조정육의 행복한 그림읽기

아름다웠던 그녀

2009-11-29T15:25:41Z

강세황, <복천오부인86세초상>, 조선 1759년 추정, 비단에 색, 78.3×60.1cm, 개인소장

"할머니, 올 해 연세가 어떻게 되세요?"

그렇게 묻자 할머니가 손가락 여덟 개를 펴서 보여준 뒤 다시 다섯 개를 편다.

여든 다섯이라는 뜻이었다.

"함께 오신 분은 며느님이세요?"

'아니...딸...내가 많이 아퍼..."

할머니 목소리가 들리지 않아 내가 가까이 다가가자 할머니는 나이를 알려주기 위해 쥐었다 폈다 하신 손가락으로 자신의 몸을 가리키며 입모양만으로 얘기하신다.

"네...건강하셔야지요."

목욕탕에 갔는데 할머니 한 분이 들어오셨다.

토요일 저녁이라 붐비는 시간인데도 할머니의 모습은 금새 눈에 띄었다.

허리가 낫처럼 꺽여진데다 왼쪽보다 오른쪽 등이 심하게 기울어진 모습이었다.

몸에 살이 없어 뼈마디가 그대로 드러난 모습은, 그 몸으로 견뎌온 세월이 어떠했는가를 생생하게 보여주는 듯 했다. 메마른 젖가슴은 허리까지 내려와 정작 가슴이 있어야 할 자리에는 갈비뼈가 앙상했다. 살이 붙어있지 않은 손가락과 발가락은 비현실적으로 길어보였고, 눈은 촛점을 잃은 듯 흐릿해 보였다.

탕 속에서 나와 잠시 피곤해서 앉아 있던 나는 두 손을 무릎에 짚고 천천히 걸어가는 할머니를 발견하고 눈을 뗄 수가 없었다. 설마 혼자 오신 것은 아니겠지?

아니나 다를까, 잠시 후에 오십 대 중반으로 보이는 여자가 뛰따라 들어왔다.

그녀는 할머니를 동그란 간이의자에 앉히더니 머리에 비누칠을 하고 몸을 씻겨 드렸다. 그 동안 할머니는 말 잘 듣는 어린아이처럼 딸이 시키는 대로 얌전히 따라했다. 그 모습 속에서, 할머니가 어린 시절 지금 딸처럼 젊은 엄마한테 몸을 맡기고 앉아 있는 모습이 겹쳐졌다. 그러니까 저 할머니의 인생은 목욕탕에 놓인 동그란 의자 위에서 시작해서 의자 위에서 끝나가고 있는 셈이었다. 어린 소녀에서 숙녀가 되고, 젊은 엄마에서 늙은 할머니가 될 때까지 저 분은 얼마나 많은 세월을 목욕탕을 들락거렸을까. 그 사이사이 그녀의 인생에는 무슨 일이 있었을까. 무슨 사연이 그리 많아 허리가 낫처럼 굽어지고 등이 비틀어질 때까지 몸을 혹사시켰을까. 할머니의 모습 속에는, 한 때는 아름다웠을 그녀가 구부러진 할머니가 될 때까지 가혹하게 짊어져야 했던 삶의 무게가 얹혀 있었다. 평생동안 여자라는, 어머니라는 혹독한 인생의 짐을 운반하고 나서 다시 목욕탕에 앉아 있는 할머니를 보며 그녀에게 부과된 짐을 헤어려봤다. 그리고 우리 엄마의 허리를 굽어지게 했던 짐에 대해 되새겨봤다.

오랜 시간 할머니를 씻어 준 딸이 할머니를 탕 속에 들어가시게 했다. 그 때까지 눈치채지 못하게 흘깃흘깃 할머니를 쳐다보고 있었던 나도 얼른 탕속에 들어가 할머니곁으로 다가갔다. 그리고 나이를 여쭈었다. 몸이 불편한 할머니가 행여 마음이 상하시면 어쩌나, 망설임이 없었던 것은 아니었으나 할머니의 나이를 꼭 확인하고 싶었다.

그것은 얼마 전에 국립중앙박물관 100주년 기념 전 "여민해락"에서 봤던 강세황의 <복천오부인 86세상>이 떠올랐기 때문이다. 그림 속 할머니의 나이가 86세였는데 내 눈 앞에 앉아 계신 할머니도 얼추 비슷해 보였다. 아니나 다를까. 85세였다. 그림 속 할머니의 얼굴은 현실 속 할머니보다 주름살은 많지 않으나 핏기 없는 모습이랄 지 유난히 작고 가느다란 손이 매우 흡사했다. 다만 그림 속 주인공은 한복을 단정히 입고 있어 몸 상태를 적나라하게 보여줄 수 밖에 없는 목욕탕의 할머니하고는 비교할 수 없을만큼 기품있는 모습이다. 그러나 눈꺼풀이 쳐질만큼 노쇠한 그 분도 목욕탕에 오셨더라면 똑같았을 것이다.

건강하시라는 말을 남기고 목욕탕을 나오는데 자꾸 뒤에 있는 할머니가 나를 부르는 것 같았다. 목소리가 나오지 않는 할머니가 나를 부르실 리 없었다. 나를 부르는 소리는, 몇 년 있으면 그 자리에 앉아 있을 나의 목소리였을 것이다.(조정육)

tag : 강세황, 복천오부인86세상

벗이 있어...

2009-11-27T16:57:35Z

정조경, <문복도>, 1853년, 94.5×26.2 개인소장

"벗이 있어 먼 곳에서 찾아오니 즐겁지 아니한가(有朋自遠方來不亦樂乎)?"

이 글은 공자의 『논어』「학이」편에 나오는 첫문장이다.

'배우고 때때로 익히면 또한 기쁘지 아니한가'라는 유명한 문장 뒤에 나와 짝을 이루지만

나는 왠지 뒷쪽이 훨씬 더 마음에 와 닿는다.

'벗'이라는 단어에서 전해지는 따뜻한 감촉때문일 것이다.

사랑하는 사람과의 관계는 사랑과 함께 끝나지만

사랑이 끝나도 지속될 수 있는 관계가 바로 벗과의 관계다.

울퉁불퉁한 인생길을 함께 손잡고 갈 수 있는 사람이 벗이고

오랜 세월 소식을 끊었다 전화를 해도 반가운 사람이 벗이다.

윗 그림은 중국에 있는 정조경(1785-1855)이란 사람이 추사 김정희(1786-1856)를 흠모하여

자신의 마음을 담아 그려 보낸 것이다. 그들이 어떤 관계였기에 이런 그림을 보냈는 지

그림 윗쪽에 써 넣은 제시를 살펴보자.

"완당 선생은 제가 비록 아직 그 얼굴을 대하지 못했으나 문장과 학문을 오랫동안 경모해 왔습니다.

이 그림을 그려 바치오니 혹시 모습이 비슷하여 잘못되지 않았다고 여긴다면 마땅히 수염을 쓰다듬

으며 한 번 웃어주십시오."

김정희는 24살 때인 1809년에 동지부사인 아버지를 따라 자제군관의 신분으로 중국의 연경에 갔다.

그 곳에서 김정희는 옹방강과 완원같은 대학자를 비롯하여 청계 문화계를 주름잡는 대학자들을 만나고 돌아왔다. 귀국해서도 그들과 편지를 주고받으며 학문 교류를 지속하였음은 물론이다.

그런데 정조경은 김정희가 연경에 갔을 때 만나지 못한 학자였다.

김정희에 대한 소문을 익히 들어 알고 있었던 정조경은 비록 한 번도 만나지 못한 사람이었지만

추사를 향한 존경심과 흠모의 마음을 그림으로 그려 보냈다.

글 대신 그림으로 보낸 연서(戀書), 일종의 연애편지라 할 수 있을 것이다.

아니, 연화(戀畵)라고 하는 것이 더 적당한 표현일 것 같다.

전문 화가도 아닌 사람이 충분하지는 않더라도 자신의 마음을 표현할 수 있을 정도로 그림을 그릴 수 있는 실력이 있었다는 것이 참 부럽다. 누구에겐가 하고 싶은 말은 있는데 말이 궁할 때 글 대신 수수께끼같은 그림을 그려 보낸다면 훨씬 더 효과적이지 않을까, 싶기 때문이다.

아무튼 생판 얼굴 한 번 본 적 없는 사람에게 존경심이 담긴 그림을 보낸 것도 그렇거니와 그림의 내용 또한 재미있다.

그림 속에서 심의를 입고 정자관을 쓴 큰 몸집의 노인이 김정희이고, 그 앞에서 젊은이처럼 공손히 두 손을 모은 사람이 정조경이다. 그림만 보자면 마치 제자가 스승앞에서 예를 갖추는 것 같다.

그런데 나이로 따지자면 정조경이 김정희보다 한 살 위다. 또 이 그림을 그려 보낼 때도 그림처럼 청년이 아니라 68세로 결코 젊지 않은 나이였다. 그런 자신을 청년의 모습으로 그린 것은 김정희를 향하는 마음이 어린 청년과 같다는 뜻일 것이다. 나이를 앞세워 친구나 하자고 손을 내밀 수도 있는 것을 그는 그렇게 하지 않았다. 이것이 벗을 대하는 진짜 멋진 자세가 아닐까.

공자가 '벗이 있어...'에서 말한 벗은 나이가 비슷한 년배의 벗이 아니라 그의 제자 안회였다.

나이를 떠나 언제든 마음을 나눌 수 있는 사람을 공자는 진정한 벗으로 생각했던 것이다.

내게도 그런 벗들이 몇 명 있다.

먼 곳에 가서 행여 귀한 것을 보게 되면 가장 먼저 주고 싶은 벗.

뭔가 신상의 변화가 생기거나 감정의 변화가 생겨도 가장 먼저 알려 주고 싶은 벗.

갑자기 어떤 글을 쓰고 싶을 때 가장 먼저 전화해서 흥분된 마음을 점검받고 싶은 벗.

박물관을 거닐다 불현듯 생각나서 전화하고 싶은 벗.

전시회를 가면 도록을 두 권 사서 한 권 주고 싶은 벗.

그런 벗이 있어 지쳐서 넋을 놓고 있다가도 다시 일어설 수 있다.

