보면 모차르트는 술주정뱅이에 여자들 뒤꽁무니만 쫒아다니는 망나니로
그려져 있는데, 전혀 근거없는 이야기는 아니었을 것입니다.
그는 자신의 못생긴 외모와 작은 키 때문에 열등감을 갖는가 하면,
주위 사람들과도 그다지 잘 어울리지 못했다고 합니다.
한마디로 두뇌가 좋은 만큼 사회성까지 좋았던 것은 아니었던 것 같습니다.
이처럼 천재 특유의 고집과 괴팍한 성격 때문에 모차르트에게는
유달리 적이 많이 생겼습니다.

어떤 사람들은 모차르트가 너무 어린 나이에 음악 천재로 이름을 날렸기 때문에
그런 문제가 생겼다고도 합니다.
여느 아이들처럼 또래 아이들과 함께 학교에 다니면서 인간관계나 사회생활에 필요한
예절이나 상식을 배우지 못했기 때문이라는 것인데, 아주 틀린 말은 아니라고 봅니다.
음악적으로는 뛰어났지만 그 밖의 일상생활을 해나가는 능력 따위에서는
많은 결점이 드러났으니까요.
철없는 어린애 같은 모차르트와 달리 하이든은 인품좋기로 유명했습니다.
그는 31년 동안 한 직장에 다니면서도 윗사람이나 동료들과 갈등 한번 일으키지 않을 정도로
예의 바르고 온화한 성품의 소유자였습니다.

에스테르하지 후작밑에서 일하던 시절이었습니다.
하이든은 많은 곡을 작곡하여 발표하면서 왕성한 활동을 벌였는데,
그러다 보니 악단의 활동이 매우 바빠졌습니다.
에스테르하지 후작과 하이든의 입장에서는 즐거운 일이었지만
단원들에게는 불만이 아닐 수 없었습니다.
사랑하는 가족을 만날 수 없었기 때문입니다.
단원들의 마음을 알아챈 하이든은 그들을 도울 길이 없을까 고민하다가
교향곡을 한 곡 만들었는데, 그것이 바로 45번 고별교향곡이었습니다.
마침내 첫 공연이 시작되었습니다.
에스테르하지 후작이 지켜보는 가운데 단원들은 열심히 교향곡을 연주했습니다.
그런데 마지막 즈음에 이르자 단원들이 보면대의 촛불을 끄고
하나 둘 무대 뒤로 사라지는 것이었습니다.
순간, 에스테르하지 후작은 하이든의 뜻을 알아차렸습니다.
그리고 곧바로 단원들에게 장기 휴가를 주도록 지시했습니다.
이처럼 하이든은 주위 사람들에게 항상 따뜻하게 대하였고,
이를 지켜본 사람들은 아버지같이 자상하다 하여 그에게 '파파하이든'이라는
별명을 지어 주었습니다.

마지막 궁정 음악가

하이든이 31년동안 일했던 에스테르하지 궁전

하이든은 스물아홉 살이 되던 해인 1761년 헝가리의 후작 에스테르하지 집안의
부악장으로 들어갔습니다.
이곳에서 일하는 31년 동안 그의 음악적 재능은 화려하게 꽃을 피웠습니다.
음악을 매우 좋아했던 에스테르하지공이 궁정 음악단을 위해서 비용을 아끼지도 않았고,
하이든의 창작 활동도 간섭하지 않았기 때문입니다.
덕분에 하이든은 오케스트라와 합창단을 마음껏 활용하여 숱한 교향곡을 만들었습니다.
그것은 하이든에게 굉장한 행운이었습니다.

그 당시만 해도 음악가들 중에서 자신의 뜻대로 음악을 만들 수 있는
사람은 많지 않았습니다.
당시의 음악가들은 오늘날과는 달리 자신을 고용한 왕이나 귀족이 주문하는대로
음악을 만들어야 했기 때문입니다.
작곡가 자신의 마음이 아무리 우울해도 왕이나 귀족이 즐거운 음악을 만들라고 하면
즐거운 음악을 만들어야 했고, 자기만의 내면 세계를 표현하고 싶어도
왕이나 귀족이 원하지 않으면 음악에 담을 수가 없었습니다.
하이든 역시 고용된 음악가의 신분이었으므로 에스테르하지 후작의 뜻을
완전히 거역할 수는 없었을 것입니다.
그러나 에스테르하지 후작으로부터 두터운 신임을 받고 있었으므로
비교적 자유로운 창작 활동이 가능했던 것입니다.

