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옛 대우빌딩 세계최대 미디어아트 건물로 _ 건물외벽 LED 예술이 흐른다

2009-11-30T02:24:41Z

옛 대우빌딩 세계최대 미디어아트 건물로

건물외벽 LED 예술이 흐른다

오후 6시 사방은 깜깜한데 서울역 앞 서울스퀘어 건물(옛 대우빌딩)은 환하게 빛난다. 굵고 검은 선으로 단순화된 현대인들이 건물 외벽의 전면 위를 걸어다니고, 르네 마그리트의 ‘우산을 쓴 사람’이 줄줄이 외벽을 타고 내린다. 서울역에서 빠져나온 시민들은 한동안 발걸음을 멈추고 휴대전화 카메라를 꺼내 도시의 장관을 담는다.

●줄리언 오피·양만기 비디오작품 등 상영

서울스퀘어의 모든 공공미술을 시공한 가나아트갤러리 측은 23일 “작품을 선보인 지 약 일주일 됐는데 1시간에 10분씩 상영하는 시간을 더 늘려달라고 요청하는 등 시민들의 반응이 매우 좋다.”고 소개했다.

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▲ ① 줄리언 오피의 ‘워킹 피플’이 상영되고 있는 서울스퀘어.
② 양만기의 미디어아트 ‘미메시스 스케이프’가 서울스퀘어 외벽에서 펼쳐지고 있다.
가나아트갤러리 제공.

한국 근대화의 상징인 대우빌딩이 세계 최대의 미디어아트 건물로 새롭게 태어났다. 지난 18일부터 서울스퀘어 건물의 4층부터 23층까지의 외벽은 가로 99m에 세로 78m의 미디어 캔버스가 됐다. 발광다이오드(LED) 전구 6만개를 촘촘히 박아 1년10개월 동안 30억원을 들여 만들었다는 후문이다. 겨울에는 오후 6시부터 11시10분까지 정시마다 10분씩 LED로 줄리언 오피와 양만기의 비디오 작품이 서울스퀘어 외벽에서 상영된다.

영국 현대미술을 대표하는 작가 줄리언 오피는 영국 록 밴드 블러의 앨범 ‘더 베스트 오브’의 표지 작업으로 친숙하다. 한국에서는 그의 굵고 검은 선으로 움직임이 강조된 인물이 등장하는 신용카드사 TV 광고로도 소개됐다.

앤디 워홀 이후의 팝 아티스트로 칭송받고 있지만 줄리언 오피는 자신의 작품을 ‘사실주의’라고 말한다. 인터넷 홈페이지(www.julianopie.com)를 통해 아기 턱받이 등의 예술 상품을 팔 정도로 대중적인 작가이기도 하다.

한국의 대표적인 미디어 아티스트인 양만기는 남산을 중심으로 시간과 계절별로 시시각각 변화하는 서울의 모습에 르네 마그리트의 대표적인 이미지인 중절모에 우산을 쓴 사람이 중첩된 환상적인 화면을 선보인다.

기네스북에도 오를 예정인 서울스퀘어의 미디어 캔버스는 건물 외벽을 대형 스크린처럼 꾸미는 서울시의 미디어 파사드 심의를 통과한 1호 작품이다. 서울시는 브뤼셀의 덱시아타워나 도쿄의 샤넬타워처럼 서울스퀘어가 서울의 랜드마크가 될 수 있지만 빛 공해나 광고화를 우려해 두 달이 넘도록 신중하게 심의했다.

결과적으로 서울스퀘어의 미디어 캔버스는 반사체 표면의 밝기인 휘도가 적당해 야간 운전자의 시야에 빛 번짐 현상 등을 일으키지 않는다. 한 달 전기료는 아파트 두 채에서 쓰는 정도의 수준이라고 한다.

현재 서울스퀘어의 소유주는 미국 투자은행인 모건 스탠리다. 기차를 타고 상경한 지방 출신들에게 1970년부터 위압적인 서울의 상징으로 자리매김했던 서울스퀘어는 대우그룹 ‘세계 경영’의 상징이기도 했다. 건물의 리모델링은 끝났으며 입주사들을 위해 내부를 정비 중이다.

●시민들 “상영시간 늘려달라” 뜨거운 반응

건물 5층에서 힐튼호텔로 이어졌던 구름다리와 한국을 대표하는 조각가 고(故) 김수근씨가 일부 설계한 외벽은 선컨 가든 형태로 여전히 남아 있다. 선컨 가든 입구에는 데이비드 걸스타인의 대담한 색상의 자전거를 타는 사람, 나무 등이 설치됐고 배병우의 소나무 사진과 론 아라드, 지니서, 박선기, 김은주의 작품이 서울스퀘어 곳곳을 장식하고 있다. 서울스퀘어에 설치된 미술 작품들의 총 가격대는 60억원 수준이다.

줄리언 오피의 작품을 시작으로 2010년부터 서울스퀘어에 미디어센터가 설치되어 서울시와의 협의를 통해 작품들이 지속적으로 상영될 예정이다. 서울스퀘어에서 상영되는 줄리언 오피의 작품 속에서는 익명의 군중이 강처럼 걸어간다. 오피는 “인간에게 움직임은 매우 중요하다. 살아 있는 동안 인간은 항상 움직이고 움직임으로 인해 살아 있는 것을 알 수 있다.”고 말했다.

출처: 서울신문

윤창수기자 geo@seoul.co.kr

그래픽 강미란기자 mrkang@seoul.co.kr

[이대형의 ‘큐레이터 따라하기’] 현대미술작가로 성공하려면

2009-11-30T02:17:00Z

“전시를 해도 신문기사 한 줄 나오기가 쉽지 않아요. 작품을 잘 아는 주변사람 이외의 사람들에게 내 작품을 판매한다는 것은 상상하기도 어렵고요. 그러니 초대전시를 해주는 화랑을 잡기란 하늘의 별 따기죠. 수백만원을 들여 도록도 만들고 초청장도 보내는데 왜 사람들이 몰라 줄까요?” 사립미술관 협회에서 기획한 아티스트 매니지먼트 프로그램의 일환으로 경기도 광주 영은미술관에서 있었던 특별 강연 중 작가 A가 스스로를 ‘아마추어’ 작가라고 소개하며 물었다.

왜 똑같이 열심히 작업하는데 누구는 주목받고 누구는 그러지 못할까. 실제로 작품성이 떨어져서(?), 혹은 너무 상업적이어서(?). 그렇지 않다. 작품성이 떨어진다거나 너무 상업적이어서 주목을 받지 못하는 것이 아니다. 작품성에 대한 평가는 상대적이고 시간에 따라 달라지는 변수가 있다. 그 변수는 작품 외적인 환경을 말한다. 세상에 좋은 작가와 좋은 작품의 숫자는 많다. 그러나 공간과 기회는 한정적이다. 필자는 ‘아마추어’ 작가 A에게 다음과 같이 조언하고 싶다.

현대미술은 퍼즐과 같다. 쉽게 이해할 수 있으면 쉽게 싫증나고 그렇다고 너무 어렵게 만들어 버리면 게임 자체를 포기하기 쉽다. 좀 쉽게 만들어 놓으면 좀 더 많은 사람이 즐길 수 있는 보급형이 되지만 이런 보급형을 가지고서는 마니아층을 공략할 수 없다. 그렇다고 너무 어렵게 만들어 버리면 마니아층을 확보할 수는 있겠으나 보급 자체가 어려워지는 딜레마에 빠진다. 너무 어렵지도 않고 그렇다고 너무 쉽지도 않은 수준 높은 퍼즐을 만드는 방법은 없을까.

결론부터 말하자면 어려워서 보급하기 힘든, 이전에 볼 수 없었던 퍼즐을 만들 것을 조언한다. 복잡해서 다양한 해석이 가능한 구조를 가지고 있으면 더욱 좋다. 여기서 명심할 부분은 난해한 퍼즐의 출발점이 작품 내적인 구조에서 비롯되어야 한다는 점이다. 그리고 이는 물리적인 구조가 아니라 의미의 구조라는 사실을 알아야 한다. 자, 그럼 이 퍼즐을 즐길 사람들을 어떻게 끌어모을 수 있을까.

해답은 의외로 작품 밖에 있다. 개별 작품이 아닌 작품이 놓이는 전시, 전시장, 전시 시기 등 작품의 외적인 환경 말이다. 이 외적 환경은 주어지는 것이 아니라 능동적으로 선택할 수 있는 환경이다. 그리고 이 어려운 퍼즐에 접근하는 통로를 어떻게 만들어낼 것인가 고민해야 한다. 여기에는 미디어가 관심을 가지고 접근할 수 있는 통로, 큐레이터가 작품을 이해하고 그 작품을 선택하기까지의 통로, 관객이 감동을 받을 수 있는 통로, 컬렉터가 작품을 구매할 수 있는 통로 등 다양한 형식의 예상 통로를 머릿속에 그려볼 수 있다.

여기 빵 하나가 있다고 가정하자. 그리고 이 빵을 12시간 안에 팔아야 하는 미션이 주어졌다. 당신은 조악하게 생긴 빵을 들고 고민한다. ‘이걸 어디다 팔아야 하지? 아 생각났다. ○○여고 앞이 좋겠다.’ 학생들 하교 시간에 맞춰서 학교 정문에 도착했다. 그런데 이게 웬일인가? 크라운 베이커리, 파리 바게트, 던킨 도너츠 등 거대한 제과점이 이미 학교 앞을 점령하고 있다. 한참을 기다리다 좀 어수룩해 보이는 여고생을 잘 설득해 기어이 빵을 팔았다. 성공적인 하루였다. 그런데 내일 또 다시 빵을 팔아야 한다고 생각하니 머리에 쥐가 난다. 당신은 직접 만든 빵이 주변 다른 경쟁 업체와 비교해 어떤 장점과 단점을 가지고 있는지 고민하기 시작한다. 대형 업체들이 다양한 맛의 여러 빵을 바탕으로 브랜드 마케팅에 집중하고 있어 쉽지 않은 경쟁이 될 것이라는 것을 알고 있다. 그런데 오늘은 어제 당신의 빵을 사먹은 순진한 여학생의 모습이 보이지 않는다. 당신은 당신의 빵이 맛있고 건강에도 좋다는 것을 잘 알고 있지만 여고생들은 직접 먹어보지 않는 이상 그 맛을 알 수 없다. 그런데 아무도 먹어 보려고 시도조차 하지 않으니 이 난국을 어떻게 해쳐나가야 할까? 포장을 바꿔볼까? 빵과 함께 팔 수 있는 사이드 메뉴는 무엇이 있을까? 빵 이름은 뭐라고 해야 사람들이 기억해줄까?

다시 미술로 돌아와 보자. 빵을 팔거나 미술을 팔거나 이 서로 다른 상품의 판매에 적용되는 전략은 상당부분 비슷한 면이 많다. 먼저 타깃이 되는 시장을 파악해 누구에게, 언제, 어디서 판매할 것인지 분석한다. 여기서 판매라는 말은 빵 하나, 그림 한 점 등 물리적인 대상을 의미하지 않는다. 이미지의 소비를 의미한다. 그림 한 점 판매하는 것이 중요하겠지만, 앞서 이야기한 대로 미디어, 관객, 컬렉터 등 다양한 단계에 위치하고 있는 사람들이 찾아올 수 있는 경로를 만들어내야 한다.