과천문화원에서 짧게 끝난 '추사연행 200주년 기념, 김정희와 한중묵연'을 보지 못하고 아쉬워하고 있을 때

대뜸 내게 줄 도록을 챙겨놓았노라고 벗이 전화를 해서 어제 만났다.

330페이지가 넘는 무거운 책을 들고 오느라 얼마나 고생했을까.

그것도 모자라 자신이 직접 밭에서 캔 토란이라며 자랑스럽게 들고 왔다.

토란탕을 끓이며 불현듯 어제 만난 벗이 생각나 글을 올린다.

나는 언제 그 마음을 따라갈 수 있을까. (조정육)

tag : 벗, 김정희, 정조경, 문복도

16. 수묵 속에서 장강을 유람하다.

2009-11-26T21:42:11Z

-중국 근대 전통파와 혁신파의 그림 감상-

<중국 수묵화의 법고창신>:2009년 10월 14일-2010년 1월 9일, 서울대학교박물관

이가염, <붉은 매화가 핀 정원>, 1980년, 66.5×45cm, 개인소장

매화꽃이 피었습니다. 매화가지는 긴 세월을 견뎌온 신산스런 시간을 보여주듯 심하게 꺾이고 구부러져 있습니다. 정자 속에 앉아 대화를 나누는 두 사람처럼, 매화꽃이 떨어져 눈처럼 휘날리던 어느 날의 기억을 잊을 수가 없습니다. 누구보다 먹을 강하게 쓰는 이가염이지만 그의 먹은 결코 무겁지 않습니다. 아무리 쓰라린 기억도 추억속에 잠기면 꽃잎처럼 화려하게 변신을 합니다. 당시에는 그다지 특별하지 않아 밋밋하게만 느꼈던 시간이었는데 말이예요. 자신의 인생에서는 한 번도 꽃이 핀 적이 없다 생각하시는 분 계세요? 그렇다면 오늘 제가 이가염이 키운 매화꽃을 한가지 꺾어 드리겠습니다. 이 꽃 받으시고 꽃 향기를 맡으시면서 잠시 시름을 잊어보시기 바랍니다. 이 글은 당신께 바치는 저의 헌화가(獻花歌)입니다.

1) 해파

먼저, 중국 근대의 그림이 어떻게 헤쳐 모여를 했는 지 간단히 살펴보는 것으로 시작하겠습니다. 아편전쟁(1840) 이후 서양에 문호를 개방하자 중국은 정치, 경제, 사회, 문화면에서 큰 변화를 겪게 되었습니다. 그 중에서도 상해는 인구가 순식간에 늘어났고 서양의 문물이 가장 먼저 들어오는 도시로 변모하였습니다. 19세기 후반 화가들은 후원자를 찾아 부가 넘쳐나고 활기가 넘치는 상해로 몰려 들었습니다. 그 결과 상해는 일시에 화단의 중심지로 부상하였는데 상해를 중심으로 활동한 화가들을 ‘해상화파(海上畵派)’ 혹은 ‘해파(海派)’라 부른니다.

해파는 다시 문인적 성향을 지닌 직업화가군과 대중 취향적인 직업화가로 나누는데 전자를 ‘금석화파(金石畵派)’ 후자를 ‘사임(四任)’이라 불렀습니다. ‘금석화파’는 금석학을 공부한 화가들이 직업화가로 활동하면서 붙여진 이름으로 조지겸, 오창석, 왕진 등이 대표적입니다. 이번 전시회에서는 금석화파의 오창석과 사임의 임백년의 작품이 나란히 전시되어 해파의 그림 성향을 가늠할 수 있게 되었습니다.

1.오창석, <복숭아>, 1914년, 176.5×45.5cm, 개인소장

2.오창석, <보랏빛 꽃이 핀 등나무>, 1921년, 151×81cm, 개인 소장

3.오창석, <홍매>,1922년, 131×34cm, 홍희미술관 소장

4.오창석, <갈대꽃>, 1923년, 114×31cm, 개인 소장

오창석(吳昌碩:1844-1927)은 절강 출신으로 서법과 전각에 뛰어난 기량을 보여 상해를 중심으로 활동하였습니다. 그는 서예와 전각, 금석학에 심취하였는데 그림에 글씨를 많이 써 넣는 문인화를 표방하였습니다. 그는 주로 가게 개업 선물로 줄 있는 꽃 그림이나 자손번창과 부귀를 상징하는 등나를 많이 그렸습니다. 강한 채색을 과감히 구사하는 그의 화풍은 금석화의 격조에 꽃그림이라는 대중성을 버무린 절충적인 성격이 강하게 느껴집니다.

“기(氣)를 그려야지 형(形)을 그리려 해서는 안된다”고 주장한 그는 서양홍(西洋紅)같은 강렬한 색채를 사용하여 시각적인 효과를 한층 높였습니다. 그의 밑으로 왕진(王震), 진형각(陳衡恪), 제백석(齊白石), 반천수(潘天壽)같은 젊은 화가들이 몰려 들었습니다. 그는 개혁파들이 과학적이고 사실성을 강조하는 그림들을 양산하는데 위기감을 느끼고 ‘중국화학연구소(中國畵學硏究所)'를 설립하였습니다. 이 곳에서 청년들에게 전통회화의 우수성을 설파하는 강의를 실시하였습니다. 전통회화, 하면 무조건 어렵게만 생각하고 감히 전통의 대문을 열지 못하고 돌아서는 우리들을 향해 일갈을 하는 것 같아 잠시 숙연해졌습니다. 이런 분들이 있었기에 중국의 근대 회화가 풍성해질 수 있었군요.

5.임백년, <늙은 고양이>, 1889년, 102.3×85cm, 홍희미술관 소장

6.임백년, <종규>, 1893년, 130×65.5cm, 홍희미술관 소장

7.임백년, <봄바람을 쐬며 차를 마시다>, 1892년, 132.9×53cm, 홍희미술관 소장

임웅, 임훈, 임예, 임이(임백년)로 대표되는 ‘사임’은 대중들이 좋아하는 화목을 다루었는데 임웅이 사임의 리더였습니다. 임웅의 제자였던 임이(任頤:1840-1895 혹은 임백년)는, 세련되고 깔끔한 화면 처리와 화려한 색조, 기발하고 참신한 주제로 사임 화가들 중 가장 대중적인 인기를 얻었습니다. 임백년 못지 않게 개성적인 작품 화가로 허곡(虛谷:1823-1896)이 있습니다.

2)전통화파

중화민국 설립 이후 화단은 크게 전통파와 혁신파로 나뉩니다. 전통파는 해파의 전통을 유지하면서도 시대감각에 순응한 개성적인 작품을 남겼습니다. 대표적인 화가로는 제백석, 황빈홍, 부포석, 반천수, 부심여 등을 들 수 있는데 역시 이 번 전시회에 반천수를 제외한 나머지 작가들의 작품을 볼 수 있었습니다.

①제백석

8.제백석, <개구리>, 101×34cm, 홍희미술관 소장

9.제백석, <새우>, 1930년, 134×34cm, 홍희미술관 소장

10.제백석, <삼추도>, 154×67cm, 홍희미술관 소장

제백석(齊白石:1864-1957)은 호남성에서 가난한 농부의 아들로 태어났습니다. 그림 공부는 『개자원화 전』으로 독학으로 시작하였는데 12세 때부터 40세 무렵까지 고향에서 소목장(小木匠)을 업으로 하면서 생계유지를 위해 그림을 그리다가 화초, 영모, 초충류의 명수로 알려지게 되었습니다. 화훼 초충을 즐겨 그리고 새우, 개구리, 병아리 등 새로운 소재를 많이 발굴한 그는 전각(篆刻)에도 솜씨가 뛰어났습니다. 50세 이후 북경으로 이사하여 서비홍의 주선으로 북평예술학원 교수를 지낸 그의 생애는 대기만성의 모델 같습니다. 우리나라에는 조선후기에 강세황이 비슷한 경우일 것입니다. 석도(石濤), 서위(徐渭), 팔대산인(八大山人) 등 양주화파의 화풍을 이어받으면서도 자유롭게 감흥을 표현한 그는 중국문인화의 마지막 장식하였습니다.

그림에 관한 얘기는 편안하게 감상하시도록 왠만하면 입을 다물려고 했는데 <새우>만 잠깐 언급하고 넘어가겠습니다. 어느 날 제백석이 자신이 그린 새우 그림을 펼쳐놓고 있었답니다. 그런데 우연히 그 앞을 지나가던 동네 아낙이 그림 속의 새우를 보더니 자리를 뜨지 못하고 쳐다보더랍니다. 너무 생생하게 그려서 혹시 진짜 새우를 올려놓았나, 착각했던 것이지요. 신라 시대 때 솔거가 그린 벽화속의 나무를 새가 진짜로 착각해서 날아 들다 부딪쳐 죽었다는 설화가 생각나는 대목이었습니다. 얼마나 대단하면 진짜로 착각했을까, 궁금했는데 이번에 보게 되었습니다. 역쉬~얼마 전에 이마트에서 사다가 둘째 아이를 위해 소금구이를 해 주었던 왕새우가 생각나더군요.

②황빈홍

11.황빈홍, <무이기유>, 1947년, 104.5×35cm, 홍희미술관 소장

12.황빈홍, <모랫가에 정박한 배>, 31×91cm, 개인 소장

황빈홍(黃賓虹:1865-1955)은 문인이면서 미술서적 발간에 앞장선 대학교수입니다. 안휘성 출신인데 황산을 좋아하여 황산을 주제로 한 그림을 많이 그렸습니다. 저도 제가 살고 있는 동네 뒷산을 사랑해야겠습니다. 그런데 그는 사상적으로는 개혁주의자로 반청운동을 하다 고향에서 상해로 추방당했습니다. 산을 사랑하는 것과 사상은 별개의 문제군요. 추방당한 후 당시 신문화의 중심지였던 상해에서 상무인서관의 미술책임자로 수많은 화집과 이론서를 출간하였는데 중국화론서를 편집 제작한 『미술총서美術叢書』발간하였습니다. 북경예전 교수를 거쳐 1948년에는 83세의 나이로 항주예전 교수가 되었습니다. 그런데 이 시절에 전통화들의 작품을 임모하면서 실험을 통해 필법과 묵법을 독학으로 연구하여 적묵법(積墨法)을 완성하였습니다. 만년에 적묵이 더욱 강해져서 화면의 거의 검정빛으로 되자 사람들은 그를 '묵빈홍(黑貧虹)'이라 불렀습니다. 이가염(李可染)같은 검은 산수의 수호자들을 태어나게 한 모체가 바로 황빈홍입니다. 그는 묵빈홍답게 이렇게 외쳤습니다.