하이든이 에스테르하지 가를 나온 것은 60세 되던 해,
하이든을 적극 밀어주던 니콜라우스 에스테르하지 공이 세상을 떠난 뒤였습니다.
뒤를 이은 안톤 에스테르하지는 아내가 음악을 싫어한다는 이유로
악단을 해산시키고 말았습니다.
마침내 하이든은 헝가리를 떠나 고국인 오스트리아의 빈으로 돌아오게 되었습니다.

교향곡의 아버지

앞서 말한 것처럼 하이든은 에스테르하지 밑에서 일하는 31년 동안 수많은 음악을 만들었는데,
그중에서도 특히 교향곡을 많이 작곡하였습니다.
평생 100곡 이상의 교향곡과 70여곡의 현악 4중주곡을 작곡했다고 하니,
'교향곡의 아버지'라고 불릴 만도 하지요.

하이든은 왜 그토록 교향곡을 좋아했을까요?
그것은 바로 교향곡이야말로 고전주의의 이상, 즉 균형과 조화를 잘 표현할 수 있는
음악 형식이었기 때문입니다.
앞서 소개한 것처럼 교향곡은 피아노나 바이올린 같은 독주악기를 위해
주로 작곡되던 소나타를 관현악으로 연주하는 작품이라고 말할 수 있습니다.
소나타와 마찬가지로 1악장은 빠르게, 2악장은 느리게,
마지막 악장은 아주 빠르게 연주하며, 3악장에는 대개 미뉴에트 같은
3박자의 춤곡을 넣는 것이 기본적인 형태이지요.
이처럼 서로 다른 분위기와 빠르기를 가진 곡들을 번갈아 연주하면서 조화를 이루는 교향곡은
당시에 유행하던 고전주의 정신을 표현하는 데 가장 적합한 장르였던 것입니다.

교향곡의 아버지 하이든의 작품 중에는 별명이 붙은 곡이 유난히 많습니다.
교향곡만 해도 <아침>, <낮>, <저녁>, <호른신호>, <슬픔>, <고별>, <마리아 테레지아>,
<수난>, <사냥>, <왕비>, <제국>, <옥스퍼드>, <놀람>, <기적>, <군대>, <시계>와 같은
평범한 이름부터 <곰>, <암탉>, <화재>, <멍청이> 등 익살스러운 이름까지 다양한 별칭이 붙여졌습니다.

그런데 이 많은 이름을 하이든이 붙인 것이 아니었습니다.
이 시대의 음악가들은 자신의 음악에 제목을 붙이는 것을 그다지 좋아하지 않았는데,
하이든도 예외는 아니었던 거죠.
그의 교향곡에 위와 같은 이름을 붙인 이들은 후세 사람들이었는데,
들리는 이야기에 의하면 너무 많은 수의 교향곡을 구분할 방법이 없어서 이름을 붙였다고 합니다.

자유를 갈망한 모차르트

31년 동안 궁정악단에서 일한 하이든과 달리 모차르트는
어느 한 군데 얽매이는 것을 좋아하지 않았습니다.
잘츠부르크 궁정음악단에서 오르간 연주자로 잠시 일하기도 했지만
그는 곧 그곳을 나와서 독립된 음악가로 활동하였습니다.

모차르트가 여느 음악가들처럼 궁정이나 귀족 밑에서 일하지 않은 것은
음악가들을 하인처럼 다루는 것을 참을 수 없었기 때문입니다.

또 유럽 사회의 변화도 음악가의 독립을 부추기는 요인이 되었습니다.
모차르트가 어른이 될 무렵,
즉 18세기 후반의 유럽은 정치, 경제, 사회, 모든 면에서
폭풍과도 같은 변화를 겪고 있었습니다.
영국에서 증지기관의 발명으로 시작된 산업혁명은 왕과 귀족의 힘을 약하게 만드는 대신에
중산층, 서민의 힘을 강화시켜 주었습니다.
이미 상업으로 많은 돈을 번 중산층 시민들이 공장을 세워
더 많은 돈을 벌어들임으로서 왕과 귀족들보다 더 큰 부자가 된 것입니다.