그럼 본격적으로 ‘아마추어리즘’의 껍질을 탈피하는 방법은 무엇이 있을까. 가장 시급한 일은 작가 스스로 정의 내리고 있는 ‘현대미술’ 혹은 ‘아름다움’이란 개념으로부터 자유로워지는 것이다. 그러기 위해서는 그동안 굳어버린 딱딱한 머리를 말랑말랑하게 만들 필요가 있다. 즉 새로운 시점으로 세상을 바라볼 수 있는 새로운 눈이 필요하다.

여기 사진 두 장이 있다. 하나는 천사를 표현한 조각 작품으로 보이고 다른 하나는 속옷 패션쇼에 천사의 날개를 달고 나온 모델을 찍은 사진으로 보인다. 그래서 사람들은 하나는 천사, 다른 하나는 천사가 아니라고까지 말한다. 그런데 만약 이 빅토리아 시크릿 모델의 날개 단 모습을 조각기법으로 다시 재현하고, 조각 작품의 의상과 날개를 실제 공간에서 재현해 사진으로 표현한다면 어떨까? 그럼 상황은 역전된다. 우리가 천사라고 부른 진짜 이유는 날개를 가지고 있어서가 아니다. 사진은 현실을 있는 그대로 반영해야 한다는 오래된 선입관이 있기 때문이다. 그래서 세상은 현실 속에 천사가 존재하지 않는다는 사실을 잘 알고 있다. 여기서 천사가 중요한 것이 아니다. 천사는 표현하는 매체에 따라, 상황 문맥에 따라 가짜가 되기도 하고 진짜가 되기도 한다는 점이 중요하다.

스스로 ‘아마추어리즘’의 굴레에 갇혔다고 상담하는 작가 A는 우선 스스로 자신이 줄 그은 동그라미 밖으로 나오는 연습부터 해야 한다. 변화와 소통에 대한 고민은 뒤로 미룰 수 있는 성질이 아니다. 세상을 새롭게 볼 수 있는 구조적인 눈과 더불어 소통에 대한 진지한 고민이 있을 때 어렵지만 도전해 볼 만한, 안 해보던 퍼즐게임이 완성된다.

/milklee@gmail.com 큐레이팅 컴퍼니 Hzone 대표

출처: 파이낸셜 뉴스

tag : 미술관, 프로그램, 여학생, 던킨도너츠, 크라운베이커리

김환기 그림, 박수근 제치고 `황제株` 등극

2009-11-30T02:07:41Z

김환기 그림, 박수근 제치고 `황제株` 등극

올 경매 낙찰총액 54억집계…박수근 보다 17억 많아
서울·K옥션분석, '빨래터' 위작 논란 틈타 거래활기

최근 K옥션 경매서 9억원에 낙찰된 김환기의 '새와 달'

수화 김환기 화백(1913~1974년)의 작품이 올해 경매 낙찰총액 50억원을 돌파하며 박수근 화백(37억원)을 누르고 미술시장의 새로운 '황제주'로 떠올랐다.

22일 국내 양대 경매업체인 서울옥션과 K옥션이 올해 낙찰된 현대미술 '빅3' 박수근 · 이중섭 · 김환기 화백의 경매 실적을 분석한 결과 김 화백 작품은 출품작 21점 중 15점이 팔려 낙찰률 71%,낙찰총액 54억5935만원을 기록했다.

반면 최고의 '블루칩'으로 자리매김했던 박수근의 작품은 총 9점 중 7점이 낙찰돼 낙찰률 78% · 낙찰총액 37억4980만원,이중섭 작품은 3점 중 2점이 팔려 낙찰률 67% · 낙찰총액 1억1500만원인 것으로 나타났다. 박수근 그림의 지난해 낙찰총액은 64억원으로 김환기(45억원)보다 20% 정도 많았다.

김 화백의 작품이 미술시장의 '황제주'로 떠오른 것은 올해 서거 35주년을 맞아 좋은 작품이 대거 시장에 나오면서 일부 '큰 손'컬렉터들의 '사자'가 잇따른 데다 박수근 '빨래터'와 이중섭의 그림들이 그동안 위작 논란에 휩싸이면서 거래가 위축되면서 반사이익을 본 때문인 것으로 풀이된다. 다만 김 화백 작품이 그간 국내시장에서 주로 유통됐다는 점을 들어 황제주로 자리매김할 것인지는 좀더 두고봐야 할 것이란 지적이다.

◆어떤 작품 거래됐나＝올해 국내 근 · 현대 미술품 경매 최고가 '빅10' 가운데 김 화백의 작품은 무려 4점이나 된다. 지난 6월 K옥션 경매에서 17억원에 낙찰된 1970년작 '무제 1-VI-70 #174'를 비롯해 '항아리'(9억1000만원) '새와 달'(9억원) '새'(8억원) 등이다.

국내에서 경매시장이 활기를 띠기 시작한 2005년 이후 김 화백의 작품은 총 196점이 출품돼 143점이 낙찰됐다. 거래총액 306억원,점당 평균 낙찰가는 2억1400만원 꼴이다.

김 화백은 생전에 유화(500여점),과슈(수채화 · 1000여점)를 포함해 2000여점을 남긴 것으로 알려지고 있다. 작품은 한정돼 있는데 찾는 사람이 많아 작품값은 강보합세를 유지하고 있다. 현재 서울 인사동 등 화랑가에서 호당(18×14㎝) 가격은 4000만~5000만원 선을 호가한다. 1950년대에 그린 유화 작품 '꽃과 항아리'는 2007년 서울옥션 제106회 경매에서 30억5000만원에 팔려 자신의 경매 최고 낙찰가를 기록했다.

◆한국적 소재 매력=김 화백의 작품은 한민족의 성정을 청색과 독특한 기법으로 그렸다는 점에서 높이 평가받고 있다. 윤진섭 국제미술평론가협회 부회장은 "수화의 예술은 한마디로 청색 점화와 달항아리의 예술"이라며 "달항아리,새,매화,여인 등을 투박한 질감으로 그려냈고，뉴욕을 중심으로 평생 성실한 작가로 일관했던 삶 등이 감동을 주기 때문에 인기를 끌고 있는 것 같다"고 말했다.

다만 김 화백의 작품이 세계 미술시장에서 인정을 받는데 한계가 있다는 지적도 나온다. 지금까지 김 화백 작품은 대부분 한국인이 매입했고 외국인 컬렉터나 해외 유명 미술관에서 거의 소장하지 않고 있기 때문이다.

김윤섭 한국미술경영연구소장은 "미국 뉴욕에서 활동한 김 화백은 외국에서 작품 활동을 했음에도 여전히 해외 컬렉터들이 구입에 나서지 않고 있다"며 "이제는 한국 현대미술 1세대 작가 작품의 해외시장 마케팅에 대해 고민할 때가 됐다"고 말했다.

김경갑 기자 kkk10@hankyung.com

tag : 뉴욕, 유화, 미술관, 예술, 마케팅, 현대미술, 경매, 박수근, 김환기, 낙찰, 한국현대미술, K옥션

에드윈 로드 윅스 - 화가야, 여행가야?

2009-11-30T02:00:37Z

다른 모든 것을 제외하고 그림만 놓고 단순하게 본다면 저는 19세기 후반 오리엔탈리스트들의 작품이 제일

좋습니다. 섬세한 묘사와 화려한 색깔을 볼 때마다 감탄을 합니다. 그러나 이런 저런 이유로 그들의 작품은

좋은 평가를 받지 못하고 있습니다. 언제 능력이 갖춰지면 그 이유를 한 번 써보고 싶습니다.

아무래도 작품의 무대인 중동이나 북아프리카 여행은 오리엔탈리스트들에게 필수 코스였겠지요.

많은 화가들 중 오늘 소개할 미국의 에드윈 로드 윅스 (Edwin Lord Weeks / 1849~1903)는 인도 전문 화가

라는 평가 이전에 혹시 탐험가나 여행가가 아닐까 싶을 정도로 여행을 많이 했던 화가입니다.

사하란푸르의 인도 이발사 Indian Barbers - Saharanpur / 142.88cm x 190cm

인도 북부의 도시, 사하란푸르의 길거리 이발소 풍경입니다. 그림을 통해 추정해보면 붉은 색 천이 깔린 곳이

일종의 손님이 앉는 의자가 되겠지요. 신발을 벋고 천에 앉아 원하는 머리 스타일을 말하면 이발사는 작은

거울을 손님에게 쥐어주고 칼이나 가위로 머리를 손질하기 시작합니다. 손님은 땡 볕에 앉아 이발사가 하라는

대로 하고 있는 것이 고생스럽지만 이발을 하고 나면 1주일이 즐거우니까 참을 만 한 일입니다. 인상을 쓰고

있는 꼬마 얼굴을 보니 어렸을 때 이발소 가는 것이 죽기 보다 싫었던 생각이 납니다.

아, 따가워요. 좀 살살하세요.

가만있어 이 녀석아, 움직이면 더 아파

옥신각신 하는 소리가 가득합니다. 그나저나 뒤 쪽의 어른들은 별로 다듬을 것도 없어 보이는데요 ---.

여행과 여행지에 대한 견문록 그리고 작품은 많이 알려져 있지만 상대적으로 윅스 개인에 대한 자료는 알려진

것이 거의 없습니다. 보스턴 교외의 뉴튼에서 출생한 윅스는 부모가 차와 향신료 도매업을 하고 있어서 부유한

환경 속에서 자랐습니다. 때문에 부모는 재정적으로 그림과 여행에 대해 흥미를 가지고 있던 아들을 지원할 수

있었고 또 격려할 수 있었던 것으로 보입니다. 아무래도 여유가 있으면 ----– 좋겠지요.

페르시아 까페 A Persian Cafe

큰 나무 밑에 자리 잡은 카페에 이런 저런 사람들이 모였습니다. 볕이 잘 드는 의자에 앉아 해바라기를 하고

있는 사람도 보이는데 저쪽에서는 작은 소란이 일어났습니다. 얼굴들을 보니 대강 사정이 짐작이 됩니다.

수북이 쌓인 낙엽을 점원이 치우는데 먼지가 일었던 모양입니다.

조금 있다가 하면 안돼, 먼지 나잖아!

주인이 빨리 치우라고 성환데, 지금 치워야 됩니다.

우리나라 같으면 바로 한 마디가 이어졌을 것입니다.

사장 나오라고 해!

아직 어린 나이였지만 윅스는 그림도 그릴 겸 여행을 떠납니다. 플로리다키스 제도를 거쳐 수리남까지의

여행이었는데 이 때 제작한 작품의 연도가 1867년, 열 여덟의 나이였습니다. 작품 구성에 대한 안목이나

그림을 그리는 기법을 고려해보면 회화에 대해 전문적인 수업을 받았을 것이라는 것이 평론가들의 말입니다.

스물 한 살이 되던 해, 윅스는 고향인 뉴튼에 화실을 엽니다. 그리고 같은 해 뉴햄프셔 출신의 프랑세스

롤린과 결혼을 합니다. 이후 롤린과 여행을 함께 한 기록만 남아 있어서 좀 아쉽습니다. 남의 가족 이야기가

뭐 중요하겠느냐고 하시겠지만 언젠가도 썼던 기억이 나는데, 가족 이야기를 알면 한층 화가에 대한 이해가

빠를 때가 있거든요.