“묵색(墨色)이 묘하면 설색(設色)이 없어도 된다. 한 점의 묵은 수십 종의 색이 있으며 고수만이 가능하다.”

이 문장을 쉽게 해석하면 이렇게 될 것입니다.

"본바탕이 뛰어나면 화장을 안해도 된다. 본바탕은 수십 가지의 색조 화장품으로 낼 수 없는 색을 품고 있는데 이 색은 고수도 칠할 수 없다."

하물며 성형수술무용론은 말할 필요가 없겠지요. 있는 그대로의 자신이 얼마나 아름다운 지 아는 사람은, 계란형 얼굴이 아니어도, 키가 작아도 예쁩니다. 얼굴이 사각형이어서, 키가 작아서 루저라고 놀림을 당하면 당당하게 받아 치세요. 그래, 나는 루저다, 어쩔래? 이 루저도 못된 인간아!

③반천수

13.반천수, <노란 연꽃>, 1965년

14.반천수, <안탕산화>

이번 전시회에는 전시되지 않았지만 전통화파 중에서 빼놓을 수 없는 중요한 작가가 반천수입니다. 반천수(潘天壽:1898-1971)는 문인화가로 오창석에게 서예와 전각 지도를 받았습니다. 절강 출신으로 어려서 『개자원화전(芥子園畵傳)』을 임모하면서 그림 공부를 했는데 나중에는 상해미술전과학교에서 회화를 가르쳤습니다. 서양화의 구도는 직접 사생을 통해 얻지만 중국화의 구도는 투시원근법이 필요하므로 발췌하여 사용하며, 서양화는 명암이 중심이지만 중국화는 선이 중심이라고 생각한 그는 이렇게 얘기했습니다.

“나는 중국화의 서구화를 찬성하지 않는다. 예술은 민족정신이며, 예술과 과학은 다르다. 과학의 진보는 인류공동의 목적이지만 예술은 각 민족의 특수한 정신이며 특수한 정취이다.”

작품도 좋지만 알면 알수록 매력적인 작가입니다. 위 두 그림을 보면 그림과 글씨가 따로 놀지 않고 마치 한 몸처럼 조화를 이룬 것을 알 수 있습니다. 글씨가 꽃나무의 줄기나 잎사귀인 것처럼 자연스럽습니다. 그림과 글자가 한 뿌리에서 나왔다는 서화동원론(書畵同源論)을 실감하실 수 있을 것입니다.

④장대천

15.장대천, <승선협을 여행하며>, 1975년, 143×75cm, 개인 소장

16.장대천, <저녁 안개 비낀 풍경>, 1980년, 70×138cm, 개인 소장

17.장대천, <빗속의 연꽃>, 1982년, 68×135.8cm, 개인 소장

전통화파 중 장대천, 황군벽, 부심여는 대만 수묵화단에 큰 영향을 주어서 ‘도해삼가(渡海三家)’로 불립니다. 그 중에서 장대천(張大千:1899-1983)은 복고에 기초를 두고 각종 화파의 특징을 습득하여 품격높은 작품세계를 성취시킨 인물입니다. 그는 돈황의 불교 예술에 깊은 영향을 받아 당송 이전의 전통을 되살리는데 힘을 기울였습니다. 여행을 좋아하여 브라질을 비롯한 세계 명승지를 두루 답사한 그는 청록발채(靑綠潑彩)산수화의 화풍으로 작업하였습니다. 그는 초대형 사이즈의 작품을 선호하였는데 이번에도 역시 대작이 전시되었습니다.

⑤부심여

18.부심여,<차가운 겨울 강가의 낚시>,84×143cm, 개인 소장

부심여(溥心畬:1896-1963)는 청나라 황실의 후예로 송대 회화를 기초로 삼아 그림을 그렸습니다. 신해혁명 이후 황실이 몰락하자 부모를 따라 계태사로 이주하였다는데 영화《마지막 황제》의 ‘푸이’와는 어떤 관계인 지 궁금합니다. 베를린대학에 유학하여 천문학과 생물학으로 박사학위를 받고 돌아온 뒤 작품 활동을 한 그는 국민당 국민대회에서 만주족 대표로 선발되기도 하였습니다. 확실히 ‘마지막 황제’와 무슨 인연이 있는 것 같습니다. 그림 감상하는데 왜 이런 그림외적인 사항들이 궁금한 지 모르겠습니다.

아무튼 그는 황실의 후예답게 전통을 기반으로 한 그림세계를 견지하였습니다. 그래서 때로는 창조성이 부족하다는 지적도 받습니다. 그러나 어부를 그린 이 작품은 매우 독특한 개성이 느껴지는 듯 합니다. 뒷배경이 거의 생략된 채 앙상한 고목사이로 보이는 어옹(漁翁)의 모습이 왠지 스산하면서도 막막해 보입니다. 노인들은 흔히 겨울나기가 힘들다고 하는데 내년에도 다시 뵙기를 기원합니다. 할아버지.

⑥황군벽

19. 황군벽, <지팡이를 짚고 시를 읊다>, 1974년, 119×59.5cm, 국립역사박물관 소장

황군벽은 유학을 다녀온 적은 없으나 외래문물을 쉽게 접할 수 있는 광주(廣州)지역에서 활동하여 흔히 혁신파로 분류됩니다. 그러나 저는 그의 작품에서 그다지 혁신적인 느낌을 받지 못해서 그냥 전통파에 묶었습니다. 예로부터 무수히 많은 작가들이 주제로 삼았던 <지팡이를 짚고 시를 읊다>는 제목의 작품에서 서양화의 데생과 수채화의 기초를 닦았다는 이이 조금 참고될 뿐입니다.

3)혁신파

1911년 손문이 이끄는 국민당에게 청나라가 망하자 중국은 혼란을 거듭하다 청일전쟁을 맞이하게 됩니다. 청일전쟁 도중 공산당과 국민당은 혈투를 벌이게 되고 1949년에 공산당 승리로 중화인민공화국의 막이 열립니다. 중화인민공화국이 들어서기 전까지 중국은 무술변신운동(1898년), 신해혁명(1911년) 5.4운동(1919년)을 통해 봉건제도 타파와 사회변혁의 실현에 전력을 기울입니다.

특히 5.4 운동의 아버지라 불리우는 채원배(蔡元培1868-1940)는 북경대학교 교장을 지내면서 신문화운동에 앞장섰습니다. 그는 목판화운동을 주창한 노신(魯迅, 1881-1936)을 강사로, 진보적인 잡지《신청년》의 주필 진독수(陳獨秀:1879-1942)를 문과대 학장으로 초빙하여 북경 대학을 신문화의 중심지로 이끌었다. 뿐만 아니라 서법연구회를 만들어 서비홍, 진형각, 임풍면 등의 화가들을 초빙하였습니다. 이런 분위기 속에서 그림에서도 많은 화가들이 서양화를 배우기 위해 유학을 떠났고 귀국해서는 새로운 시대정신을 담기 위해 창의적인 표현을 고민하게 되었습니다. 이들을 혁신파라고 합니다. 혁신파는 서비홍을 필두로 해서 임풍면, 부포석, 이가염, 오작인 등의 작가들이 있습니다.

①서비홍

20. 서비홍, <겨울매화>, 1943년, 92×30.5cm, 개인소장

21. 서비홍, <닭이 우니 날이 밝아오다>, 1944년, 102×46cm, 개인소장

서비홍(徐悲鴻:1895-1953)을 빼고 중국 근대 회화를 논할 수는 없겠지요. 화가로, 교육가로 미술사에 큰 발자취를 남긴 사람입니다. 행여 이번 전시회에 <우공이산>이 왔을까, 기대를 걸었지만 역시 너무 과한 욕심을 부린 것 같습니다. 그는 화가집안 출신으로 어렸을 때부터 임모를 했습니다. 강유위의 중체서용론의 영향과 1917년 일본 유학에서의 문화적 충격으로 중국화개량론을 구상했습니다. 중국화 개량론이란, 소묘로 훈련된 과학적인 사실성을 중국화에 대입시키자는 것입니다. 이 이론의 기틀을 마련하기 위해 프랑스로 유학을 떠났는데, 유학 시절 소묘와 낭만주의에 관심을 가졌고 서양회화의 상징성보다는 형(形)의 사실성에 더 큰 흥미를 가져 데생하기를 즐겨했습니다. 그는 '5.4 운동의 아버지' 북경대 교장 채원배의 추천으로 서법연구회에서 강의를 했고 중앙미전 원장을 지냈습니다. 1922년 귀국 후, 북평미전 교장을 지내고 장조화(蔣兆和), 오 작인(吳作人), 유발서(劉勃舒) 등의 후진 양성을 양성했습니다. 중국 고사나 역사적 사실을 서양화법으로 그리는 일에 몰두했는데 <우공이산도>는 서양의 명암법을 인물에 적용하고 배경 산수는 전통화법으로 처리한 독특한 작품입니다.

②임풍면

22. 임풍면, <풍어>, 65×131cm, 개인소장

23. 임풍면, <남천문>, 78×156cm, 개인소장

24. 임풍면, <자주색 옷을 입은 여인>,68×68cm, 개인소장

중국의 마티스라 불리는 임풍면(林風眠:1900-1991)은 1919년 프랑스 유학을 떠나 에콜 드 보자르에서 수학했습니다. 마티스의 포비즘에 심취하여 포비즘 정신을 중국화에 이식시키고자 노력했습니다. 간결 하면서도 핵심을 포착하는 선묘는 중국 여성, 경극 배우, 새 등에 탁월한 능력을 발휘하였습니다. 6년간 서양화를 공부하고 귀국하여 항주예전을 설립하였는데 마티스, 루오, 피카소, 모딜리아니 등 야수파의 생략된 조형과 강렬한 색상을 중국화에 대입시키는 역할을 하였습니다. 강렬한 색상과 수묵의 깊은 무게가 한 화면에 조화롭게 존재하는 것. 서양화의 속사 수업을 통해 학생들에게 사실적인 조형 감각을 익히도록 강의하면서 그는 이렇게 외쳤습니다.