경제력을 갖게 된 시민들은 왕과 귀족에게 무조건 복종하던 과거의 사회제도를 비판하고
평등사상을 외치기 시작했습니다.
이러한 사상은 음악가들에게도 영향을 미쳤습니다.
더 이상 왕과 귀족의 밑에서 하인 대우를 받지 않기로 란 것입니다.
경제적인 독립을 통해서 예술가로서의 자존심을 찾기 시작한 것이지요.
그렇게 보면 하이든은 마지막 궁정 음악가였고,
모차르트는 고용된 신분에서 독립적인 음악가로 가는 과도기에 있었던 것으로 볼 수 있습니다.
모차르트보다 14년뒤에 태어난 베토벤 시대부터는
음악가들이 왕이나 귀족에게 의지하지 않고 자신의 힘으로 생계를 꾸려나가게 되었으니까요.

모차르트의 오페라

앞서 말한 것처럼 모차르트는 35년이라는 짧은 생애동안 소나타와 협주곡, 교향곡과 오페라 등
매우 다양한 장르의 곡을 수없이 작곡하였습니다.
그의 음악은 어느 하나 버릴 것이 없이 모두 아름답지만
그중에서도 특히 오페라는 오늘날까지도 많은 사랑을 받고 있습니다.

빈으로 나와 자유인이 된 이후 모차르트는 오페라 <후궁으로부터의 도주>와
피아노 협주곡 등을 작곡하였습니다.
이즈음, 모차르트는 고전주의 정신을 음악으로 표현하기 위해 많은 노력을 기울였고,
그 결과 고전파 음악을 확립하기에 이르렀습니다.

이 시기 모차르트는 어느 것에도 얽매이지 않는 자유를 꿈꾸면서
자신의 감정을 솔직하게 표현하였습니다.
타락한 귀족들을 비웃는 내용의 <피가로의 결혼>이나 <돈 지오반니>같은 작품은
이때 만들어졌습니다.
이 두작품은 이후에 만들어진 <마술피리>와 함께 모차르트의 3대 오페라로 꼽히는 작품입니다.

피가로의 결혼

너무 일찍 떠난 천재

왕과 귀족으로부터 벗어나는 것이 예술가로서 자유를 찾는 길이라는 것은
틀림이 없지만 그것이 곧바로 음악가들의 행복을 보장해 주는 것은 아니었습니다.
오히려 고정적인 수입을 잃는 바람에 경제적인 어려움에 처하는 경우가 대부분이었는데,
그것은 모차르트도 마찬가지였습니다.
빈으로 간 모차르트는 오페라<피가로의 결혼>, <돈 지오반니> 등을 발표,
대성공을 거두어 많은 돈을 벌었지만 얼마 못 가 모두 탕진하고 말았습니다.
모차르트 자신이 워낙 경제 감각이 없는데다가 아내 콘스탄체마저 낭비가 심했으므로
모차르트는 곧 빚더미에 앉게 되었습니다.

게다가 아내와의 결혼때문에 인연마저 끊었던 아버지까지 세상을 떠나자
모차르트는 상심에 젖은 나머지 건강이 급속히 나빠졌습니다.
그러나 가난과 병마에 시달리면서도 모차르트는 계속 음악을 놓지 않았습니다.
불후의 명작으로 손꼽히는 교향곡 39, 40, 41번도 이시기에 작곡되었습니다.
세상을 떠난 해에도 그는 오페라<마술피리>를 작곡하였고,
눈을 감기 직전까지 죽은 사람을 위한 미사곡 <레쿠엠>을 작곡하였습니다.
1791년, 모차르트는 35년의 짧은 생애를 마감했습니다.
그러나 인류 최고의 천재 음악가가 가는 마지막 길은 너무나 초라하고 비참했습니다.
장례를 치를 돈조차 없을 만큼 가난했던 탓에 모차르트의 주검은
묘비 하나 없이 거의 버려지다시피 쓸쓸하게 묻힌 것입니다.