코르도바의 이슬람 사원 내부

Interior of the Mosque at Cordova /142.24cm x 182.88cm / 1880~1889

사원의 예배시간인 것 같습니다. 모두 경건히 고개를 숙였습니다. 신에게 바라는 내용은 서로 다르지만

마음은 같겠지요. 그림을 보는 동안 그림 속 인물들이 간절하게 구하는 것들이 모스크 안의 어둠을 건너

하늘에 오르는 상상을 했습니다. 그나저나 간구해야 할 것이 줄어야 할 나이가 되었는데 아직도 갈수록

많아지고 있으니 제대로 사는 것인지 모르겠습니다.

1871년, 스물 두 살의 윅스는 삽화를 그리던 친구 클로즈 (A. P. Close)와 함께 이집트, 예루살렘, 시리아

그리고 다마스커스에 이르는 여행 길에 오릅니다. 스케치북은 북아프리카와 중동의 풍경으로 넘쳐 났습니다.

그러나 함께 갔던 클루즈가 그만 열병에 걸려 베이루트에서 숨을 거둡니다. 그 곳에 친구를 안장한 윅스는

모로코의 탕헤르에 잠시 머물게 됩니다. 그 곳에서 1870년대 그 곳에 살면서 작품 활동을 하고 있던 로버트

가빈 (R. Gavin)을 만납니다. 가빈은 나중에 윅스와 함께 북아프리카를 함께 여행하는 친구가 되죠.

탕헤르 항을 묘사한 1872년 작품이 있는데 오리엔탈리스트 화풍으로 제작된 최초의 것이었습니다.

비단 장사 The Silk Merchants / 91.4cm x 66cm

오린엔탈리스트들의 작품에는 양탄자나 비단을 파는 장면이 자주 등장합니다. 화려한 문양과 색을 놓치고 싶은

화가는 없겠지요. 그런데 비단을 팔러 온 사람을 상대하는 사람은 여자가 아니고 남자입니다. 외간 남자를

직접 대하지 못하는 풍속 때문일까요? 그래도 천으로 가린 뒤에 앉아 비단을 보는 여인의 목소리가 들립니다.

그거 어디에서 가져 온 건지 물어 보세요, 그리고 가격이 좀 비싼 것 같은데 조금 더 깎아 봐요.

비단은 오른쪽 이층 테라스에 있는 여인의 눈 길도 끌어 당기고 있습니다.

이거 중국산 짝퉁 아닙니다. 정말입니다.

수염 난 상인의 걸걸한 목소리가 들립니다.

고향 뉴튼으로 돌아온 윅스는 보스턴 미술 클럽에 그 동안 제작한 작품 전시회를 개최합니다. 지역 신문의

반응은 뜨거웠습니다. 신문들은 그가 화가로서 진일보 했다는 평을 올렸습니다. 그러나 윅스는 여행에서 본

풍경을 잊을 수 없었고 색에 대한 공부를 더 하고자 파리로 갈 결심을 합니다. 이 때는 아내와 함께였는데,

제가 아내였더라도 혼자 가면 가만 안 두었을 것 같습니다.

마차에 누워 있는 무어 소녀, 모로코의 라바트

Moorish Girl Lying On A Couch, Rabat, Morocco / 48.2cm x 72cm

라바트는 모로코의 수도입니다. 화려한 양탄자를 깔아 놓은 마차 의자에 누워 있는 무어 소녀의 모습이 매혹적

입니다. 초기 오리엔탈리스들은 노골적으로 중동이나 북아프리카 여인들을 에로틱하게 묘사했죠.

다분히 여성과 문명 비하에 대한 편견을 가지고 있었기 때문에 못 마땅합니다. 다행이 후기로 오면 좀 ‘점잖아’

지는데, 이 작품 속 나이를 좀처럼 알 수 없는 소녀의 얼굴에는 건강함이 보입니다. 이런 저런 생각이 많이

담긴 눈입니다. 이상하죠 --- 나이를 먹으면서 눈이 작아집니다. 보지 말아야 할 것이 많다는 뜻일까요?

윅스는 파리에 도착, 에콜드 보자르의 장 제롬 화실에 입학 원서를 제출하고 허가를 기다렸습니다. 그러던 중

레옹 보나의 화실에서 우선 공부를 시작하게 됩니다. 보나는 제롬과는 친구 사이였지요. 지난 번 보나를 소개

할 때 좋은 선생님이었다고 했는데 윅스도 그렇게 생각했던 것 같습니다. 기다리던 입학 허가서가 도착했지만

보나와 함께 하는 것에 대만족이었던 윅스는 그냥 보나 밑에 머물기로 결정합니다.

모로코 외곽에 도착한 캬라반 Arrival of a Caravan Outside The City of Morocco

먼 길을 따라온 캬라반이 성곽 앞에 도착했습니다. 물건을 내려 놓고 잠시 그 동안 지쳤던 몸을 쉬는 사람들

사이로 낙타들도 자리를 잡았습니다. 캬라반은 점과 점을 잇는 일입니다. 때문에 선을 따라 가는 것 보다

목숨을 담보로 해야 할 일이 많습니다. 사지를 뚫고 온 그 들 앞에 물이라도 가득했으면 좋겠는데 개울 물은

바닥을 보인지 한참입니다. 그래도 살아 다시 여기에 왔으니 참을 만 하겠지요. 낙타 등에 흔들리며 꿨던 꿈을

이제 만들어 볼 시간입니다.

고향에서는 윅스가 당시 대가의 반열에 있던 장 제롬의 제자가 되었다고 보도했지만 윅스는 자신은 장 제롬의

제자가 아니라 보나의 제자라고 밝혔습니다. 보나는 성실한 선생님이었다고 합니다. 일주일에 최소한 두 번

이상 아침 일찍 화실에 나왔고 일요일에는 학생들을 자신의 집으로 초대했다고 하죠. 따뜻한 선생님, 맞습니다.

1년 반을 보나와 함께 하면서 윅스는 사실주의 화풍을 받아 들였고 자연스런 빛과 그림자의 효과를 연구하기

위해서 야외에서 그림 작업을 하는 법도 배웠습니다.

마투라 지방의 가트 Along the Ghats, Mathura / 65.4cm x 81cm

가트는 강가에 있는 계단을 말합니다. 마투라는 인도에서 불상이 처음 만들어 진 곳 중 하나로 미술사에 등장

하는 곳입니다. 흐르는 강에 들어가 몸을 씻으면 죄가 씻긴다는 힌두교들의 믿음이 있지요. 단순하면서도

상징적인 이 행위가 대책 없이 흔들리는 연약한 인간들에게 얼마나 큰 위안이 되었을까요. 죄의 크기가 따로

정해져 있는 것은 아니겠지만 나이가 어려 물가로 나온 사람들은 아직 몸을 많이 씻지 않아도 될 사람들처럼

보입니다. 요즘 우리나라는 강 때문에 온 세상이 시끄러운데, 그림 속 강은 먹는 물로 육체도 살리지만 죄를

씻어 영혼도 살리고 있군요.

그 후 윅스의 행적이 명확하지는 않은데, 1875년 봄에는 카이로, 여름에는 파리 그리고 가을에는 모로코에서

보낸 것으로 보입니다. 1877년 2월, 고향으로 귀국한 윅스는 보스턴에서 작품 전시회를 개최합니다. 작품들은

호평을 받았고 판매도 잘 이루어져 몇 년간의 여행 경비가 만들어졌습니다. 1878년의 파라 살롱전에 출품하기

위하여 윅스는 다시 대서양을 건넙니다. 참 부지런한 사람이었습니다.

마지막 여행 The Last Voyage / 1884

배 한 척이 강의 한 가운데로 미끄러져 나가고 있습니다. 배 위에 누워 있는 노인 위로 햇볕이 따가운데,

노인을 덮은 붉은 천 한 자락이 강물로 숨어 들고 있습니다. 제목을 놓고 본다면 이 노인의 생명이 그다지

많이 남지는 않아 보입니다. 이제 흔들리는 배 위에서 노인은 강물처럼 흘러갔던 자신의 삶을 되돌아 보겠지요.

강 가에는 죽은 사람을 화장하는 연기가 하늘로 오르고 있습니다. 다음 순서는 혹시 이 배 위에 있는 노인이

될까요? 사는 것을 흐르는 것에 비유한다면 배 위에 실린 살아 있는 몸이나 화장 후 재가 되어 강물에 떠 있는

몸이나 다를 것이 없습니다. 삶과 죽음이 한 곳에 있는 강의 풍경 속, 하늘이 어두워지고 있습니다.

잠시 윅스는 라바트를 방문하고 싶어서 탕헤르에 도착합니다. 가빈과 함께 3개월 정도 머물 계획으로 산 넘고

물 건너 5일만에 찾아간 라바트는 기근이 덮친 상태였습니다. 그림을 그리겠다는 계획을 접고 살롱전 준비를

위해 파리로 돌아가기로 했습니다. 라바트를 떠나기로 한 2월 어느 날, 모래폭풍이 불어 움직일 수 없었습니다.

할 수 없이 바람이 멎은 후 낙타를 타고 이동하기 했는데, 이번에는 윅스와 아내가 장티푸스에 걸리고

말았습니다. 가빈의 간호로 건강을 회복한 윅스 내외가 길을 떠난 것은 봄이 다 가고 난 후였습니다.

갠지즈 강의 물 긷는 사람들 Water Carriers of The Ganges / 62.2cm x 92cm

요즘 우리가 알고 있는 갠지즈 강과는 많이 다른 모습입니다. 아마 상류 쪽 어디의 모습인 것 같습니다.

여전히 강가에는 사람들이 많은데, 모두가 다 물을 길러 나온 것은 아니겠지요. 목을 축이러 온 소도 몇 마리

눈에 보입니다. 강은 저렇게 사람과 동물들이 모여야 빛이 나는 곳입니다. 물을 긷고 떠나는 여인들 위에 얹힌

금속 항아리들의 모습이 재미있습니다. 저것도 패션이라면 패션이군요. 물을 길러 왔다가 아예 자리를 잡고

이야기를 시작한 두 여인의 모습은 세상 모든 우물 터에서 볼 수 있는 풍경 아닐까요?

1년도 지나지 않아 윅스는 다시 라바트를 방문할 계획을 세웁니다. 참 대단한 오기이자 정열입니다. 이번에는

무장한 경호원을 대동하고 모로코 내부의 모습을 그려도 좋다는 허락도 받았습니다. 그렇게 찾아간 라바트와

모로코의 심장부는 윅스에게 많은 것을 보여 주었습니다. 무너진 고대 유적들 사이에서 열리는 시장의 모습

같은 것들이 그를 매혹시킨 것이죠.

아흐메다바드 지방의 티크나무 건물 옆에서 상자를 파는 장인

Craftsman Selling Cases By A Teak-Wood Building, Ahmedabad 99.7cm x 73cm c.1885

티크나무를 이용해서 만든 2층 테라스와 무게를 받치기 위해 출입문 옆에 설치한 공포 (栱包) 모양의 장식이

기가 막힙니다. 가게랄 것도 없는, 문 앞에서 작은 나무 상자를 만드는 장인들 앞에 한 사내가 가던 길을

멈췄습니다. 모습을 보니 한 자락 하는 집안의 사람 같습니다.