“중국예술의 부흥을 위해서 나는 지옥으로 들어갔다”

③부포석

25. 부포석, <소나무 아래에서 물소리를 듣다>, 109×62cm, 홍희미술관소장

부포석(傅抱石:1904-1965)은 일본의 동경제국미술학교에서 미술사 공부를 하고 남경사범대 학과 중앙대 교수를 역임하였습니다. 몽당붓을 주로 사용하여 투박한 효과를 연출한 그의 그림은 필법은 거칠지만 매우 시적인 흥취를 추구하였다는 평가를 받았습니다. 그러나 저는 헝클어진 머리카락으로 붓질을 한 듯한 그의 필법이 왠지 심란해서 그다지 좋아하지 않는 편입니다. 그래서 그림도 한 장만 올렸는데 전시장에는 여러 점이 전시되어 있습니다.

“낭세녕(郞世寧)은 중국 그림을 배우는 데 온갖 노력을 하였지만 중국인의 눈에 들 어오지 않는 것은 그가 중국의 시를 이해하지 못하여 시정(詩情)있는 그림을 그리 지 못하기 때문이다.”라고 말하면서 문인화의 시적 정취를 강조했는데 글쎄요, 제 눈에는 영...

④이가염

26. 이가염, <공원의 휴식>,51×44.5cm, 개인소장

27. 이가염, <집으로 돌아가는 목동>, 1984년, 94×57.5cm, 개인소장

28. 이가염, <소나무 숲속의 목동>, 1987년, 89×55.5cm, 개인소장

29. 이가염, <파초에 글을 쓰다>, 1985년, 133×69.5cm, 개인소장

30. 이가염, <봄비가 내리는 촉산>, 1982년, 81.4×50cm, 개인소장

31. 이가염, <강가의 마을>, 1988년, 84×52.5cm, 개인소장

32. 이가염, <아름다운 이강>, 1988년, 65×105.5cm, 개인소장

중국 근대 회화사에서 이가염이 없었더라면 얼마나 허전했을까, 그런 생각을 자주 합니다. 송나라때부터 이어지는 거대한 대관산수의 전통이 이가염에 와서 가장 현대적이면서도 세련되게 변신을 한 것 같습니다. 이가염(李可染:1907-1989)은 16세에 상해사립미술전문학교(유해속이 창립) 사범과에 입학하였습니다. 반천수에게서 오창석 계열의 그림 배운 그는 강유위를 만나 중체서용론에 큰 자극을 받았습니다. 21세 때 채원배가 설립한 서호국립예술원에서 임풍면을 만나 형상의 과학적인 관찰과 소묘의 사실적인 묘사방법을 배워 철저한 현장스케치를 실천하는 작가가 되었습니다.(역시 만남은 중요합니다) 서호예술원은 ‘서양미술 소개’, ‘중국 예술 정리’, ‘중서 예술 조화’, ‘시대예술 창조’를 강조하였는데 40세에 북평예전 교수시절 황빈홍의 제자가 되어 적묵법을 배웠습니다. 음...또 위대한 스승을 만났군요. 그 뿐만이 아닙니다. 서비홍과 제백석을 만나 많은 자극을 받았습니다. 제백석의 필을 논하면서 그의 선이 마치 현(弦)과 같다고 감탄을 했습니다.(어떻게 하면 그런 경지를 느낄 수 있을지...부럽습니다) 끝없는 사생여행과 기본기(조형능력, 전공에 대한 기본능력, 회화도구의 사용능력, 사생)를 강조한 그는 이렇게 얘기합니다.

“사물을 본다는 것은 단지 대상을 바라보는 일에 불과하며 사생을 통하여 그 대상 을 형상화할 때만이 의미가 있다.”

이번 글은 이가염에서 시작해서 이가염으로 끝냅니다. 그의 그림도 12명의 작가 중에서 가장 많이 올렸습니다. 누구는 겨우 한 작품 올려주고 누구는 그림 전체를 올려주는 것은 지나친 편견이라 생각하시는 분이 계실 지 모르지만 마음이 그런 걸 어떡하겠어요. 이것이 글 쓰는 사람의 특권이라면 지나친 비약일런지요.

서울대에 갔다가 우연히 발견한 박물관 전시회에서 오랫만에 중국 근대 회화를 감상했습니다. 임풍면의 작품은 이번만큼 많이 본 적이 없었던 것 같습니다. 이번 전시회에 고검부와 고기봉, 장조화와 반천수의 작품이 없어 조금 아쉬웠지만 곧 마음을 추스렸습니다. 아쉬움이 있어야 다음에 또 전시장을 찾게 될 테니까요. 이번 전시회는 대만 국립역사박물관과 서울대학교박물관의 문화교류 협력으로 이루어지게 되었다고 합니다. 이런 교류는 자주 가져서 다음에는 서비홍의 대작과 장조화의 작품도 볼 수 있었으면 좋겠습니다.(조정육)

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15. 내가 반한 겸재 정선

2009-11-23T18:15:03Z

<겸재 정선-붓으로 펼친 천지조화>:국립중앙박물관, 2009년 9월8일-11월22일

<정선과 18세기 화가들>:삼성미술관, 2009년 9월 29일-2010년 3월 28일

<호방>(부분), 《사공도시품첩》중, 1749년, 비단에 엷은 색, 27.8×25.2cm, 국박

올 해는 겸재 정선(1676-1759) 서거 250주년이 되는 해입니다. 간송미술관 봄 전시를 시작으로 국립박물관과 삼성미술관 등 굵직한 전시장에서 정선을 기념하는 기획전이 열렸습니다. 그 중에서도 국립박물관 전시는 무려 석 달 보름동안 계속되었고 삼성미술관은 내년 3월까지 6개월간 계속된다고 합니다.

국립박물관 전시는, 현재 남아 있는 정선의 기년작 중 가장 빠른 36세때의 작품《신묘년풍악도첩》을 비롯하여 41세 때 그린《북원수회도첩》, 한양의 명승지 장동의 여덟 장소를 그린《장동팔경첩》, 퇴계 이황의 친필과 송시열의 발문이 담긴 《퇴우이선생진적첩》 그리고 사공도의 시론과 정선의 그림과 이광사의 글씨가 담긴 《사공도시품첩》, 마지막으로 왜관수도원소장《겸재 정선 화첩》이 공개되었습니다. 그 외에도 <여산폭포도>나 <선인도해><해인사도>등 다른 작품들도 전시되었지만 아무래도 저의 관심사는 주마다 페이지가 바뀌어서 펼쳐지는 화첩에 있었습니다. 새로 펼쳐진 그림을 생각하며 주마다 박물관에 들어설 때마다 가슴이 설레임으로 쿵쾅거렸습니다. 긴 시간동안 지켜 본 전시회였고 볼 때마다 감동을 받았던 전시회인지라 오늘도 욕심껏 그림을 많이 올립니다. 저는 어떤 전시회에 가든 항상 도록과 자료를 먼저 챙기는 것이 버릇입니다. 전시 도록에서 가장 좋은 그림을 이곳에 올리고 있는데, 상태가 좋지 않을 때는 제가 가진 다른 자료 중에서 더 좋은 그림을 찾아 올립니다. 그 얘기는 제가 감상하는 수준의 그림을 그대로 올려드린다는 뜻입니다. 일을 하시다가 잠시 휴식이 필요하실 때는 언제든지 들어오셔서 명화속에서 산수유람을 해 보세요. 솔바람이 솔솔 불어올 것입니다.

<금강내산총도>,《신묘년풍악도첩》, 1711년(36세), 비단에 엷은 색, 36.0×37.4cm, 국박

정선은 손과 발로 그림을 그린 화가입니다. 한양의 도성안에서부터 금강산까지 그의 발길이 닿지 않는 곳이 없었다고 할 정도로 그는 부지런히 돌아다녔습니다. 다니면서 직접 보고 느끼고 감동받은 것을 붓끝으로 쏟아냈습니다. 그 중에서도 금강산은 정선에게 큰 감동을 주었던 것 같습니다. 《신묘년풍악도첩》을 비롯하여 여러 점의 금강산 그림을 남겼습니다. 이번 전시회에서《신묘년풍악도첩》을 한꺼번에 전부 볼 수 있어서 아주 흐뭇했습니다. 정선이 여행한 여행코스도 함께 그려놓은 박물관측의 배려로 머릿속으로 정선의 뒤를 따라서 함께 여행할 수 있었습니다.

정선이 그린 금강산 그림은 크게 두 가지로 나눌 수 있습니다. 첫번째는 <금강내산총도>처럼 금강산의 전체모습을 그린 것입니다. 두번째는 금강산의 세부를 클로즈업하듯 가까이에서 그린 작품입니다. 이런 원칙은 36살 때 그린 이 화첩에서부터 72세 때 그린 《해악전신첩》까지 일관되게 지켜지는 원칙이었습니다. 금강산 전체 모습을 그린 작품 두 점을 비교해서 감상해 보세요.

<금강내산>,《해악전신첩》, 1747년, 비단에 엷은 색, 32.6×49.5cm, 간송미술관

<단발령망금강>,《신묘년풍악도첩》, 1711년(36세), 비단에 엷은 색, 34.4×39cm, 국박

단발령은 여행자가 금강산의 전체 모습을 조망할 수 있는 첫번째 고개라고 합니다. '단발령'이란 '머리를 깎는 고개'라는 뜻입니다. 단발령에 서서 금강산을 보는 순간 머리를 깎고 수도자가 되기 위해 입산한 사람들이 많아 붙여진 이름이라고 합니다. 처음 본 금강산의 모습이 얼마나 아름다웠으면 이 고개에 서서 금강산을 보자마자 속세에 대한 미련을 버리고 '단발'을 했겠습니까. '여한이 없다'는 말은 이런 경치를 본 후에나 할 수 있는 표현이겠지요? 정선은 구경꾼들이 서 있는 속세와 부처님과 신선이 산다는 금강산을 구별하기 위해 그 사이에 구름의 강을 흐르게 했군요. 피안의 세계는 저렇게 신기루같을까요? 똑같은 제목을 가진 다른 작품 하나 더 구경해보세요.