하이든의 나라사랑

에스테르하지 집안을 나온 하이든은 음악도시 빈으로 갔습니다.
이때 그의 나이 60세, 그러나 그의 명성은 여전히 빛을 발하고 있어서
많은 사람들이 찾아 왔습니다.
청년 베토벤이 찾아와 음악을 배우다 갔고, 영국의 바이올린 연주자 잘로몬이 찾아와
그를 런던으로 초청했습니다.
그는 잘로몬의 청을 받아 들여 영국으로 갔습니다.
그리고, 12곡의 교향곡을 작곡했는데, 그것이 바로 93번부터 104번까지 12곡입니다.
작곡을 의뢰한 사람의 이름을 따서 <잘로몬 교향곡>이라 불려지기도 하는 곡입니다.

드높은 명성에 걸맞게 영국 사람들은 하이든을 극진히 대접했습니다.
덕분에 하이든은 부와 명예를 맘껏 누렸습니다.
영국인들은 헨델처럼 하이든도 영국에 귀화하기를 원했습니다.
그러나 하이든은 고개를 저으며 말했습니다.

"영국에는 내가 원하는 모든 것이 있으나, 단 하나 나의 모국 오스트리아가 없다."

영국에 머문 덕분에 하이든은 몇가지 중요한 업적을 남겼습니다.

천지창조 악보 표지

헨델의 오라토리오를 보고 큰 감명을 받아 <천지창조>와 <사계>라는 오라토리오를 만들었고,
또 영국 국가를 보고 돌아와 오스트리아 국가를 만들었던 것입니다.

이때 하이든이 만든 오스트리아 국가는 현재 독일의 국가로 쓰이고 있습니다.
이후 하이든은 은퇴하여 편안한 생활을 즐겼습니다.
자신이 음악을 가르치기도 한 한창 나이의 베토벤이 젊은 날의 자신처럼
이름을 떨치는 것을 지켜보던 그는 나폴레옹이 빈을 침공하기
바로 직전 77세의 나이로 세상을 떠났습니다.

고전주의 음악을 완성하다

천재 소년 모차르트와 가난한 대장장이의 아들 하이든은 서로 다른 과정을 거쳐
작곡가의 길을 걷게 되었습니다.
비록 환경은 달랐으나 두 사람은 당시 유럽을 휩쓸기 시작한 고전주의의 이상을
음악으로 실현하는데 앞장섰습니다.

형식과 내용, 육체와 정신의 조화를 통해 완벽한 아름다움을 실현하려는
고전주의의 이상은 다양한 느낌을 대조하면서 전체적인 조화와 통일을 추구하는 형식으로 나타났는데,
그 결과 소나타와 화성악 등이 발달하였습니다.

소나타(Sonata)는 바로크 시대에도 있었는데, 그때까지만 해도 기악곡을
통틀어 일컫는 말로 쓰였습니다.
그러다가 고전주의 새대에 와서 일정한 형식을 일컫는 이름으로 불리게 되었지요.
소나타 형식은 1720년대부터 18세기 중엽에 걸쳐 유럽 각지에서 활약했던
음악가들에 의해 서서히 만들어진 형식으로, 1780년대 이후 하이든,
모차르트, 베토벤의 작품에서 완숙한 모습을 갖추었습니다.

바로크 시대에는 하나의 악곡에는 하나의 주제밖에 나타나지 않는
이른바 '단일 주체성'이 특징이었지만, '서로 다른 것의 조화'를 추구하는 고전파에서는
복수의 주제를 설정함으로써 재미와 다양함을 추구하였습니다.
즉 서로 다른 분위기를 가진 세 부분 - 제시부, 전개부, 재현부 - 이 각 완결성은 갖되
전체적으로 조화를 이루도록 함으로써 다양성과 대조, 조화와 통일을 추구한 것입니다.
대개 제시부는 밝고 빠른 느낌이 연주되었다가 전개부에서는 차분하고 느린 곡조로 바뀌고,
다시 재현부에서는 제시부의 밝은 느낌으로 돌아갑니다.
고전주의 교향곡 작품들은 대체로 1악장이 소나타 형식으로 씌여 있습니다.
그래서 소나타 형식은 '제1악장 형식'이라고도 불립니다.

소나타 형식은 교향곡, 협주곡, 실내악곡을 형성하는 근본적인 형식으로
고전주의 음악을 대표하게 되었고, 이 소나타 형식의 완성을 통해
서양음악은 비약적으로 발전하게 되었습니다.
봉건제도가 무너지면서 사람들은 권위에 무조건 복종하던 습성을 버리고
이성적, 합리적으로 사고하고 행동하기 시작했습니다.
또 앞서 말한 것처럼 조화와 통일을 중시하였는데, 그에 따라 음악도 합리성과 조화를
추구하는 쪽으로 변화하였습니다.