그 상자 얼마인가?

아뇨, 그냥 드리겠습니다. 가져가세요.

비딱하니 선 남자와 말 위에 탄 남자의 모습에서 왠지 모를 불량함이 느껴집니다. 무릎을 꿇고 있는 장인의

허벅지가 애처로워 보이기 때문이겠지요.

그 후 미국이나 파리에서 윅스의 별다른 전시회가 열리지는 않았지만 모로코를 주제로 한 그의 작품 가격은

당시 프랑스 최고 화가의 가격과 같았다고 하니까 매우 인기가 있었던 것 같습니다. 1883년에는 인도 여행을

하는데 낮에는 작품을 그리고 밤에는 건축물의 세부적인 묘사와 배경을 위해 촬영한 사진을 인화하는 것으로

채워졌습니다. 1892년, 윅스는 하퍼스 메거진 (Harper’s Magazine)의 후원으로 테어도어 차일드 (Theodore

Child)와 다시 여행길에 오릅니다.

라호르의 야외 식당 An Open-Air Restaurant, Lahore / 157.5cm x 245.7cm / c.1889

라호르는 인도와의 국경에서 멀리 않은 파키스탄의 대도시입니다. 성 같기도 하고 사원 같기도 한 건물 앞,

간이 식당들이 모여 있습니다. 시장기를 간단하게 해결하는 사람들이 있는가 하면 잠시 몸을 쉬는 사람도

보입니다. 주문을 받는 주인 뒤로 뜨거운 국물에서 피어나는 김에 쌓인 요리사는 음식의 맛을 보느라 정신이

없습니다. 하늘은 맑고 화창한데 남루한 옷을 입고 땅에 앉아 있는 노인의 모습이 보입니다. 가진 것이 없어

음식을 먹을 수 가 없는 것일까요, 아니면 생로병사에 대한 생각을 하는 철학자인가요? 밥에 굶주리면 걸인이

되지만 지식에 굶주리면 철학자가 되는 것이겠지요.

원래 계획은 상페테르부루그에서 기차를 타고 아프카니스탄을 거처 사마르칸트까지 가는 것이었지만 러시아

지역에 유행한 콜레라 때문에 트레비종부터 쿠르디스탄을 가로지르는 고대 캬라반의 루트를 따라가기로 변경

했습니다. 뭔가 출발부터 조짐이 좋지 않았지요.

그래도 페르시아의 작은 마을들을 지나는 여행길은 흥미로웠습니다. 타부리즈라는 사막의 도시를 지날 때

장례행렬을 자주 만났는데 결국 같이 여행하던 차일드와 가이드가 병에 걸리고 말았습니다. 1개월 가까이

휴양을 한 끝에 여행은 계속 되었습니다. 아주 만족스러웠고 낭만적이었다고 하는데 매일 저녁 텐트를 치고

나면 그 날의 진행상황을 기록하고 저녁을 먹고 난 뒤에는 텐트의 차일 밑에서 담배를 피우며 먼 지평선 너머

석양을 보는 식이었습니다. 많이 --- 부럽습니다.

암리차르의 황금사원 The Golden Temple, Amritsar /213.4cm x 302.3cm/1890

피키스탄과의 국경이 멀지 않은 암리차르에 있는 황금사원에 기울어진 햇빛이 내려 앉았습니다. 황금사원은

아침과 한 낮 그리고 저녁과 밤이 다른 모습을 보이는 곳이라고 하죠. 예전에 BBC 방송에서 죽기 전에 꼭

보아야 할 곳 7위로 선정했는데, 타지마할이 10위였다는 기록도 있습니다. 신이 사는 곳에 사람들이 흔적이

가득합니다. 더러는 명상에 빠져있지만 또 다른 사람은 음식을 팔고 있습니다. 그도 저도 아닌 사람은 호수

건너 사원으로 시선을 보내고 있습니다. 아마 신께서도 이런 모습을 원하시지 않았을까요? 왜냐하면 사람과

멀어진 신은 신이 아니기 때문이죠.

테헤란을 거쳐 여행을 계속하는 동안 차일드가 열병 증세를 보였습니다. 아스파한으로 의사를 부르러 보냈지만

차일드는 콜레라로 세상을 떠납니다. 이쯤 되면 여행이라기 보다는 탐험이라는 말이 더 어울릴 듯싶습니다.

그래도 윅스의 여행은 멈추지 않았습니다. 1892년 11월, 윅스는 아라비아 반도에서 인도로 가는 배에 오릅니다.

그리고 파리에 있는 집으로 돌아 갈 때까지 2년 동안 인도에 머뭅니다.

무용 The Nautch

그림 속 인물들 보다 건물에 그려진 문양과 섬세한 윅스의 묘사가 먼저 눈길을 끌어 당깁니다. 얼마나 많은

공을 들이면 이런 묘사를 할 수 있을까요? 햇빛이 들지 않는 곳에 있는 사람은 양산 아래에 있고 북을 치는

사람에게는 햇빛이 들고 있습니다. 햇볕이 뜨거워지면 혹시 북소리는 점점 커지지 않을까요. 사람들이 권력을

탐내는 이유를 알 것 같습니다.

인도에서 돌아 온 윅스의 작품은 미국과 프랑스 양쪽에서 명성을 가져다 주었습니다. 그리고 윅스는 이제 인도

전문화가로 자리를 잡았습니다. 고생은 했지만 그 결과로 큰 화실을 가진 근사한 집도 마련할 수 있었죠.

1896년 레종드뇌르 작위를 받았고 1903년 54세의 젊은 나이로 세상을 떠날 때까지 작업을 계속했다고 합니다.

그를 죽음에 이르게 한 것은 인도에서 감염된 것으로 추정되는 병 때문이었는데 여행은 그에게 부와 명예도

가져다 주었지만 목숨도 가져갔습니다. 그래도 아마 윅스는 행복했을 것입니다.

하고 싶은 것을 하고 난 결과였으니까요.

에드윈로드윅스

[출처] 에드윈 로드 윅스 - 화가야, 여행가야?|작성자 가가

장 루이 에르네스트 메소니에 - 독학으로 프랑스 미술계를 접수하다

2009-11-30T01:49:17Z

장 루이 에르네스트 메소니에 - 독학으로 프랑스 미술계를 접수하다

19세기 미술사를 보면 ‘격동의 시대’라는 타이틀 가지고는 좀 부족하다 싶을 정도로 볼 것이 많습니다.

사실주의와 자연주의 그리고 인상주의에 고전주의까지 다양한 화풍들의 작품과 화가가 줄을 이었습니다.

그 중에서 장 루이 에르네스트 메소니에 (Jean-Louis Ernest Meissonier / 1815~1891)는 인상파가 평가를 받기 전

프랑스 사람들에게 가장 인기 있던 화가라는 평을 받고 있습니다.

카드 놀이 하는 사람들 The Card Players / 40.01cm x 30.48cm / 1872

한 눈에 봐도 누가 유리한지 알 수가 있습니다. 오른편 모자를 쓰고 있는 사람이 패를 내려 놓고 있습니다.

이 정도 카드면 내가 이겼지?

왼쪽 사내의 표정이 순간 굳었습니다. 치밀어 오르는 울화를 간신히 참고 있는데 머리 속으로는 온갖 말이

지나가고 있습니다.

이 자식은 밥 먹고 카드만 쳤나.

혹시 열린 창 너머로 반대편 창문을 통해 들어 오는 창살의 그림자와 숲을 보셨는지요? 무섭도록 꼼꼼하게

세부묘사를 한 메소니에입니다.

메소니에는 프랑스의 리용의 염료업을 하는 집에서 태어났습니다. 그가 태어난 3년 후 파리로 이사를 가

그 곳에서 정착합니다. 어려서부터 그림에 흥미를 보였다고 하는데 1823년, 그러니까 그가 8살 때 남긴

스케치북이 전해진다고 합니다. 초등학교 1학년 생활통지표가 남아 있는 저하고는 많이 다르군요.

약국에 취직을 했지만 메소니에는 화가가 될 꿈을 이루기 위해 부모 곁을 떠납니다. 쥘스 포티에르 (Jules

Potier) 밑에서 아주 잠깐 그림을 배우다가 스승의 추천서를 들고 레옹 코니에 (Leon Cogniet) 화실에 입학합니다.

그나마 메소니에가 화실에서 그림 공부를 한 것은 5개월에 불과합니다. 그 후 메소니에가 다른 스승으로부터

그림을 배운 적은 없었습니다. 그는 독학으로 최고의 화가로 이어지는 계단을 한 계단씩 밟아 오른 것이죠.

쥬드 볼 놀이 Playing Jeu De Boules / 14.5cm x 20.5cm / 1847

쥬드 볼에 관한 자료를 찾아보니 우리의 ‘동전 던지기’나 동계스포츠인 컬링과 비슷합니다. 7m 전방에 원을

그려놓고 그 원에 가장 가깝게 쇠 공을 굴리는 사람이 이기는 경기입니다. 물론 원 가까이에 있는 상대방의 공을

내 공으로 몰아 낼 수 도 있습니다. 돈을 걸고 하는 경기도 많았다고 하는데, 개인적인 생각이지만 정정당당함을

내세우는 스포츠는 사실 ‘남의 불행이 나의 기쁨’인 대표적인 분야 아닐까 싶습니다.

짧은 기간이었지만 메소니에는 코니에 화실에서 17세기와 18세기 프랑스와 네델란드 화가들의 작품을 배웁니다.

주요 장르는 풍속화와 정물화였습니다. 때문에 1834년, 19세의 나이로 처음 살롱전에 ‘플랑드르 사람’이라는

제목의 작품을 출품하는데 화실에서 배운 주제와 같았습니다. 17세기의 옷을 입은 신사들이 묘사된 이 작품은

고전 의상에 관심이 많았던 당시 부르주아 계층이 입맛에 맞았습니다. 100프랑에 작품이 팔리면서 스무 살도

안된 메소니에의 앞 날에 파란 신호등이 켜졌습니다. 살면서 파란 신호등을 몇 번이나 만나셨는지요?

흰 옷의 독서하는 사람 The Reader in White

넓은 창 앞에 놓인 테이블에 몸을 기대고 책을 폈습니다. 손에 들고 있는 책 말고도 테이블에는 책 몇 권이

더 있습니다. 밖을 내다보기도 좋고 빛도 들어 오는 좋은 자리입니다. 그런데 아무리 생각해도 저 자세로는

책을 오래 읽을 수가 없습니다. 누가 올 때까지 잠깐 책을 편 것 아닐까요? 그렇다면 눈은 책을 향하고 있지만

귀는, 마음은 끝없이 창 밖을 기웃거리고 있겠지요.

그러나 작품 한 점이 팔렸다고 메소니에의 생활이 안정된 것은 아니었습니다. 로마와 스위스를 잠깐 여행했지만

생계를 위해 매일 열심히 일을 할 수 밖에 없었습니다. 책의 삽화를 위한 목판조각 일에서 얻는 수입이 그림으로

버는 수입보다 많았습니다. 금전적인 문제도 해결했지만 그의 작품의 세부 묘사와 꼼꼼한 터치는 목판 조각을

통해 얻은 또 다른 수확이 아닐까 하는 추측을 해 봅니다.