<단발령망금강>, 종이에 엷은 색, 34.4×39cm, 간송미술관

<백천교>, 《신묘년풍악도첩》, 1711년(36세), 비단에 엷은 색, 33×37.4cm, 국박

<백천교>는 정선이 금강산을 그리는 두 번째 방법에 속합니다. 금강산 안에 깊숙이 들어가 세부를 그리는 방식입니다. 너럭바위 위에 앉은 선비들이 황홀한 계곡 경치에 마음을 빼앗겼습니다. 선비들 보니까 중국식 복장이 아니라 조선의 옷을 입고 조선의 갓을 썼군요. 정선 이전에는 볼 수 없었던 풍경입니다. 정선은 조선 산천을 그린 진경산수화가일 뿐만 아니라 인물을 그리더라도 조선 사람을 그렸습니다. 그 전까지는 그림 속에 중국 사람을 그리는 것이 아주 당연한 일이라 어느 누구도 그 사실을 이상하게 생각하지 않았습니다. 당연하지 않는 것을 당연하지 않다고 깨달은 사람. 그 사람이 바로 정선입니다. 가장 조선적인 화가인 김홍도가 출현할 수 있었던 것도 그 이전에 정선같은 선구자가 있었기 때문이 아닐까요?

<옹천도>,《신묘년풍악도첩》, 1711년(36세), 비단에 엷은 색, 26.6×37.7cm, 국박

'옹천'은 독(항아리)을 엎어놓은 것처럼 생긴 벼랑이라서 붙여진 이름입니다. 오른쪽에 출렁거리는 파도를 배경으로 왼쪽에 좁을 길을 따라 여행하는 사람들을 그렸습니다. 정선은 벼랑 중간 외길에 점을 찍어 길을 표시했는데 당나귀를 놓친 아이가 바삐 걸어가는 모습을 그려넣었습니다. 만화같은 발상이지만 그림 읽는 재미가 느껴집니다.

<비로봉도>, 종이에 먹, 100×47.7cm, 개인 소장

정선은 표현주의적인 경향이 강한 작품을 여러 점 남겼습니다. 금강산의 주봉인 비로봉을 화면 가득 배치하고 그 앞에는 낮은 바위산들을 들러리처럼 세웠습니다. 그 모습이 마치 늠름한 장군이 군사들을 거느리고 행진하는 것 같습니다. 너무 지나친 비약이라구요? 그럼 다음 그림을 한 점 보실까요?

필자미상, <금강산도권>, 19세기, 종이에 담채, 26.7×43.8cm, 국박

그림 속 바위를 자세히 살펴보세요. 스님이 지팡이를 짚고 걸어가는 것 같기도 하고 선비가 말을 타고 유람을 떠나는 것 같기도 하고 두 사람이 마주 보고 대화하는 것 같기도 합니다. 바위의 형상이 워낙 기기묘묘하고 절묘하다보니 그런 느낌을 받는 것 같습니다. 큰 바위에 성스러운 이름을 붙이고 절을 하고 소원을 비는 행위는 자연에 대한 이런 경외감 속에서 생겨나지 않았을까요? 이야기가 옆으로 빠졌는데 비로봉 그림 한 점 더 감상하시지요.

<비로봉>, 종이에 수묵, 25×19.2cm, 개인

먹이 가진 매력이 바로 이런 것이 아닐까 싶습니다. 마치 날카로운 펜으로 죽죽 내려긋듯 바위의 질감을 표현한 이런 작품을 보면 대책없이 무조건 감동하고 맙니다. 나이 들어갈수록 친절하고 자상한 남자가 좋은데 왜 그림은 과묵하고 본질에 바로 육박해 들어가는 작품이 좋은 지 모르겠습니다. 너무 세밀하고 지나치게 친절한 그림은 잔소리 많은 남자처럼 거추장스럽고 번잡하다니까요. 이 작품은 본질의 뼈대가 뭔가를 보여주는 것 같습니다.

<금강내산>, 종이에 수묵, 80.5×28.2cm, 간송미술관

금강산 구경하시느라 다리 아프시지요? 잠시 앉아 보세요. 제가 부채질을 해 드리겠습니다. 어때요? 부채끝에서 금강산 솔바람 향기가 느껴지시지 않으신가요? 추워 죽겠는데 웬 부채질이냐구요? 음...이 부채는 마음을 맑게 해 주는 바람이 나오는 부채랍니다.

<북원수회도>, 1716년(41세), 비단에 엷은 색, 39.3×54.4cm, 개인소장

저는 이 작품을 이번 전시회에서 처음 봤습니다. 이 작품은 숙종대에 공조판서를 지냈던 이광적이 과거에 급제한 지 60주년이 되는 해를 기념하기 위해 그렸습니다. 보통 사람이 회갑을 넘기기도 힘든 상황에서 과거 급제 60주년을 맞아한다는 것은 더욱 힘들고 경사스럽겠지요. 당시 이광적의 나이는 89세였고 이 행사를 치른 다음 해에 세상을 떠나게 됩니다. 이 그림은 서울 장의동에 있는 이광적의 집을 배경으로 열 다섯 명의 노인들과 그 자손들이 장수를 축하하는 모임 장면을 그린 기록화입니다. 그런데 작품을 가만히 들여다보면 풍속화가로써의 정선의 시선을 발견할 수 있습니다.

<북원수회도> 세부

이 모임에 참석한 사람들의 모습입니다. 모임 장면을 기념하기 위한 기록화인만큼 모임 장소와 분위기가 생생하게 느껴질 수 있도록 차분한 필치로 그렸습니다. 손주를 대동한 노인들이 노란 방석 위에 앉아 있고 난간에는 노인들이 짚고 온 지팡이가 놓여 있습니다. 댓돌 위에는 음식을 장만하는 아낙네들이 상을 들여가기 위해 앉아 있고 마당에는 가마꾼들과 겸인들이 대화를 나누고 있습니다. 이 작품을 보니까 김홍도의 작품이 떠오르는 군요.

전 김홍도, <남소영도>, 종이에 담채, 43.7 ×32.5cm, 고려대학교박물관

2001년 고려대학교 박물관에서 전시했던 『조선시대 기록화의 세계』때 나왔던 작품입니다. 나무와 숲에 둘러쌓인 건물 속에 잔치에 참여한 사람들이 그려져 있고 주변에는 잔치를 진행하는 스탭들과 구경꾼들의 모습이 자세히 그려져 있습니다. 사선으로 배치된 건물 담장이나 부감법의 시각 등은 겸재와 단원 작품의 공통점입니다. 그러나 단원이 훨씬 세밀하고 꼼꼼한 것 같습니다. 소나무 아래 다양한 자세로 앉아 있는 인물들이나 뒷마당에서 분주하게 음식을 장만하는 사람들까지 단원의 눈을 피해갈 수 있는 사람은 없는 듯 합니다.

<세검정>, 종이에 엷은 먹, 22.6×61.8cm, 국박

정선은 북악산 자락 유란동에서 태어나 자랐고 만년에는 인왕곡에서 살았습니다. 인왕산 자락과 백악산 계곡은 '우대'라고 불렸는데 한양의 권문세가들이 사는 지역이었습니다. <북원수회도>의 주인공 이광적도 이 곳 장동에 살았습니다. 정선은 이 곳에 사는 권문세가들의 지원을 받으며 화가로써 이름을 날렸습니다. 그는 인왕산 동쪽에 위치한 청풍계를 비롯해, 세검정, 창의문, 백운동 등 한양 진경을 많이 그렸습니다. <세검정>은 북한산 아래 맑은 물이 흐르는 곳에 세워진 정자인데 정자를 중심으로 주변 경관이 부챗살처럼 퍼져 한 눈에 들어옵니다. 부감법으로 그린 정선 작품과 카메라로 찍은 다음 그림을 비교해보시면 동양화와 서양화의 시각의 차이를 느낄 수 있을 것입니다.

세검정

<삼승조망도>, 1740년, 비단에 엷은 색, 66.7×39.6cm, 개인소장

이 작품 앞에 서자 함께 구경하러 갔던 지인이 갑자기 탄성을 지릅니다. 와...이런 곳에서 한 번 살아봤으면...! 저는, 사는 것까지는 바라지도 않고 한 번만이라도 저 정자 속에 앉아봤으면 좋겠습니다. 이곳은 정선의 이웃 사람인 이춘제의 후원입니다. 이춘제는 인왕산 기슭에 위치한 대저택의 주인인데 당시 한양 귀족의 생활이 어떠했는 지 짐작할 수 있는 작품입니다. 그렇게 호사스럽게 살았던 사람은 지금 어디에 있는 걸까요? 참으로 인생무상합니다. 지금 저 곳에는 누가 앉아 있을까요?

<창의문>《장동팔경첩》, 종이에 엷은 색, 32.9×29.4cm, 국박

장동은 인왕산의 남쪽 기슭에서 백악산(북악산) 계곡에 이르는 지역으로 지금의 효자동, 청운동 지역입니다. 권력과 재력을 가진 사람과 명문가들이 모여 사는 한양 최고의 부촌이었습니다. 정선은 장동에 위치한 명문가 저택, 유명한 명승지 여덟 곳을 그려《장동팔경첩》에 담았습니다. 취미대, 대은암, 독락정, 청송당, 창의문, 백운동, 청휘각, 청풍계의 순으로 그려진 이 화첩은 지금의 청와대와 그 일대를 그렸습니다.

<대은암> 《장동팔경첩》, 종이에 엷은 색, 32.9×29.4cm, 국박

<백운동>,《장동팔경첩》, 종이에 엷은 색, 32.9×29.4cm, 국박

<계상정거도>《퇴우이선생진적첩》, 종이에 먹, 25.3×39.8cm, 국박

《퇴우이선생진적첩》은 퇴계 이황이 직접 쓴 「주자서절요서」에 우암 송시열의 발문이 담긴 서책입니다. 그래서 '퇴계'와 '우암'의 앞글자를 따서 '퇴우'라고 했습니다. 성리학의 대가인 퇴계 이황은 중국 주희의『주자대전』의 정수라 할 수 있는 글을 뽑아 책을 엮고 서문을 씁니다. 그것이「주자서절요서」인데 퇴계의 친필은 그의 손자와 외손자를 거쳐 외손자의 사위인 박자진에게 전해집니다. 박자진이 바로 정선의 외조부인데 그는 퇴계의 글을 들고 송시열에게 가서 발문을 받아옵니다. 퇴계와 송시열의 친필로 쓴 서책이 외가집에 있다는 것을 안 정선의 아들 정만수는 박자진의 집에 가서 이 서책을 가져옵니다. 그리고 이 서책의 앞 두 면을 여백으로 남겨 아버지 정선에게 그림을 그리게 하고, 이 서책이 전해지게 된 내력을 자신의 발문으로 써 넣어 장첩합니다. 나중에는 정선의 친구 시인인 이병연의 제시가 추가됩니다.