바로크 시대에 유행하던 복잡한 대위법을 버리고, 주 멜로디에 화음 반주를 넣어
조화를 이루는 음악을 만든 것입니다.
이렇게 만들어진 음악은 화음, 즉 화성으로 만들었다 하여 '화성음악(homophony)'이라고 불렸는데,
바로크 시대의 '다성음악'과 달리 주된 멜로디가 선명하게 드러나기 떄문에
쉽게 따라 부를 수 있게 되었습니다.

바로크 시대까지 협주곡은 주로 합주 협주곡,
즉 독주 악기군과 관현악이 대립하는 형태가 많았습니다.
그러나 고전주의 시대에 들어오면서 독주악기와 오케스트라를 대등하게 놓고
다채롭게 대비하는 형태가 주류를 차지하였습니다.
이 또한 서로 다른 것의 대등한 조화를 꿈꾸는 고전주의의 이상이 낳은 변화였습니다.

교향곡(symphony)은 관현악으로 연주되는 다악장 형식의 악곡입니다.
원래 신포니아(sinfonia)라는 것은 오페라나 칸타타, 오라토리오 등 여러곡으로 이루어진
성악곡을 연주하기 전에 순수한 기악곡으로 연주하던 것이었는데,
고전주의 시대에 이르러 독립적인 다악장의 곡으로 바뀌게 되었습니다.

형식적으로는 관현악을 위한 소나타이지만 피아노 소나타 등 많은 악곡이
3악장으로 구성된 것과 달리 교향곡은 현악 4중주곡과 마찬가지로
기본적으로는 4악장으로 이루어져 있습니다.
구성은 보통 소나타 형식의 빠른 악장인 제1악장,
조용한 느낌의 제2악장,
미뉴에트 또는 스케르초의 제3악장,
그리고 론도 또는 소나타 형식의 매우 빠른 악장인 제4악장으로 되어 있습니다.

tag : 음악, 모차르트, 소나타, 천재, 음악가, 작곡가, 하이든, 고전주의, 교향곡의아버지, 음악신동, 화성음악

공릉동 주민센터 홈페이지 이래도 되는가? 2탄

2009-02-18T13:22:10Z

노원구청에서 관리하는지 어디에서 관리하는지는 모르겠지만

공릉동에 새롭게 이사오는 사람이나 공릉동에 대한 정보를 얻으려고 하면
일차적으로 안내가 필요한 곳이 주민센터가 아닌가?
그런데 주요 포털사이트에 올려져있는 주소로 접속을 하면
월계동 주민센터가 초기화면으로 떠오른다.
도대체 링크를 바로 거는 것이 그렇게도 힘이 든단 말인가?
거기다가 기본적인 내용들도 엉망이다.
예를 들어 초등학교나 중학교, 고등학교, 은행에 대한 검색을 하면
잘 정리된 리스트가 나열되는데 어떤것은 너무나 말이 안되는 리스트가 떠오른다.
없어진 데도 있고 중복된 리스트도 있고....도대체 리스트 작성하면서
홈페이지 검색조차 안해본단 말인가?
노원구민의 세금을 거두어서 운영을 하면서 어떻게 이럴 수가 있단 말인가?
하루빨리 시정이 되었으면 하는 바램이다.

tag : 노원구, 홈페이지, 주민센터, 공릉동, 노원구청

공릉동 주민센터 홈페이지 이래도 되는가?

2009-02-18T02:18:06Z

공릉동 주민센터 홈페이지는

왜 월계동 주민센터를 거쳐야 하는가?