체스놀이 하는 사람들 Chess Players

장군 받아!

결정적인 한 수를 두고 난 남자는 의기 양양합니다. 표정은 더 이상 볼 것도 없다는 듯 합니다.

좀 가만히 있어봐 ---

고민을 해 보지만 뾰족한 수가 보이지 않습니다. 예전에 바둑을 둘 때 저런 상황이 닥치면 ‘나, 안 해’ 하고

바둑돌을 헝클어 버리곤 했습니다. 마음의 수양을 위해 바둑을 둔다고 하지만 어찌 된 까닭인지 바둑을 둘 때

마다 마음이 어지러워졌습니다. 바둑을 지금도 못 두는 이유입니다. 바둑이나 체스는 판을 깨고 다시 시작할 수

있지만 사는 것은 그와 같지 않더군요. 그래서 또 다른 저를 많이 달래며 삽니다. 바둑, 잘 두시는지요?

메소니에는 살롱전에 매년 출품합니다. 출품을 통해서 그는 당시 경제적으로 사회적으로 ‘잘 나가는’ 사람들이

지난 시절에 대한 향수를 가지고 있다는 것을 알게 되었고 그에 맞는 작품을 제작합니다. 메소니에 작품 가격은

상당히 높은 편이었는데, 요즘 경영에서 쓰는 용어를 설명하면 ‘고객의 니즈(Needs)를 정확히 파악한 전략의

승리'라고 하겠지요. 화가가 아니었으면 회사 경영을 해도 성공했을 것 같은 메소니에입니다.

카드 게임의 끝 The End of the Game of Cards / 22.2cm x 18cm / 1856

내가 이럴 줄 알았습니다. 게임이 지나치면 게임이 사람을 가지고 놀게 됩니다. 그리고 그 끝은 파국입니다.

어쩌다 이 지경에 이르게 되었는지 본 사람이 없으니 정확하게 알 수 없지만 이미 숨을 거둔 사람이야 그렇다고

하더라도 가슴을 움켜쥐고 고통에 찬 표정으로 숨을 헐떡거리는 사람의 모습이 안타깝습니다. 참으로 허망하고

가치 없는 죽음입니다. 혹시 우리도 사소한 무언가에 저렇게 목숨을 걸고 있는 것은 아닐까요?

23세가 되던 1838년, 메소니에는 화가인 스타인베일의 여동생과 결혼합니다. 살롱전 출품은 계속되었고 1840년

처음으로 살롱전에서 3등 메달을 수상합니다. 첫 출품으로부터 시간이 걸리기는 했지만 다음해에는 2등, 그리고

1843년과 1844년에는 1등 메달을 받습니다. 중간에 종교화를 잠깐 그렸지만 그다지 호평을 받지는 못했습니다.

잘 안 되는 부분은 빨리 접는 것이 현명한 방법이죠.

돌풍 Coup De Vent /19.2cm x 26.6cm

벌판을 가로지른 바람이 소리와 함께 그림 밖으로 불어 오고 있습니다. 말이 고개를 못 들 정도로 세게 부는

바람은 말 등에 앉은 사람의 옷을 풍선처럼 부풀게 하고는 뒤에 있는 나무를 흔들고 있습니다. 구름도 바람의

기세에 일렁거립니다. 섬세한 대지의 묘사와 거친 하늘의 묘사가 동시에 어우러지면서 역동적인 장면이 만들어

졌습니다. ‘바람 불어 괴로운 날’이지만 우리는 바람이 끝 날 것이라는 것을 이제는 압니다. 고요를 앞둔 바람이

가장 거셌던 기억이 있기 때문이죠. 그런데 메소니에 작품이 정말 맞습니까?

메소니에가 프랑스의 가장 인기 있는 화가로 떠 오르는 일이 일어났습니다. 1842년 ‘담배 피는 사람과 베이스

연주자 (Smoker and The Bass Player) '라는 작품을 두고 시인이자 비평가인 테오필 고티에 (Theophile Gautier)가

호평을 내렸습니다. 그러자 메소니에는 사람들이 가장 많이 찾는 화가가 되었고 미술품 수집상들은 그의 작품을

구하기 위해 바쁘게 뛰어야 했습니다. 우리 각자의 ‘고티에’는 어디 계신가요?

쁘와시의 일요일 Sunday in Poissy / 22.54cm x 29.94cm / 1850

쁘와시는 피리 근교의 작은 마을입니다. 일요일 오후 광장에 작은 놀이 판이 벌어졌습니다. 한쪽에는 술을

준비하는 여인의 손길이 바쁘고 그늘에 앉은 사람들은 마당에서 벌어지는 놀이에 몸과 마음을 맡겼습니다.

자세히 보니 동전 같은 것을 앞에 있는 작은 통에 던져 넣기를 하는 것 같습니다. 아이들뿐 아니라 다 큰

남자들도 노는 데는 ‘천재’입니다. 예비군 훈련 때 경험을 이야기 하자면 운동장에 작은 플라스틱 생수병

두 개를 가지고 반나절을 쉬지 않고 놀았던 적이 있습니다. 닭들도 구경을 하는데 개는 만사가 귀찮습니다.

메소니에의 이름이 알려지면서 작품 가격도 올랐습니다. 서른 두 살이 되던 해 파리 쁘와시에 근사한 집을

마련할 수 있었습니다. 인맥도 없고 그렇다고 사회적으로 힘있는 사람의 후원을 받은 것도 아니고, 거의 독학

으로 그림을 배우다시피 한 젊은 화가가 이룩한 놀라운 결과였습니다.

바리케이드 The Barricade / 30.48cm x 22.86cm

돌로 만들어진 바리케이드 위에 죽어 있는 사람들의 모습이 처참합니다. 내버려진 주검들이 버려진 곳은

우중충한 뒷배경으로 인해 밀실 같은 느낌을 줍니다. 사람들이 입고 있는 옷은 붉은 색과 푸른 색 그리고 흰색

입니다. 프랑스의 국기에 담긴 세 가지 색이죠. 그렇다고 이 작품이 애국심을 보여주는 것은 아닙니다. 그림에

남아 있는 것은 이해할 수 없는 혁명 전쟁의 공포입니다. 피를 먹고 자라는 것이 한 둘이겠습니까? 혁명은

가치와 가치의 충돌이죠. 그렇다면 저기 누워 있는 사람들은 가치와 목숨을 바꾼 사람들입니다. 그래서 우리는

이 세상을 조심스럽게 살아야 하는 것이겠지요.

1848년 2월 발생한 혁명은 전 유럽으로 퍼져나가면서 문화적으로, 사회적으로 많은 변화를 가져왔습니다.

혁명이 발생하자 시민왕 루이 필립이 프랑스를 버리고 외국으로 나가 버립니다. 국민 방위군의 장교였던

메소니에는 파리 시청을 지키는 부대의 리더가 됩니다. 그리고 처음으로 대량 학살 장면을 목격하게 됩니다.

아마 그에게 큰 충격이었겠지요.

무장한 사람과 말 A Man of Arms and His Horse / 65.4cm x 54cm

3년을 지내보고 30년을 이야기하는 것이 군대 이야기라고 합니다. 가끔 그 이유를 생각해 보는데 제 생각에는

아주 본능적인 생활을 했기 때문에 그 기억이 강하게 남아서 그런 것 아닌가 싶습니다. 죽지 않기 위해서

죽여야 하는 것을 배우는 곳인데 그 것은 수 만년 전부터 핏속에 녹아 있는 유전 인자를 깨우는 것이기도

합니다. 아마 정찰을 나온 것 같은데, 그림 속 군인은 아주 여유로운 모습입니다. 언제쯤 이 세상에 군인이

없어도 되는 때가 올까요?

나폴레옹 3세가 등장하면서 평화가 찾아 왔지만 메소니에는 혁명 전 자신의 전문 분야였던 풍속화 보다는

군사적인 주제에 관심을 쏟기 시작합니다. 평범한 하루를 보내는 군인들의 일상을 풍속화 기법이 사용된

작품들로 제작되기 시작했습니다. 그러는 와중에도 1855년, 만국박람회에 출품한 작품이 최우수상을 수상

하게 되었고 이 작품을 영국의 빅토리아 여왕이 나폴레옹 3세에게 구입을 부탁하면서 메소니에 작품을 찾는

고객의 범위가 더욱 넓어졌습니다.

1871년 코뮌 후 튈르리 궁의 폐허

The Ruins of the Tuileries Palace after the Commune of 1871 / 135cm x 95cm

1871년 파리코뮌 정권이 붕괴되면서 불에 탄 후 1884년 무너져 내려 지금은 볼 수 없는 튈르리 궁전의 폐허

입니다. 창문 너머로 카루젤 개선문이 보입니다. 무너져 내린 왕궁의 잔해와 개선 장군의 모습이 묘한 대조를

보이고 있습니다. 개선은 파괴 위에 세워진다는 것을 말하고 싶었던 걸까요? 지금은 개선문만 남아있죠.

그렇다면 역사는 승자들의 기록이라는 말에 고개가 끄덕여집니다.

1857년, 살롱전에 출품한 메소니에 작품을 두고 평론가들은 반복되는 주제의 작품만 출품한다고 비평하기

시작했습니다. 메소니에는 중대 결심을 합니다. 역사화로 장르를 확대하기로 한 것이죠. 역사화의 전형을

공식적으로 배우지 않은 그로서는 불확실함이 가득 찬 곳으로 뛰어 든 것입니다. 실제로 그가 처음 제작한

역사화는 높은 평을 받지 못했습니다.

포위된 파리 The Siege of Paris / 1870

보불전쟁 당시 1870년 9월, 파리는 프로이센의 군대에 의해 포위됩니다. 그 다음 해 초 프랑스 정부는 항복하지

만 시민들은 받아들이지 않았습니다. 포위 기간 중의 참상이 화폭 가득히 펼쳐지고 있습니다. 하늘을 보고 탄식

하는 여인이 있는가 하면 죽은 남편을 안타깝게 흔들어 보는 여인이 있습니다. 죽은 병사들 사이에서 휴식을

취하는 병사도 있습니다. 삶과 죽음, 사람과 동물의 경계는 이미 무너진 상태입니다. 가운데 있는 여인은

들라크루아의 작품 ‘민중을 이끄는 자유의 여신’의 모습일까요? 아니면 프랑스를 누란의 위기에서 구해 낸

잔 다르크일까요? 하늘에서 내려오는 검은 악마를 바라보는 여인의 눈매가 매섭습니다.

1859년 나폴레옹 3세의 종군화가가 되어 이탈리아 전선을 보고 온 메소니에는 역사화에 대한 집념에 다시

불을 붙였습니다. 그의 인생을 관통하는 것은 꺾이지 않는 의지였습니다. 나폴레옹 1세의 전투 장면 묘사에 힘을

다한 결과 1864년 살롱에서는 역사화를 가지고 따듯한 대접을 받았습니다. 초기 섬세한 풍속화를 그리던 기법이

대형 화폭에 그대로 나타났고 관객들은 마치 현장에 있는 느낌이었습니다.