정선은 책의 앞 여백에 4면의 그림을 그려넣습니다. 첫번째는 이황이 학문을 닦고 제자를 양성하던 도산서원을 배경으로 <계상정거도>를 그리고, <무봉산중>에서는 외조부 박자진이 송시열에게 발문을 받는 장면을, <풍계유택>에서는 외조부 박자진이 살던 외가집을 그렸습니다. 마지막에는 자신이 살고 있는 집 <인곡정사>를 그려넣습니다. <계상정거도>는 그 첫번째 작품으로 퇴계의 고결한 선비정신이 느껴지도록 담담한 필치로 그렸습니다.

<무봉산중>《퇴우이선생진적첩》, 종이에 먹, 30.2×21.4cm, 국박

제목을 <무봉산중>이라 지은 것은, 박자진이 송시열에게 발문을 받으러 갈 당시 송시월이 은거하던 곳이 수원 무봉산이기 때문입니다. 계곡물이 흐르는 무봉산 정자에서 탁자를 사이에 두고 박자진과 송시열이 마주 앉아 있습니다. 오른쪽에 사방관을 쓰고 흰 수염을 기른 할아버지가 우암이고 왼쪽에 갓을 쓴 사람이 정선의 외조부 박자진일 것입니다. 박자진이 지금 왜 자신이 퇴계 선생의 진적에 우암 선생의 발문을 받아야 하는 지 열심히 설득하고 있는 중입니다.

<풍계유택>《퇴우이선생진적첩》, 종이에 먹, 30.1×21.5cm, 국박

<인곡정사>《퇴우이선생진적첩》, 종이에 먹, 32.3×22cm, 국박

외조부 박자진이 살았던 <풍계유택>에 이어 자신이 살고 있는 <인곡정사>를 마지막에 그려 넣었습니다. 송시열이나 정만수의 발문을 굳이 읽어보지 않고 단지 이 그림 4장만 보더라도 이 서화첩이 처음 누가 만들었고 어떤 경로를 통해 정선의 집에 소장하게 되었는가를 명료하게 알 수 있습니다. 그렇다면 정선은 왜 이 서화첩을 만들었을까요? 이 서화첩은 정선의 나이 71세 때 만들었습니다. 그 늦은 나이에 이 서화첩을 만든 이유가 어쩌면 자신의 뿌리찾기에서 비롯된 것은 아닐까요? 나는 지금 어느 지점에 서 있고 어떤 맥락속에서 살아왔는가, 를 찾다보면 결국 자신의 삶의 근간을 이루는 큰 뿌리를 발견하게 됩니다. 그 뿌리가 조상일 수도 있고, 정신적인 스승일 수도 있도 때론 예술혼이거나 돈일 수도 있습니다. 정선은 그 뿌리를 퇴계에서 시작하여 우암으로 이어지는 '유학'이라 여겼던 것이지요. 내가 그림을 그리는 것은 단지 재주를 자랑하기 위한 것이 아니라 퇴계와 우암에서 비롯되는 큰 맥락속에서 붓을 드는 것이다. 뭐, 이런 자부심을 드러내고 싶었던 것이 아닐까요? 이 그림을 보면서 나의 뿌리는 무엇 혹은 누구일까, 생각하게 되었습니다. 그러나 나의 뿌리를 찾는다면서, 조상중에 누가 큰 벼슬을 했는 지 알아보기 위해 족보를 뒤적거리는 일은 하지 않아야겠습니다. 그보다는 오늘의 내가 있게 만든 정신적인 조상이나 스승을 찾아봐야 되지 않을까 생각합니다.

<소야>,《사공도시품첩》, 1749년(74세), 비단에 담채, 34.5 ×29.6cm, 국박

이 번 전시가 특별히 기억에 남는 이유는 처음 공개된 작품을 볼 수 있었다는 점 이외에도 각 화첩의 그림을 전부 볼 수 있었다는 것입니다. 항상 전시회를 갈 때마다 두꺼운 화첩 중에서 오직 펼쳐진 면만 봐야 하는 아쉬움이 컸었는데 이번에는 화첩 전체를 볼 수 있어서 아주 만족스러웠습니다. 물론 그 덕분에 석달 동안 내내 일주일에 한 번씩 국박으로 출근했지만요. 출근할 때마다 가장 먼저 달려가서 본 그림이 바로《사공도시품첩》이었습니다. 이 화첩은 오른쪽에는 정선의 그림이, 왼쪽에는 원교 이광사가 사공도의 시품을 필사한 글이 쓰여져 있습니다. 사공도(837-908)는 당나라 말기의 시인인데 그가 쓴「시품」은 시를 쓸 때 갖춰야 할 품격 스물 네 가지를 요약한 글입니다. 「시품」의 내용은 시를 쓰는데 필요한 기교가 아니라 품격을 논한만큼 구체적이기보다는 매우 추상적입니다. '웅혼'' 충담''섬농''침착''고고' 전아''자연''호방''함축' 비개'....등등 단어만으로는 뚜렷한 실체가 잡히지 않을 정도로 추상적입니다. 이런 추상적인 내용을 그림으로 형상화하는 작업, 쉽지 않았겠지요? 아니, 추상을 형상화한다는 시도 자체가 애초부터 무모한 것인 지도 모릅니다. 그러나, 그렇기 때문에 이 작품이 의미가 있을 것입니다. 추상적인만큼 작가의 상상력이 개입될 여지가 충분해서 오히려 독창적인 해석이 가능할 수도 있기 때문입니다. 그러기 위해서는 시론의 내용을 완전히 이해하고 숙성시켜 충분히 자신의 빛깔로 표현할 수 있을 때 붓을 들어야 할 것입니다. 정선의 그림처럼 시를 옮겨 쓴 이광사의 글씨체 또한 다양했습니다. 글의 내용에 맞게 때론 전서체로, 때론 예서체, 해서체, 행서체, 초서체로 쓰면서 자신만의 해석을 곁들인 글씨체를 선택했습니다. 역시 대가다운 면모였습니다. 윗 그림의 <소야>는 그 뜻이 '활달하여 예법에 얽매이지 않음'입니다. 여러분같으면 '소야'를 어떻게 그리시겠어요?

<유동>,《사공도시품첩》, 1749년(74세), 비단에 담채, 27.8 ×25.2cm, 국박

'유동'은 '지장없이 부드럽게 흘러감'이란 뜻입니다. 무엇이 부드럽게 흘러간다는 뜻일까요? 막힘없이 흘러가는 계곡물이 그렇다는 것일까요, 아니면 정자 속에 앉은 시인의 시상이 그렇다는 걸까요. 《사공도시품첩》을 보면서 놀란 것은 정선이 채색을 아주 효과적으로 잘 썼다는 사실입니다. 이 글의 맨 위에 나온 <호방>의 인물도 마찬가지입니다. 얼굴에 볼터치를 하듯 붉은 채색을 물들였습니다. <소야>에서는 화분만 붉게 칠했고, <유동>에서는 붉은색 탁자와 파란색 책이 눈에 띕니다. 좋은 도판이 없어서 올리지는 못하지만 <자연>에서는 눈에 띄지도 않을 정도로 작은 낛시가방을 붉게 칠했더군요.

처음에는, 뭐 이런 것까지 세밀하게 그릴 필요가 있었을까, 하고 생각했습니다. 그런데 그렇지가 않더군요. 담담하게 한 가지 톤으로만 깔린 배경속에 진한 액센트를 찍자 갑자기 그림이 생기가 나고 생동감이 돌더군요. 마지막 순간까지도, 그것이 아무리 사소하게 느껴지는 것이라도 절대로 긴장의 끈을 놓으면 안된다는 것을 알았습니다. 역시 정선은 프로였습니다.

<비개(悲慨)>,《사공도시품첩》, 1749년(74세), 비단에 담채, 34.5 ×29.6cm, 국박

시의 내용은 한 번 살펴볼까요.

"큰 바람 물 말아 일으키니

숲의 나무가 꺾어진다.

마음은 괴로워서 죽을 것 같은데

쉬러오라 부른 이는 오지 않는다

인생 백년은 유수와 같고

부귀는 차가운 재가 되었도다.

대도는 날마다 멀어지니

웅걸한 인재는 그 누구인가?

장수는 검울 어루만지고

눈물 흘리며 마냥 슬퍼한다

우수수 낙엽은 지고

빗물 새어 푸른 이끼가 생기도다."

<고산방학>,《겸재 정선 화첩》, 비단에 담채, 29.2 ×23. 5cm, 왜관수도원

마지막으로 살펴보게 될 화첩이 왜관수도원 소장《겸재 정선 화첩》입니다. 이 화첩은 1925년 성 오틸리에 수도원 소속의 노르베르트 베버(1870-1956) 신부가 금강산 유람 중에 구입해서 독일로 가져간 작품으로 2006년 성 베네딕도회 소속 경북 칠곡 왜관수도원에 영구 임대 형태로 돌아오게 되었습니다. 이 화첩에 있는 그림 중에서 20여점이 1977년에 간행된『겸재 정선』(한국의 미 시리즈:중앙일보사)에 소개되었는데 원작을 직접 보기는 이번이 처음이었습니다.

그림 내용은 정선의 다른 작품과 크게 다를 것이 없었고 소재도 겹치는 작품이 많았습니다. 물론 채색을 올리는 형식이나 필치는 작품마다 조금씩 차이가 있었습니다. 아래 두 작품 <고산방학>과 <노자출관>은 같은 소재의 그림이 간송미술관에도 소장되어 있는데 두 작품을 비교 감상해 보시기 바랍니다.