도무지 이해가 가지 않는 부분이다.
공릉동 주민센터 홈페이지로 접속을 했더니 월계동 주민센터 홈페이지로 연결되고 있다.
혹시나 해서 공릉2동과 공릉1,3동 따로 접속을 했더니 마찬가지이다.
물론 월계동 주민센터로 접속한 후에 공릉동 주민센터를 찾으면 접속은 되는데...
노원구에서 아마도 통합관리하면서 생긴 문제인 것 같은데
하루빨리 시정이 되었으면 하는 바램이다.

tag : 주민센터, 공릉동

카라바조의 휴식을 위한 음악명화 - 류트 연주자 The lute player

2009-02-15T07:39:37Z

카라바조, 이집트로 이동중의 휴식, 1596~1597년경, 캔바스에 유채

Rest on the Flight to Egypt

Oil on Canvas: 1596
133,5 x 166,5 cm
Galleria Doria-Pamphili, Rome

미술의 성스러운 오케스트라에 참여하면서 오랜 역사를 구가했던 현악기의 조상들에게

바이올린과 악마의 만남은 좀처럼 어울리지 않는다.

이집트로 가는 길에 잠시 쉬고 있는 성 가족에게 음악을 들려주기 위해

현악기 중 하나가 악보를 들고 하늘에서 내려 왔다.

갓 태어난 아이들을 모조리 학살하라는 헤로데의 명령으로 야심한 밤을 틈타

병사들을 피해 길을 떠나는 '마태복음'의 피난민 이야기는 화가들이 즐겨 다루던 주제였다.

외로운 유랑자들이 고된 여행길에 잠시 걸음을 멈춘 순간을 포착한

어둑하고 낯선 풍경은 인간적인 향취를 물씬 풍긴다.

그 사람들은 그 전이나 혹은 그 아래로 매일밤마다 애처로운 무리들 사이에서

숨죽이며 웅크려 있어야만 했다.

주제를 다룬 다양한 작품들에서, 전체적인 장면은

음악적인 상징과 영원한 패러독스에 의해 변모된다.

바로 영혼에 안식을 가져다 주는 음악에 의해서이다.

당시 이십대 초반이었던 카라바조(Caravzggio, 1571~1610)는

여기서 좀 더 폭넓은 인간의 동정심을 유발시키는 순간을 위해 자신이 즐겨 그리던

폭력과 동성애적인 풍자이미지를 과감히 벗어난다.

이전의 작품에서는 유혹의 수단으로 등장하던 음악이,

이 작품에 이르러서는 은총을 전하는 역할을 맡고 있다.

음악은 신, 여성, 남성, 그리고 모든 짐승들을 위로해 준다.

이 그림은 아마도 풍경을 다룬 야경화라기보다 차라리 아침의 노래라고 해야 할 것이다.

맨발을 찌르는 날카로운 돌, 얼기설기 뒤얽힌 덤불숲, 부러진 나뭇가지들 같은 모든 비극적인 요소들이

불현듯 첫 새벽의 아름다운 빛에 감싸인다.

마리아와 아이가 잠들어 있는 한 쪽에서, 요셉은 지친 성모를 위로하기위해 내려온

천사를 맞이하듯 악보를 손에 들고 있다.

마태오의 이야기에 등장하는 요셉은 결국 불길한 사건을 예견하는 꿈에서

천사를 만나고, 그 천사에게서 헤로데의 죽음을 전해 듣는다.

생생하고 사실적인 화법으로 유명한 카라바조(현대 영화감독 테릭저먼이 그의 삶과 집시정원을 영화로

훌륭하게 재현해 내기도 했다.)는 녹초가 된 요셉이 지친 팔을 다리에 엊은 모습을

그림으로써 사실과 흡사한 그럴듯한 분위기를 꾸며냈다.

다른 사람을 위해 악보를 들고 있어 본 경험이 있는 사람이라면

누구나 고개를 끄덕일만한 자세이다.

돌과 물병의 입체적인 모습, 만신창이가 된 노인의 발,

고통스러운 듯 다른 사람에게 기대고 있는 자세 등,

카라바조의 매우 햔실적인 표현들이 여기서는 몇가지 의문을 불러 일으킨다.

다른 사람도 아닌 천사가, 얼핏 보기에도 아주 단순해 보이는 멜로디를 채 외우지 못한 것일까?

그러나 순간 그 질문에 당황한 음악가는 불경스럽게도 천사나 되니까

네 명의 관객에 만족할 수 있는 것이라며 둘러댈 것이다.

그뿐이 아니다. 고작 넷뿐인 관객중에서 둘만 깨어 있고, 게다가 그 중 하나는 나귀가 아닌가?

이론적으로 접근하는 사람이라면 그 장면이야말로 이제까지 본 연주중에

가장 특별한 독주라고 생각할 수도 있을 것이다.