하사관들의 초상화 The Sergeants Portrait / 73cm x 62cm / 1874

움직이지 말고 가만히 있어봐, 잘 안 그려지잖아!

이 폼 어때?

한가한 시간에 초상화를 그려주고 있습니다. 물을 길러 가다가 넘어다 보는 사람, 아예 몸을 눕혀 그림과

사람을 번갈아 보는 사람도 있습니다. 맨 오른쪽 담배를 문 군인은 관심이 없습니다.

얼굴 남기면 뭐하냐 ---

그나저나 초상화를 그리는 사람 옆에 앉은 개가 일품이군요. 아주 정확한 자세로 모델을 올려다 보고 있습니다.

1867년 만국박람회에 풍속화와 역사화를 포함 총 14점의 작품을 출품하면서 메소니에는 역사화가로도

이름을 떨치기 시작했습니다. 그의 작품 가격은 모두가 놀랄 만큼 올랐습니다. 380,000프랑에 팔린 작품도

있다고 하니까 대단한 거죠. 1884년 열린 그의 살롱 데뷔 50주년 전시회에는 146점의 회화와 조각이 선을

보였고 미국의 부호들에게도 작품들이 소개되면서 자주 미국 전시회도 열리게 되었습니다. 행복한 인생입니다.

간판장이 The Sign Painter / 59.69cm x 44.45cm

어떠신지요, 마음에 드십니까?

음, 나하고 많이 닮은 것 같지는 않지만 자세는 아주 마음에 드는군. 역동적이고 건강해 보이고 –-- 수고했네

뭐 이런 정도의 이야기가 오가는 것 아닐까요? 자신의 모습을 그림으로 남기고 싶었던 왼쪽의 군인은 가격이

싼 간판장이에게 초상화를 부탁했겠지요. 간판을 그리는 사람이니 보통 화가의 화실하고는 많이 차이가

있습니다. 간판장이의 눈에는 약간의 빈정거림도 보입니다. 그림 속 남자의 자세가 참 ‘엽기적’인데, 이 거래의

승자는 간판장이이군요.

1889년, 프랑스 혁명 100주년을 기념하는 만국박람회가 열립니다. 에펠탑이 이 만국박람회를 기념해서

건립되기도 했는데 메소니에는 만국박람회 의장을 맡으면서 19점의 작품을 출품합니다. 정부로부터는 그 동안의

공로로 레종드뇌르 대십자 훈장을 받는데 화가로서는 그가 처음이었습니다. 정치적으로 예술적으로 ‘격동의

세월’을 넘어 온 메소니에는 76세의 생일을 21일 앞두고 세상을 떠납니다.

메소니에는 에콜드 보자르의 교수가 되고자 했지만 끝내 그 꿈을 이루지 못했습니다. 또 의회의 의원이 되고자

했지만 그 것도 이루어지지 않았습니다. 그 것만 제외하면 메소니에는 꿈꾸었던 것을 다 이룬 것 같습니다.

그만하면 더 바랄 것 없는 한 생애 아니셨던가요, 메소니에 선생님?

[출처] 장 루이 에르네스트 메소니에 - 독학으로 프랑스 미술계를 접수하다|작성자 가가

열린 미술관의 신호탄

2009-11-30T01:43:55Z

[2009.11] 열린 미술관의 신호탄

김이경 / 소설가 독서칼럼니스트

경복궁 맞은편에 기무사가 있었다는 걸 올해 처음 알았다. 그 앞을 오가면서도 철조망이 쳐진 담과 위병들의 기세에 눌려 건물 쪽으론 눈길 한 번 주지 못했는데, 그 자리에 국립현대미술관 서울관을 조성하겠다는 정부 발표를 보고서야 그게 기무사였구나, 새삼 놀랐다.

사실 군 정보기관인 기무사에 대해 나 같은 소시민은 모르는 게 당연하다. 10.26 사태 뒤 기무사의 전신인 보안사 사령관이 정권을 잡지 않았다면, 윤석양 이병이 거기서 자행한 민간인 사찰을 폭로하지 않았다면, 아마 보안사든 기무사든 영 모른 채로 살았을 것이다. 하지만 석연치 않은 역사 때문에 그 이름을 알게 되었고, 내내 어두운 기억을 갖고 있었다.

그래서일까, 미술 전시회가 열리는 옛 기무사 건물로 들어서는데 등골이 서늘하다. 서슬 푸른 위병은 없지만, 겨울 추위와 낡은 건물이 어두운 기억과 맞물린 탓이리라. 지난달부터 이곳에서는 <신호탄>이란 제목의 전시회가 열리고 있다. "시민들에게 굳게 닫혀 있던 옛 기무사 터가 열린 미술관으로 거듭나는"것을 알리는 신호탄이라는데, 설명을 듣지 않아도 전시를 보고 나면 이해가 간다.

전시는 정문 바로 앞 본관부터 시작된다. 1929년 건축가 박길용이 설계한 3층짜리 본관 건물은 겉모습은 평범하지만 속은 요지경이다. 복도를 따라 늘어선 방들은 어느 틈에 또 다른 방으로 이어지고, 한없이 계속될 것 같던 동선은 갑자기 막다른 벽에 부딪혀 끊어진다. 여느 전시장과 달리 일방통행의 직진이 불가능한 구조다. 덕분에 걸음은 느려지고, 방마다 펼쳐진 작가들의 상상에 오래 마음을 주게 된다.

전시는 본관에서 별관, 온실, 도서관, 운전병대기소, 뒷마당과 담벼락까지 구석구석 이어지며 기무사 터 전체를 거대한 미술품으로 만들고 있다. 바닥이 뜯기고 전선이 드러난 날것의 공간에서 58명의 작가들은 저마다 개성을 자랑하고, 공간은 그 개성들을 조율해 또 다른 작품을 탄생시킨다. 전시장과 작품이 어울려 새로운 텍스트로 태어나는 걸 보니 가슴이 설렌다.

그런데 이런 흥분을 누릴 날도 얼마 남지 않았다. 12월 6일 전시회가 끝나면 대대적인 공사에 들어가서 2013년 새로운 미술관이 들어선다. 쓸데없는 걱정인지는 몰라도, 나는 이 '대대적인 공사'가 마음에 걸린다. 툭하면 지난 세월의 흔적을 부수고 새로 짓기를 능사로 아는 세상 탓이다.

국립현대미술관 서울관이 들어설 자리는 조선왕조의 소격서가 있었고, 제국 의대의 진료실이 자리했으며, 수십 년간 금기의 장소로 어둑한 소문을 피워냈던 곳이다. 건축은 공간을 짓는 것이요, 공간은 시간과 함께 존재하는 법. 그런 남다른 역사의 흔적을 지우고 첨단 건축물을 짓는다 해서 과연 그곳이 지금처럼 강력한 힘을 가진 공간이 될 수 있을까?

영국인이 최고의 도시로 꼽는 뉴캐슬에는 제분소를 개조한 발틱 현대미술관이 있다. 공간의 특별함 덕에 전 세계 관광객이 찾는 명소가 된 곳인데, 철거비용을 아껴 작가들을 지원하고 미술관의 기획력을 키운 것으로도 유명하다.

기무사 터는 발틱보다 더 많은 이야기가 깃든 공간이다. 우리가 그곳을 참된 혁신의 정신으로 개조하고 건축비를 아껴 작가들을 지원한다면, 새로 태어날 현대미술관이야말로 한국 미술의 새 출발을 알리는 신호탄이 될 것이다. 또 나라 빚을 줄이는 데도 한몫 할 테니 예술과 생활이 공존하는 신호탄도 될 수 있으리라.

-한국일보 2009.11.28

tag : 미술관, 기무사, 열린미술관

모방설 模倣設

2009-11-30T01:35:32Z

이강혁 /

예술에 대한 여러 논의가 있다
그중에서 모방설과 상상설 상징설에 대해서 이야기 해보자 모방설은 플라톤이나 아리스토텔레스에 의하여 예술은 모방으로부터 온다 라고 시작된다.
플라톤은 지상의 실제 물들은 참된 실제의 모방 이다라고 말했다
예를 들면 집을 만드는 자는 셋이 있는데 절대자 , 장인 , 화가이다.
절대자는 그것을 원했든 워하지 않았던 간에 자연속에 하나의 집, 더도 아닌 하나의 집을 만들었다.
그리하여 집이 지녀야 할 것 그 자체를 만들었다.
그리고 장인은 그 집을 만드는 두번째 사람이고, 화가는 그 집을 그리는 세번째 사람이다.
이 플라톤의 예술관을 토대로 하여 발전시킨 아리스토텔레스는 모방은 인간에게 있어 어린 시절부터 갖고 있는것이요 또 인간이 세상에서 세상에서 가장 모방을 잘하는 동물이요 처음에 의하여 배운다 라고 말했다.
동양철학의 전이모사와 유사한 경우이기도 하다.
여기서 모방이란 복사를 의미하는것이 아니고 자기 주관이 내재된 그런 모방을 말한다.
그리스 철학의 이 모방설은 18세기 전반까지 면면히 내려왔다

tag : 예술, 플라톤, 미술, 미술사, 이강혁, 모방설

중국/안토니 곰리, 쉬빙

2009-11-30T01:25:10Z

[2009.11] 중국 / 안토니 곰리, The home court, 쉬빙, Breaking Forecast

한혜경 / 중국통신원

안토니 곰리 : Another Singularity
10.10 - 2010.2.28 Galleria Continua, Beijing
www.galleriacontinua.com

영국 출신의 조각, 설치 아티스트 안토니 곰리의 중국에서의 첫 개인전이 베이징에서 열렸다. 1994년 터너상을 수상한 이래 공간과 오브제를 사용한 대형 설치작품을 통하여 인간과 공간 그리고 개인과 타인의 관계에 대해 소통해 왔다. 안토니 곰리는 이번 전시를 통해 682가닥의 선과 오브제를 이용하여 전시장 4면의 공간을 연결한 설치작품과 기존의 조각작품을 동시에 선보이고 있다.

The home court
10.17 - 11.13 WHITE BO

독립 큐레이터 구전칭이 기획한 전시로 한국에도 알려진 팡리쥔, 미아오시아오춘은 물론 회화, 조각, 사진, 설치를 넘나드는 22인의 작가가 참여한 대규모 그룹 전시이다. 기획자는 국제적인 무대에서 활발히 활동하고 있는 중국현대미술의 전반적인 현황에 대한 긍정적인 효과는 당연하지만, 때때로 각기 다른 문화배경을 갖은 관람자와 해석자의 중국현대미술을 향한 잘못된 해석과 오해는 불가피하다는 것에 중점을 두고 전시를 기획하였다.

빙 : 木, 林, 森PROJECT
11.1 - 12.6 허시앙닝 미술관

목, 림, 삼 프로젝트는 샌디아고미술관과 버클리대학미술관 그리고 중국 허시앙닝미술관이 공동기획하여 순회전으로 진행되는 전시로 국제적인 아티스트 8인이 선정하여 각 작가의 창의력과 기존 작품형식을 빌어 자연생태와 문화유산 보존의 중요성을 일깨우는 공공성을 띤 전시이다. 중국에서는 문자설치아티스트로 정평이 나있는 쉬빙이 케냐의 초원을 주제로 하여 허시앙닝 미술관에서의 개인전을 준비하였다.