<고산방학>, 비단에 담채, 22.8×27.8cm, 간송미술관

<고산방학(孤山放鶴)>은 송나라 때의 은일지사인 임포의 이야기를 그린 것입니다. 임포는 서호 부근 고산에 집을 짓고 살면서 집 주변에 매화를 심고 학을 길렀습니다. 결혼을 하지 않아 자식이 없었던 임포는 매화를 아내로 삼고, 학을 자식 삼아 평생을 살았다고 합니다. 소설에서나 나올 법한 그의 사는 모습은 이후 수많은 풍류가들의 부러움을 샀고 아취 있는 은거생활의 전형으로 여겨지게 되었습니다. 많은 시인과 화가의 상상력을 자극한 임포의 모습은, 매화를 감상하는 모습을 그린 '고산상매'라는 제목으로도 많이 그려졌습니다.

<노자출관>,《겸재 정선 화첩》, 비단에 담채, 29.6 ×23.2cm, 왜관수도원

<노자출관>, 비단에 엷은 색, 28.5×23.2cm, 간송미술관

지난 번 간송 전시회 때 전시되었던 작품입니다. 간송미술관 소장 작품이 엷은 먹을 써서 차분한 느낌이라면, 왜관수도원 소잗품은 채색을 강조하여 좀 더 화사한 느낌입니다. 구도나 그림을 풀어내는 방식은 비슷한데 색을 어떻게 올리느냐에 따라 이렇게 다른 느낌이 드는 것 같습니다.

<연광정>,《겸재 정선 화첩》, 비단에 담채, 28.6 ×23.9cm, 왜관수도원

연광정은 대동강변에 위치한 장소로 빼어난 풍광이 유명한 장소입니다. 기암괴석 위에 세워진 이층 누각과 절벽아래 들어선 아담한 초가집, 넓은 강가에 줄지어 선 버드나무들이 꼼꼼한 필치로 그려져 있습니다. 이 작품은 노를 젓는 뱃사공과 말을 타고 가는 인물 등이 세부 묘사가 눈에 보이지 않을 정도로 가느다란 필치로 그려져 있어 실제로 보면 더욱 그 진가가 발휘되는 작품입니다. 이 작품을 보고 함께 갔던 지인이, 정선은 정말 쪼잔하다고 혀를 내둘렀던 작품입니다. 표현이 좀 그렇지만 돋보기를 들이대고 봐야 제대로 보일 정도로 극밀하게 그린 정선의 표현력에 대한 최대의 찬사일 것입니다.

<함흥본궁송>,《겸재 정선 화첩》, 비단에 담채, 28.8 ×23.3cm, 왜관수도원

<금강전도>, 1734년(59세), 종이에 담채, 130.7×59cm, 삼성미술관

국박에서 '겸재 정선'전을 마지막으로 보고 한남동에 있는 삼성미술관 리움에서 본 <금강전도>와 <인왕재색도>의 감동을 쉽게 잊지 못할 것입니다. 용인 호암미술관에서 전시될 때부터 수없이 많이 본 작품임에도 불구하고 이번에 볼 때는 특별히 더 감동적이었습니다. 예전에는 그저 그렇더니 새삼스럽게 갑자기 찾아온 감동의 이유를 알 수 없었지만, 마치 이 두 작품을 보기 위해 1년동안 정선의 발자취를 쫓아다녔구나, 하는 생각이 들었습니다. 이번 전시회에서는 유난히 푸른 하늘이 눈에 들어왔습니다. 제시에 '만이천봉 개골산'이라고 적어놓은 것을 보면 겨울의 금강산을 그렸습니다. 눈도 내리지 않는 한겨울 추위가 창날처럼 솟아 있는 암산 사이로 내려 앉았습니다. 파란 하늘에 예민한 봉우리끝을 담군 바위들이 시퍼렇게 얼어 있습니다. '머리맡에 걸어 놓고 늘 보고 싶어서' 그렸다는 정선의 심정을 들여다보고 있자니 선미(禪美)가 느껴질 정도입니다.

<인왕재색>, 1751년(76세), 비단에 담채, 79.2×138.2cm, 삼성미술관

1751년 윤5월 29일에 친형제처럼 지내던 친구 이병연이 81세의 나이로 세상을 떠났습니다. 어렸을 때부터 이웃집에 살면서 한 스승 밑에서 가르침을 받았고, 나이 들어서는 서로 시와 그림을 주고 받으며 마음을 나눈 친구였습니다. 자신의 분신과도 같은 친구가 떠나가자 이병연과 함께 했던 시간을 기념하며 그린 작품이 바로 <인왕재색>입니다. 그림 오른쪽 위에 '신미년 윤월 하완'이라고 적혀 있는 것을 보면 이병연이 죽기 직전이거나 죽고 나서일 것입니다. '하완(下浣)은 '하순'과 같은 뜻입니다. 한 달 중에서 20일 이후를 하순이라 합니다. 이병연이 29일에 세상을 떠났으니 아마 살아 있을 때 그리지 않았을까, 싶습니다. 죽고 나서 그렸다면 친구를 잃은 슬픔에 이런 대작을 구상할 여유도 없었을 것이며 또 몇일만에 끝내지도 못했을 것이기 때문입니다. 만약 사후에 그렸다면 그림의 완성은 6월달로 넘어가지 않았을까요. 굳이 하순이라는 시간을 강조할 것을 보면 그 때 이 작품을 완성했다는 뜻일 것입니다. 작품만 좋으면 됐지, 그린 날짜가 뭐 그리 중요하느냐고 생각할 수도 있지만, 세상에는 그것이 중요하게 생각되는 사람도 있는 법입니다.

비가 오고 나서 막 개기 시작한 인왕산이 빗물과 안개로 축축이 젖어 있습니다. 흰 바위는 검게 칠해 그 무게감을 강조했고 불필요한 부분은 과감하게 구름 속에 묻어 버렸습니다. 76세의 노장 작품이라고는 도저히 믿을 수 없을 정도록 힘찬 필력이 느껴집니다. <금강전도>도 그렇지만 <인왕재색>도 무척 큰 작품입니다. 정선의 웅혼한 필력을 힘없는 저의 글 솜씨로 도저히 전달해 줄 자신이 없습니다. 직접 가셔서 감상하시는 것이 좋을 것 같습니다.

올 한 해는 내내 정선이라는 대가와 함께 한 해였습니다. 언제 이렇게 정선의 작품을 마음껏 볼 수 있을까, 싶을 정도로 넘치도록 풍성하게 작품을 감상할 수 있었습니다. 전생에 큰 복을 짓지 않고서는 받을 수 없는 행운 같습니다. 평생동안 단 한 번도 게으름 피우지 않고 정진을 거듭한 정선의 삶을 들여다보면서 좀 더 진지하게 남은 인생을 살아야겠다는 생각을 하게 되었습니다. 며칠 후에 리움에 가서 다시 한 번 정선을 만나봐야겠습니다.(조정육)

tag : 정선

불교미술을 찾아서2

2009-11-16T23:32:08Z

불교미술을 찾아서 2 / 조정육 (『그림공부 사람공부』의 저자)

부처님의 상징(1)

탑塔

1. 탑은 부처님의 무덤

10여 년 전 중국에 처음 갔을 때였다. 산 전체를 깎아서 만든 낙산 대불을 보고 그 규모에 혀를 내두른 적이 있었다. 산 전체에 부처를 새기고 탑을 조성하는 것이야 우리나라에서도 흔히 볼 수 있는 광경이라 그리 낯설지 않았지만 문제는 그것을 조성하는 방식의 차이였다. 우리는 산에 놓여 있는 바위를 최대한 살리는 선에서 불상을 새긴다. 마애불이 들어 서 있는 경주 남산이나 월출산, 서산 등의 마애불을 보더라도 바위가 있는 면을 깎거나 다듬어 그 속에 잠들어 있는 부처상을 살짝 흔들어 깨운 듯한 느낌이 든다. 산 전체를 변형시켜 전혀 새로운 형식의 불상을 만든 것이 아니라 있는 그대로의 바위에서 먼지를 털어내고 말끔하게 다듬어 부처상이라는 생명있는 예술품으로 전환시킨 것이다. 집을 짓거나 정원을 만들 때 가능한 한 자연을 살리는 범위 내에서 인공적인 미를 최소화한 방법을 선택하는 사람들이 우리 민족이다. 그래서 우리가 살고 있는 삶의 터전은 항상 자연 속에 파묻힌 듯한 편안함이 배여 있다.

중국 낙산 능운사 대불(789-803년)

그런데 낙산대불은 달랐다. 70미터가 넘는 산을 깎아 부처님 한 분을 조성했다. 하나의 컨셉이 정해지면 그 컨셉을 구체화하기 위해 나머지 부분은 가차없이 쳐내버리는 중국인들의 세계관이 놀라웠다. 무모하리만치 저돌적인 중국인들의 사고방식이 선명하게 느껴졌다. 낙산대불을 보고 처음 나선 해외여행에서 엄청난 문화적 충격을 받고 돌아왔다.

그런데 크고 거대하고 집단적인 문화가 오로지 중국인들만의 것이 아니라는 것을 알게 된 것은 캄보디아에 갔을 때였다. 앙코르와트에 세워진 불가사의할 정도로 거대한 사원과 탑을 보며 이 사원이 인도네시아의 보로부두르에서 영감을 얻어 세워졌다는 얘기를 들었을 때 거대한 규모로 조성되는 사원에는 일정한 양식이 있다는 것을 확신하게 되었다. 그 확신은 도시 전체를 탑과 사원으로 세운 태국의 아유티야를 둘러보았을 때 더욱 분명해졌다. 그러니까 인도에서 시작된 불교문화가 동남아시아를 거치면서 중국에 이르는 동안 바다처럼 넓고 태산처럼 높은 규모로 제작되어야 한다는 보이지 않는 원칙 같은 것이 있었던 것이다. 그 바탕 위에서 인도의 석굴사원과 미얀마의 바간과 태국의 아유티야와 중국의 용문석굴이 일맥상통한 흐름을 보이고 있다. 입이 떡 벌어질 정도로 크고 거대하게 지어야 한다는 원칙이었다.

불상과 탑 등 불교의 예배대상을 크고 거대하고 많이 제작한 것은 부처님의 위대성을 반영하기 위해서였을 것이다. 삼천대천세계를 가득 채우고도 남을 부처님과 보살님의 존재성을 표현하다보니 규모가 커지게 되었던 것이다.