그러나 부드럽고 부차적인 상징으로 눈을 돌리게 만드는

그림의 분위기와 조화에 아랑곳하지 않고, 모든 회의적인 생각은 씻은 듯이 사라진다.

성녀의 온화한 오른손은 평안한 휴식을 생생하게 표현한다는 점에서

연주되는 음악과 흡사하다.

뒤이어 어둠이 다가온다.

카라바조, 류트 연주자, 1595~1596년경, 캔바스에 유채, 에르미타쥬 미술관, 상트페테르부르크

The lute player

Oil on Canvas: 1596
133,5 x 166,5 cm

카라바조가 그린 또 다른 작품의 좀 더 전형적인 풍경에서 볼 수 있듯,

바깥 풍경은 카라바조의 그림에서 영원히 멀어지고,

음악가는 이제 실내로 들어간다.

예수 탄생의 이야기와 화가의 상상력에 등장하는

기적같은 순간을 불가사의하게 만들면서...

Michelangelo Merisi da Caravaggio, 1571 ~ 1610

미켈란젤로 메리시(Michelangelo Merisi, 1571년 9월 29일 – 1610년 7월 18일)는

이탈리아 밀라노출신의 화가이다.

태어난 마을의 이름인 카라바조(Caravaggio)로 잘 알려져 있다.

그의 삶은 불가사의하고 매혹적이며 위험했던 것으로 여겨진다.

그는 1600년 로마 미술계에 갑자기 등단했다.

그 이후 그는 어떠한 수입이나 후원자도 없었으나 그는 극적인 성공을 거두었다.

초기에 발표된 그에 관한 비평은 1604년까지 거슬러 올라가며

그 앞의 3년간의 삶을 묘사하고 있는데 그 비평은 이렇게 말한다.

"2주간의 작업 후 그는 데리고 다니는 하인과 함께 한 두 달간 칼을 들고

테니스장 여기저기를 으스대며 다녔고 싸움이나 논쟁에 개입되기도 하였다."

그러다가 1606년 5월 29일 테니스 경기도중 말다툼 끝에 상대인 젊은 남자를 살해하고 사형을 선고받았다.

그러나 그는 현상금이 걸린 채 로마를 도망쳐 나왔다.

이후에도 1608년 몰타에서 말다툼에, 1609년에 나폴리에서 또 다른 말다툼에 개입되었다.

이런 요인들로 인해 정체를 알 수 없는 적이 그를 고의로 살해한다.

다음 해인 1610년에 그의 10여년간의 활동을 뒤로 한 채 포르토 에콜레(Porto Ecole)에서 사망하였다.

그는 극적인 조명과 사실적인 묘사로 바로크 양식의 탄생에 많은 영향을 주었다.

초기에 사실적이고 파격적인 주제들로 인해 비난과 사회적 물의를 일으켰으나

점차 인정받게 되어 유명해진다.

로마에서 오랫동안 활동하며 미술의 흐름을 급격히 변화시켰다.

사망 후 오랫동안 잊혀졌다가 20세기에 들어서 재발견되어 거장으로 재평가되었다.

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음유시인과 고대의 신들

2009-02-15T01:45:01Z

음유시인과 고대의 신들

키클라데스의 '하프를 든 좌상'

Seated harp player, ca. 2800–2700 B.C.; Early Cycladic I–II
Cycladic; Grotta-Pelos culture
Marble; H. with harp 11 1/2 in. (29.2 cm)
Rogers Fund, 1947 (47.100.1)

음악보다 앞선 것은 아무 것도 없다.

100만년전 아프리카의 도끼와 연장이 인간 활동에 대한 첫번째 증거물이었다 할지라도.

다른 사람들이 작업을 하는 동안 노동요의 선구자들이 그 반주로 음악을 곁들여주는 장면을

쉽게 상상할 수 있다.

마치 연주를 기다리는 현악기의 현처럼 두뇌의 문양이 일련의 음악적인 구조들을 상징한다는 사실이

언젠가는 입증될 것이다.

이는 언어의 원형이 여러 언어에 어울리게 적용될 태세를 갖추고 있는 양상과도 비슷하다.

높낮이나 운율이 없는 언어는 조악하고기계적일 뿐 아니라 단순한 사물에 대한

무감각한 표현일 뿐이다.