Breaking Forecast
11.17 - 2010.2.28 UCCA

이번 전시는 그 동안 UCCA에서 열린 대형 개인전 치오즐지와 옌페이밍의 주요 작품을 다시 한번 재현하고자 한다. 그리고 UCCA의 주요소장품과 2000년 이후 중국을 대표하는 설치, 영상아티스트로써 활발히 활동하고 있는 양푸동, 순유엔+펑위 등의 미공개 작품을 함께 공개하는 전시가 될 예정으로 과거를 통해 앞으로의 중국 예술의 여덟가지 주요 형상에 대하여 이야기하고자 한다.

이씨레뮬리노(Issy les moulineaux) 의 박동일 아틀리에 소개

2009-11-30T01:16:28Z

이씨레뮬리노(Issy les moulineaux) 의 박동일 아틀리에 소개

이씨레뮬리노 고속전철이 지나가는 철교 아래, 세계에서 모여든 작가들의 아틀리에가 있다. 작가들을 위해 아르슈(아치) 9부터 11까지, 그리고 아르슈 13부터 18까지 총9개의 아르슈가 있고, 각각의 아르슈에는 3개의 아틀리에가 있다. 아틀리에는 총 27개인데

그중의 11개의 아틀리에에서 한국인 화가들이 작업하고 있답니다~~

아르슈 10,        아틀리에 4 - 손석
아르슈 11,        아틀리에 7 - 곽수영
아르슈 13,        아틀리에 10 - 정재규,
        아틀리에 12 - 정호태
아르슈 14,        아틀리에 13 - 권순철,
        아틀리에 14 - 양태금
아르슈 15,         아틀리에 18 - 유혜숙
아르슈 16,        아틀리에 19 - 김시보
아르슈 17,         아틀리에 23 - 노영훈
아르슈 18,        아틀리에  25 - 박동일,
        아틀리에 26 - 류이섭

좌측: 김용임 통신원

tag : 통신원, 프랑스, 미술, 아뜰리에, 박동일, 가가갤러리, 김용임통신원

제2회 김남희 개인전에서

2009-11-29T20:42:09Z

김남희 [제2회]개인전에서 2009. 11. 25~12.1

가가갤러리(인사동4거리)

tag : 돌, 인사동, 미술, 서양화, 가가갤러리, 김남희개인전

Spanish Photographers

2009-11-29T04:53:03Z

to Display Work at Exhibition

Fernando Maquieira's ``Untitled.'' The Real Sociedad Fotografica Photographers' Invitational will be held at the Insa Art Center through Nov. 24. / Courtesy of organizers

By Han Sang-hee
Staff Reporter

Real Sociedad Fotografica (RSF), one of Spain's noted photo institutions, is holding an exhibition for local fans under the themes ``Yesterday'' and ``Today'' at Insa Art Center through Nov. 24.

More than 50 photos by 40 photographers under the wing of RSF will be on display. The institution boasts a 110-year history.

스페인의 사진학원중의 하나인 RSF가 어제와 오늘이라는 주제로 인사아트센타에서 11월 24일 부터 전시를 갖고 있다. RSF의 날개로 불리는 40명의 사진작가가 50여점의 사진을 전시하게 된다. 이 학원은 110년의 역사와 전통을 자랑하고 있다.

The exhibition will not only offer distinctive works by some of Spain's most famous photographers, but also a range of Spanish photos from the 1900s to today. Korean visitors will get to witness the artistry, tradition and evolution of Spain's photography at the event.

이전시는 스페인의 가장 저명한 사진작가들의 탁월한 작품을 선보일 뿐만아니라 1900년대에서 현대에 이르는 광범위한 스페인의 사진예술을 보여준다. 한국의 방문객들은 이벤트로 전통과 진화의 스페인 예술의 진수를 맞보게 될 것이다.

The exhibition is free of charge. For more information, call (02) 736-1020.

Among the many photographers to have their works on display at the event, some of the most famous are Jose Frisuelos, Fernando Maquieira and the late Jose Ortiz Echague.

Frisuelos has been taking photographs ever since he was a student and he owns his own professional photo laboratory called ``Daylight.'' Maquieira, one of Europe's leading documentary photographers, has worked on various documentaries, advertisements and films. Ortiz Echague is one of the most famous photographers in Spain and has won numerous awards and prizes for his distinctive work called ``carbon al fresson,'' a technique where photos are made to look like paintings through blurry lines and soft texture.

The Real Sociedad Fotografica Photographers' Invitational will be held at Insa Art Center, Gwanhun-dong, northern Seoul, through Nov. 24.

sanghee@koreatimes.co.kr

[문화]영상설치작가 ‘뮌’ 미술계 러브콜

2009-11-29T04:43:47Z

2009 11/24 위클리경향 851호

ㆍ동갑내기 부부 전시회 활발, 생활과 예술의 경계 허문 작품 독특

‘김민선+최문선=뮌.’
동갑내기(37) 부부인 아내 김민선씨와 남편 최문선씨는 ‘뮌’이란 이름으로 활동하는 영상설치 작가다. 1972년 서울생, 1997년 홍익대 졸업, 2003·2004년 독일 뒤셀도르프미술대학 졸업, 2001년 ‘뮌’을 결성해 8년 동안 쌓아온 작품 포트폴리오, 심지어 민선과 문선이란 이름까지 두 사람은 이란성 쌍둥이만큼이나 닮았다.

‘뮌’은 요즘 경기 과천의 국립현대미술관에서 흥미로운 전시를 하고 있다. 한창 주가를 올리는 젊은 작가 16명을 초청한 ‘버라이어티전’이란 그룹전(11월13일~12월6일)에서 그들은 ‘작업실산(産)(Made in Laboratory)’이란 작품을 선보였다. 작품대신 책상과 의자, 컴퓨터, 프린터, 출력자료를 정리할 수 있는 파일과 책장이 놓여 있는 전시실. 여기에서 전시 기간에 작가가 고용한 두 명의 일반인이 컴퓨터를 통해 백남준·양혜규·김홍석·함경아·요셉 보이스·소피 칼 등 국내외 100명의 현대미술 작가에 대한 자료를 인터넷에서 검색한다.

전시를 보러온 관객은 평범한 사무실을 연상시키는 작업실을 잠깐 들여다보고 나서 자신의 이메일 주소를 남길 수 있다. 전시가 끝남과 동시에 검색 결과를 이메일로 보내 주기 때문이다.

“현대미술이 개념적이고 어렵잖아요. 설명을 들어야 비로소 이해가 될 뿐 그냥 봐서는 모르지요. 그러다보니 작품에 대한 이해 못지않게 오해도 많은 것 같습니다. 그래서 유명작가에 대한 평론, 기사, 그들이 참여한 전시, 전시를 기획한 큐레이터 등 연관된 정보들을 모아서 분석해 보자는 생각이 들었어요.”(최문선)

대중에 대한 관심, 획일적 문화 비판
“요즘 작가들은 자신의 컨셉트를 이미 알려진 방식으로 풀어내는 것 같아요. 혼성모방이 최근 미술계의 경향이기는 해도 미술이 지나치게 틀에 박히는 게 아닌가 하는 생각도 듭니다. 개별적이고 개성적인 작품 같지만 데이터베이스(DB)화하면 뭔가 유형별로 잡히겠지요. 이 과정에서 정보의 유통이 낳는 왜곡을 볼 수도 있구요.”(김민선)

보이는 도시

이들은 참신한 아이디어 덕분에 미술계에서 수많은 러브콜을 받고 있다. 2002년 이후 한 해에 적어도 7회의 그룹전과 1회의 개인전을 국내외에서 가졌다. 지난해에는 20차례나 출품했다. 또 올해 송은미술대상 수상을 비롯해 경기문화재단, 파라다이스문화재단, 한국문화예술위원회, 서울문화재단 등의 지원작가로 선정돼 레지던스·국제교류·창작지원 혜택을 받았다. 국립민속박물관, 서울시립미술관 등의 공공문화 프로젝트에도 이름을 올렸다.

영상설치라는 첨단매체를 활용하는 이들의 관심사는 ‘대중’에서 시작됐다. 독일유학 중에 한국사회를 외부자의 시선으로 바라보게 된 두 사람은 2002년 월드컵 응원을 지켜보면서 대중에 대해 비판적 시각을 갖게 됐다. 각자 자유의지에 따라 선택하는 듯하지만 자본이나 체제에 의해 조정당하는 대중의 모습은 ‘노래방 프로젝트’(2003년)를 통해 구체화됐다. 참여자가 마이크를 들고 노래를 부르면 영상 속의 수많은 관객이 다양한 반응을 보이는 인터랙티브 작품으로, 노래방이라는 획일적 문화를 비판하고 있다. ‘휴먼 스트림’(2005년) 역시 비슷한 맥락이다. 거위털로 쌓인 거대한 인물상을 만들어 놓고 여기에 한 사람 한 사람 늘어나는 영상을 쏘아서 인물상의 표면을 완전히 메우면 깃털이 한꺼번에 날아간다. 대중이 갖는 이미지나 그들의 환호가 환상이라는 것을 보여 준다.

그런가 하면 ‘비주얼 시티’(2007년) 작업은 현대인의 내면으로 들어간 작품이다. 욕망을 부추기는 소비사회의 특징을 보여 주기 위해 상품상자에서 상품명만 남기고 모두 검은색으로 칠해 대도시의 스카이라인을 만든다. 그리고 중간에 폐쇄회로 카메라(CCTV)를 설치해 관객이 지나갈 때마다 킹콩처럼 거대한 모습으로 도시를 거니는 형상이 드러난다.

최근에는 사회를 움직이는 보이지 않는 규칙이나 자본주의 체제 비판으로 관심 영역을 넓혔다. 올해 인천국제디지털아트페스티벌에서 발표한 ‘우연한 규칙’은 지난해 전 세계를 휩쓴 금융 위기의 본질을 고발한다. 각 기업을 의미하는 나무들 위로 등락을 거듭하는 빨강·파랑의 주식 데이터들이 명멸하는 이 작품은 숲의 생태계, 즉 실물경제를 무시한 채 피상적으로 움직이는 금융자본주의에 대한 패러디이다. 송은미술대상 수상작인 최근작 ‘습관적 열정’ 역시 보이지 않는 체제의 억압과 이로 인한 긴장에 눈을 돌린다. 현대판 원형경기장인 미국 양키스타디움 실물 모형에 눈이 내리고 몇몇 사람들과 헤드라이트를 켠 경찰차가 서로 무관심한 채 거리를 두면서 빚어내는 묘한 긴장감을 담은 애니메이션 영상을 투사한다.

독일 유학서 만나 ‘예술적 동지’로

휴먼스트림

우리 미술계에서 부부의 공동작업이 흔한 일은 아니다. 이 부부 역시 “평소에는 그렇지 않은데 일할 때는 많이 싸운다”고 한다. 이번 국립현대미술관 설치작업을 하면서도 전시장에 꾸며진 사무실 공간에 놓는 화분을 고르는 문제를 놓고 티격태격했다. 그러나 ‘찢어지자’까지 갔던 초창기와 달리 지금은 싸움도 작업의 연장일 뿐 ‘뮌’이라는 공동체를 해체할 생각이 없다. 역할 분담 없이 이런 저런 일을 함께하는 것도 오래된 원칙이자 관성이다.

이들은 독일에서 미술대학 동기로 처음 만났다. 최문선씨는 홍익대 토목공학과를 졸업한 뒤 3개월 동안 건설회사의 수습사원으로 일하면서 전혀 창의적이지 못한 직장생활에 염증을 느껴 학교 때부터 동아리 활동으로 해 온 사진을 공부하기 위해 유학을 갔다. 김민선씨는 조소를 전공했으나 역시 흥미를 느끼지 못해 미술 복원을 염두에 두고 독일행을 택했다.

그러나 캠퍼스에서 만난 두 사람은 사회문제에 대한 관심이 서로 통해 토론하다가 함께 설치작업을 하기에 이르렀다. “작업 주제가 개인적인 것이 아니라 사회적인 것이기에 공동작업이 가능했다”는 이들은 사진, 영상, 애니메이션 등 다양한 매체를 활용한다. 처음에는 예술적 동지였다가 연인이 됐으며, 2007년에 귀국해 혼인신고를 했다. 결혼식은 아직 올리지 않았다. 이유는 “한국의 결혼식이 너무 번잡스러워서”(최문선), “전시회 때 사람들을 부르는 것도 미안한데 우리 결혼식 때문에 오라고 하기에는 너무 미안해서”(김민선)이다.

귀국한 뒤 4년 동안 쉴새없이 달려온 이들은 “한국에서는 일의 속도가 너무 빠른 것 같다. 늘 새로운 작품을 원한다. 주어진 기회를 따라가다 보니 일정에 쫓겨서 일했다. 한 템포 쉬어가고 싶다”고 말한다. 그러나 쉽지는 않을 것 같다. 내년에 뉴욕 가나아트센터에서 개인전 초청을 받았고, 독일 노르트라인베스트팔렌주의 아트프로젝트에 선정돼 소도시에서 전시를 해야 한다. “같이 일하니까 편하다”는 두 사람은 예술과 생활의 경계를 허문 독특한 삶의 방식을 보여 준다.

<글·한윤정 기자 yjhan@kyunghyang.com>
<사진·김석구 기자 sgkim@kyunghyang.com>

tag : 예술, 동갑내기, 부부전시회, 생활과 예술

144년전 모습으로… 광화문 복원 상량식

2009-11-29T04:27:37Z

김지원기자 eddie@hk.co.kr"일제에 의해 왜곡된 우리 역사 현장을 복원하고 민족정기를 바로 세우고자 2006년 12월 4일 '경복궁 광화문 제 모습 찾기' 사업을 시작해 오늘 상량(上樑)하기에 이르렀다."

광화문 복원 상량식이 열린 27일 오후 4시. 제관이 광화문의 내력과 복원 의미를 밝힌 상량문을 읽은 뒤 나무함에 넣어 봉안관을 맡은 유인촌 문화체육관광부 장관에게 건넸다.

유 장관과 이건무 문화재청장, 복원 공사의 도편수 신응수 대목장이 8.5m 길이의 장여(도리를 받치는 나무) 속에 상량문을 봉안하고 줄을 잡아당기자 장여는 허공으로 떠올라 누각 꼭대기 한가운데 자리를 잡았다. 그 위로 원통형 마룻대가 올려졌다. 새롭게 태어날 광화문의 골조가 완성되는 순간이었다.

상량식은 목조 건축물의 최상부 부재를 올리는 중요한 의식인 만큼, 조선시대 궁궐 전통의례인 '국조오례의'에 따라 엄숙하게 치러졌다. 이날은 1865년 광화문 중건 때 고종이 상량했던 날로부터 꼭 144년이 지난 날이기도 했다. 신 대목장은 "상량식을 했으니 목공사의 80%는 끝났다. 역사를 바로 세우는 일인 만큼 자부심이 크다"고 말했다.

조선 태조 4년(1395년) 경복궁의 정문으로 지어진 광화문은 임진왜란과 한국전쟁 때 소실되는 아픔을 겪었고, 1968년 중건 때는 원래의 위치와 모습을 잃고 콘크리트로 지어지는 수난을 당했다.

그것을 고종 때 모습으로 되살리는 광화문 복원 공사는 지난 3년간 발굴조사와 육축 축조 등을 거쳐 이제 추녀와 서까래 설치, 기와 잇기, 단청 등 마무리 단계를 남겨뒀다. 광화문은 2010년 10월, 가림막을 벗고 온전한 모습을 드러낸다.

tag : 광화문, 상량식, 광화문복원

국립박물관, 국립미술관 관람료 무료관람 범위 확대

2009-11-29T04:17:49Z

국립박물관, 국립미술관 관람료 무료관람 범위 확대

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□문화체육관광부는 국립중앙박물관과 국립현대미술관 전시품관람규칙을 개정, 2010년 1월 1일부터 관람료 면제 범위를 대폭 확대키로 하였다.

□국민의 문화 향유를 증진하고, 문화소외계층에 대한 문화생활 기회를 확대하기 위하여 관람료를 면제할 수 있는 연령을 6세 이하이던 것을 18세 이하로 하였다.

또한 박물관에 박물관 자료를 기증하고, 그 공로를 인정받은 본인 및 그 가족, 「국민기초생활보장법」에 따른 수급권자 등도 관람료 면제 대상에 포함하였다. 그리고 19세 이상 25세 이하인 사람 및 20명 이상의 단체 관람자는 관람료를 감면할 수 있는 근거를 마련하였다.

□‘08년 5월 1일부터 시행 중인 박물관, 미술관 무료 관람은 ’09년 12월 31일까지 운용될 계획이며, '10년 1월 1일부터는 수익자 부담원칙과 문화향유권의 조화를 위해 일반관람료 유료화를 검토 중에 있다.
이 보도자료와 관련하여 보다 자세한 내용이나 취재를 원하시면

문화체육관광부 문화여가정책과 장사성(☎ 02-3704-9443)에게 연락주시기 바랍니다.

tag : 국립박물관, 국립미술관 관람 무료

태안 마도 앞바다 침몰 고려배 과연 조세운반선 맞나?

2009-11-29T04:13:36Z

태안 마도 앞바다 침몰 고려배 과연 조세운반선 맞나?

한국목간학회 28일 국제학술회의 열어

◇태안 마도 해역에서 발굴된 죽간.

이달 초 충남 태안 마도 앞바다에서 인양된 ‘마도1호선’은 1207∼1208년 전남 서남해안에서 거둬들인 쌀과 벼, 조와 같은 곡식류를 개경에 있는 무신정권 실력자들에게 운반한 배였던 것으로 분석됐다. 하지만 이 고려시대 선박이 나라에 내는 조세를 운반한 조운선이었는지 아니면 각 개인에게 바친 지대(소작료)를 운반한 사선(私船)이었는지는 여전히 논쟁거리로 남아 있다.

마도1호선에서 발굴된 고려시대 목간 17점과 죽간 50점을 분석해온 최연식 목포대 교수와 임경희 국립해양문화재연구소 학예연구사는 한국목간학회 주최로 28일 서울대에서 열리는 제4회 국제학술회의 ‘동아시아의 목간 연구와 신출토 문자자료’에서 ‘태안 마도 수중 출토 목간 및 죽간의 현황과 내용’을 발표한다.

발표문에 따르면 12세기 중반∼13세기 초반 개경을 향하다가 좌초된 것으로 알려진 마도1호선은 1207년 10월부터 이듬해 2월까지 전남 해남(당시 죽산현)과 나주(회진현), 장흥(수령현)에서 거둬들인 백미와 벼, 조, 메밀, 콩, 메주 등 곡식류와 젓갈류, 도자기 등을 싣고 개경을 향하다가 태안 마도 해역에서 좌초된 것으로 분석됐다. 목간과 죽간에 적힌 정묘(丁卯)년과 무진(戊辰)년은 수신자로 명기된 ‘대장군 김순영’이 김준거의 난(1119년) 때의 공으로 장군에서 대장군으로 승진했다는 ‘고려사’와 ‘고려사절요’ 등의 기록으로 미뤄볼 때 1207년과 1208년으로 추정할 수 있으며 함께 출토된 목재와 대나무편, 볍씨 등에 대한 연대측정 실험 결과도 이와 일치한다는 것이다.

◇목간 또는 죽간은 함께 출토된 유물의 정확한 제작 연대는 물론 문헌 자료 만으로는 풀리지 않는 역사의 비밀을 밝히는 ‘타임캡슐’로 통한다. 사진은 국립해양문화재연구소가 태안 마도 앞바다에서 마도1호선을 발견해 유물을 인양하는 장면.

화물 발송자는 2007년 태안 대섬에서 발굴된 목간에서처럼 ‘호장 송(戶長宋)’ ‘죽산현 □□ 군(君)’ 등 죽산현과 회진현, 수령현의 지방 향리로 적혀 있었고 수신자는 대장군, 별장과 같은 최상위 무반은 물론 검교대장군과 같은 검교직(임시특별직), 봉어동정, 전구동정과 같은 동정직(녹봉은 없고 전시과 토지만 받은 번외직)으로 표기돼 있었다.

발송지가 한 곳의 조창이 아닌 세 곳을 포함하고 있고 수신자가 경창(京倉)이 아닌 각 개인으로 돼 있다는 점은 마도1호선이 국가 세금을 운반하는 조운선은 아니었다는 추론을 가능케 한다. 즉 이 선박이 무신정권 실력자들이 지방 영지에서 거둬들인 소작료를 운반한 개인 선박일 가능성이 높다는 것이다. 하지만 발표자들은 마도1호선이 사적인 성격만을 갖는다면 굳이 향리층이 관여할 이유는 없고 목간에 적힌 전출(田出)이 고려∼조선 초기 조세와 소작료라는 두 가지 의미를 갖고 있었다는 점에서 개경의 유력자들이 국가의 승인·지원을 받아 직접 조세를 거뒀을 가능성도 배제하지 않고 있다.

임경희 연구사는 “발송지와 발송자, 수신자 그리고 화물의 성격으로 볼 때 마도1호선 화물은 전시과(국가가 세수용 농토를 배분·관리하던 토지제도) 조세품과 실력자들의 사적인 공납품이 혼재돼 있는 것으로 보인다”면서 “마도1호선이 조운선인지 (조운 성격을 띤) 사선인지는 당시 조세제도 현황과 맞물려 정교한 연구가 필요한 부분”이라고 말했다.

한편 28일 열리는 국제학술회의에서는 태안 마도 목간·죽간 연구 현황은 물론 ‘창녕 화왕산성 출토 목간’(김재홍·국립중앙박물관)과 ‘나주 목암리 출토 목간’(김성범·나주문화재연구소), ‘단양적성비문’(장경준·고려대) 연구발표가 이어진다. 또한 사카에하라 도와오(榮原永遠男) 일본 오사카시립대 교수의 ‘일본 고대목간의 연구동향과 과제’와 겅위안리(耿元麗) 중국사회과학원역사연구소 연구원의 ‘돈황 죽간 자료를 통한 당대 균전제 다시보기’ 발표도 예정돼 있다.

송민섭 기자 stsong@segye.com