여기서는 높낮이의 변화가 없는 '그림속의 음악'을 살펴보도록 하자.

움직이는 모든 인물을 완벽하게 표현한 초기 유럽의 대작들이 음악가나 시인, 혹은 음유시인을

재현한다는 사실은 어짜 보면 당연한 결과다.

실제로 책보다는 작아 보이는 '하프를 든 좌상'은 언덕을 작아 보이게 만들거나

희미한 푸른 초원을 내려다보는 거상으로, 그 구상 역시 원대하고 어마어마하다.

이 조각상은 그리스의 작은 섬인 키클라데스(지금은 휴양지로 유명하다.)에서 5,000년전에 완성되었다.

그 곳에서는 오랜 시간에 걸쳐 수백 개의 대리석 조각상이 발견되었다.

그 중 가장 큰 규모의 이 작품은 현재 뉴욕 메트로폴리탄 미술관에,

그와 동시대에 제작된 수수께끼 같은 작품들에 둘러 쌓여 있다.

내가 보기에 이 조각상은 노래와 시가 하나였던 시대의 호메로스적인 이미지를 잘 반영하고 있다.

(후에 그들은 앵글로 색슨의 전통을 따랐는데, '베어울프'같은 서사시도

실제로 같은 악기로 연주되었을 것이다.)

이 조각상은 호메로스 이전 시대의 것으로, 호메로스의 이야기에 등장하는 주제보다

앞서 있는 것으로 추정된다.

트로이 전쟁보다 거의 2,000년 이상을 앞서기 때문이다.

우리는 최근 들어서도 간혹 젊은 시절에 창작한 작품으로 나이든 거장들을 판단하는 실수를 범하곤 한다.

수염이 텁수룩한 늙은 구두쇠의 모습을 한 브람스(Johannes Brahms, 1833~1897)가

더 이상 패기넘치고 정열적인 작곡가가 아니듯이,

주름진 얼굴의 아인슈타인이 혁신적인 이론을 발견했다는 사실에도 의구심을 품는다.

이 음유 시인은 사랑, 전쟁, 그리고 고통을 생생하게 기억하고 있는 인물이다.

호메로스도 키오스 섬(전설에 따르면 호메로스는 그 섬 출신이다.)에 앉아서

노래를 부르던 젊은 시절이 있었다.

다른 악기에서처럼, 이 악기에도 자연의 세계를 암시하는 구석이 있다.

여기서는 툭 튀어나온 부리 모양의 백조를 닮은 아치가 음악의 이미지를 상상하게 만든다.

전체적으로 살펴보면, 조각상은 연주자와 의자의 오른쪽 귀퉁이에서 시작해서

세워놓은 하프의 아랫부분까지 차례로 울려 퍼지면서 반복되는 음악의 선율을

머릿속에 그릴 수 있도록 고안되었다.

그 엄격한 진행과정은 악기의 나머지 부분이 보여주는 서정미넘치는 곡선을 따라가는데,

그때의 긴장감이란 있지도 않은 현을 상상하게 하고 연주된 음악에 대한 기대감을 고조시킨다.

당시의 풍부한 상상력이 의심스럽다면, 가장 고리타분한 학술서에서도 '바이올린을 닮은 신상'으로 묘사된,

동일한 키클라데스의 유적에서 발견된 다른 여러 신들의 모습을 찾아 보라.

모든 의심이 일거에 사라질 것이다.

물론 그 말은 신이 바이올린처럼 생겼다는 뜻이 아니라,

오히려 바이올린이 신을 닮았음을 의미한다.

우리가 여기에 등장하는 하프연주자의 음악에 대해 아무것도 알지 못하듯이,

조각상의 형태에 대해서도 아는 바가 없다.

그 연주자가 다른 이들의 주목을 끄는 음악을 연주했는지,

아니면 균형이 잘 잡힌 엄지손가락으로 잦아드는 마지막 선율을 연주하고 있었는지는 알 수 없다.

하프 연주자의 입은 굳게 닫혀 있다.

음유시인이나 점술가처럼 그는 그저 하염없이 허공을 응시할 뿐이다.

그가 연주하는 음악은 아직 끝난 게 아니라, 이제 영원히 시작할 찰나에 있다.

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