(캄보디아 앙코르와트 사원:불교와 힌두교의 교리가 뒤섞인 사원이다)

그 중에서 가장 많이 눈에 띄는 조영물이 탑이었다. 특히 고대 도시의 불교 유적지에서는 탑이 단연 돋보였다. 미얀마의 바간은 한 장소에 4천여기의 탑이 세워져 있고, 보로부두르는 사원 자체가 탑과 같다. 석굴에 불상이 조영된 것은 훨씬 후대의 일이고 연대가 올라갈수록 탑이 절대적으로 많고 웅장했다. 불상이 만들어지지 않던 무불상 시대에 탑이야말로 최고의 예배대상이었다는 것을 의미했다. 무불상시대에 보리수와 금강좌와 불족적이 탑과 함께 똑같이 예배대상이었으면서도 유독 탑이 인기가 많았던 것은 탑이야말로 부처님의 사리를 모신 신성한 무덤이라 생각했기 때문일 것이다.

2. 가장 인기 있었던 예배대상은 탑

탑은 고대 인도어인 범어로 스투파stupa가 중국으로 전해지면서 중국식 발음인 솔도파率堵婆, 탑파塔婆로 불려지게 되었고 이것을 줄여 탑塔이라 부르게 되었다. 스투파는 원래 인도에서 ‘쌓아 올린다’는 뜻으로 쓰였는데 죽은 사람을 화장한 뒤 유골을 묻고 그 위를 흙이나 돌로 쌓은 무덤을 의미했다. 그 유골을 담은 함이 사리함이라고 했다. 사리함을 그냥 둘 수 없어 사리함을 꾸미고 장식하는 것이 바로 탑이다.

아쇼카왕(BC273-BC232)이 전국에 8만 4천 기의 탑을 세워 부처님의 사리를 봉안한 후 탑은 실질적으로 불교의 중요한 예배 대상이 되었다. 중국에서 수나라의 문제文帝가 전국에 탑을 세워 사리를 안치한 것도 탑이야말로 불교를 전파시키고 확산시키는 데 가장 중요한 조형물이라고 생각했기 때문이다.

이런 분위기속에서 탑은 석가모니의 몸인 사리를 모신 건축물이라는 개념에서 더 나아가 탑이 곧 부처라는 개념으로 인식하게 되었다. 따라서 눈에 보이지 않는 부처 대신 눈으로 확인할 수 있는 탑을 쌓거나 탑돌이를 함으로써 불교는 더 실재적인 종교로 인식되었다. 동남아시아를 여행할 때 불교유적지에 탑이 숲속의 나무처럼 많이 심어져 있는 것도 탑이 얼마나 인기있는 신앙의 대상이었는지 말해준다.

탑의 형태는 그 탑이 세워지는 지역과 시대에 따라 매우 다양한 재료와 형태를 띠고 있다. 또 그것을 만드는 재료에 따로 세 가지로 나눌 수 있다. 벽돌로 만든 전탑과, 나무로 만든 목탑, 그리고 돌로 만든 석탑이다.

① 벽돌탑-전탑

(인도의 산치대탑)

우리나라에는 전탑이 흔하지 않지만 인도와 동남아시아, 중국에는 전탑이 의외로 많다. 인도에서 현존하는 가장 오래된 탑인 산치대탑은 벽돌과 흙으로 만들어졌다. 처음 만들어질 때의 원래 모습을 그대로 간직하고 있는 산치 대탑은 기단 위에 반원형의 돔이 세워져 있고 그 중앙에 기둥이 박혀 있다. 그리고 맨 위에는 우산같은 산개가 세워져 있다. 돔의 형태가 반원형인 것은 이것이 ‘알’과 ‘자궁’을 상징하기 때문이다. 알과 자궁은 불교 이전부터 인도문화에서 생명의 근원과 존재의 기본적인 형태로써 상징되어 왔다. 또한 우주가 원형이라는 믿음과도 그 맥락이 닿아 있다.

돔의 중앙에 박힌 기둥은 그곳이 우주의 중심이라는 뜻이다. 반원형인 우주의 중심에는 수미산이 솟아 있는데 수미산의 중앙에 탑의 핵심인 석가모니의 사리가 놓여 있게 된다. 정상에 올려진 우산같은 원형 산개는 고귀함을 상징한다. 기단 주변에 울타리가 쳐져 있는 것은 이곳이 성역이라는 표시다.

(태국 프라 파톰 대탑)

(중국 철탑:1049년)

복발형의 산치탑 형식은 다른 지역으로 전파되면서 다양한 형태로 변형된다. 그릇을 엎어놓은 듯한 복발형은 종의 모양처럼 변형되기도 하고(태국의 프라파콘 대탑), 중국의 예처럼 누각식으로 발전하기도 한다(중국 철탑). 그러나 어느 경우든 가장 신성한 장소에서 많은 사람들의 예배를 받는 대상이었다는 점에서는 공통적이다. 우리나라에서는 안동 지역을 제외하고는 전탑의 예가 그렇게 많지 않다.

② 나무로 만든 탑-목탑

전탑 다음으로 많이 만들어진 탑이 목탑이다. 목탑은 인도에서는 그 예가 드문 편인데 중국과 한국, 일본 등 동양 3국에서는 목탑이 매우 많이 만들어졌다. 현존하는 목탑 중에서 가장 오래된 목탑인 중국의 응현 목탑(1056년)이나 선덕여왕 때 높이가 80M나 되는 황룡사 구층목탑이 세워진 것도 당시 목탑이 유행하였음을 말해준다. 목탑은 누각식으로 세워졌는데 이는 황제나 왕의 무덤을 지을 때 무덤 위에 목조로 만든 건물을 짓는 전통에서 유래한 것이다. 고구려의 장군총 위에 목조 건축물이 세워진 것처럼 무덤과 집의 의미가 합쳐진 능침이 목탑으로 발전한 것이다.

집의 개념이 도입된 목탑은 신도들이 탑 내부에 들어가 기도를 할 수 있으며(쌍봉사 대웅전) 단청이나 탱화로 장엄하게 꾸밀 수 있다. 그러나 재료의 특성상 불에 약하고 오래 견디지 못한다. 그래서 점차 목탑 대신 전탑이나 석탑으로 대체되었다. 백제의 미륵사지탑은 목탑이 석탑으로 변해가는 과정을 보여주는 귀중한 탑이라고 할 수 있다.

중국 불궁사탑:요대

한국 법주사탑:조선시대

일본 법륭사탑:아스카시대

③ 돌로 만든 석탑

석탑은 우리나라 탑의 대명사라고 할 만큼 우리나라 탑의 대부분을 차지한다. 탑이 처음 세워지던 삼국시대에는 목탑이 주를 이루었으나 점차 석탑으로 대체되었다. 산이 많은 우리나라에는 양질의 화강암이 널려 있어 손쉽게 구할 수 있는 화강암으로 탑이 만들어지게 된 것이다.

특이한 것은 한국의 석탑은 다른 나라의 탑과 달리 위압적이지 않다는 것이다. 물론 초창기에는 황룡사 구층탑처럼 크고 웅장하게 지었다. 그런데 점차 석가탑이나 다보탑처럼 아담한 형태로 자리잡았다. 그것은 높은 탑을 지을 실력이 없어서가 아니었다. 이미 삼국시대에 황룡사9층탑을 지을 정도로 우리 민족은 뛰어난 건축기술력을 가지고 있었다. 거대한 탑은 넓은 평원에서나 어울리는 조형물이다. 우리나라처럼 산이 많은 곳에서는 어울리지 않는다. 지평선이 보이는 넓은 평원에서는 건물이나 탑이 크고 웅장해야 위용을 자랑할 수 있다. 작으면 묻혀서 잘 드러나지 않는다. 그러나 산이 많은 우리나라에서는 크고 웅장해봐야 산에 가려지면 그만이다. 오히려 주변 산세와 어울리지 못해 흉할 뿐이다. 그래서 건물이나 탑을 세울 때 주변 산세와 어울리도록 배려한 것이다. 현재 전해지는 천 여기의 석탑들이 짜임새있는 규모의 높이와 형태를 갖추게 된 것은 자연을 먼저 생각하는 한국인의 세계관이 반영되어 있기 때문이다.

우리나라 석탑은 불교 신도들의 예배대상으로서의 탑이 가지는 상징성은 그대로 간직한 채 한국적인 지형의 특성에 맞게 잘 부합되어 왔다. 다음에는 아름다운 우리나라 석탑이 시대에 따라 어떻게 변화되었는지 살펴보도록 하겠다. (조정육)

*이 글은, 『붓다의 나들이』 창간호(2009년 11월호)에 게재되었습니다.)

tag : 탑, 불교미술

<그림공부, 사람공부>-『좋은생각』11월호

2009-11-15T21:12:43Z

11. 그림공부, 사람공부

-『좋은생각』11월호

안중식, <도원문진>, 1913년, 비단에 채색, 164.4×70.4cm, 호암미술관

지난 주에 한 대학박물관에서 특강을 하게 되었다. 근대미술사를 10주 동안 집중적으로 조명하는 강의였는데 첫 강의를 내가 하게 된 것은 근대미술사의 첫 머리에 등장하는 인물들이 안중식과 조석진이었기 때문이다. 안중식은 내가 석사논문의 주제로 썼던 사람이라 그것이 인연이 되어 발표를 하게 되었다. 석사논문을 발표한 때가 1987년도였으니 나와 안중식과의 인연이 20여년이 넘은 셈이다.

긴 세월이 지난 만큼 나는 그에 대해 많이 안다고 생각했다. 많이 아는 만큼 당연히 어렵지 않은 주제라 생각하고 마무리 차원에서 내 논문을 뒤적거렸다. 그리고 놀랐다. 세상에. 이런 글을 내가 썼다니.

20여년 전 석사논문을 쓸 때의 나의 모습은 마치 심판자 같았다. 조선이 망하고 한일합방이 된 상황에서 그 시대를 증언하지 못하고 역사에 몸을 던지지 못한 안중식을 죄인 다루듯이 쓴 글이었다. 26살 젊은 혈기가 얼마나 무모한 지 새삼 깨닫게 되었다. 누구든 내 눈에 거슬리는 사람이 있다면 가차 없이 내쳐버릴 기세로 칼날처럼 벼르며 살았다.

내 논문을 읽으며 새삼 느낀 것은, 젊은 날의 패기와 열정이 아니라 무모함과 자기 아집과 오만함이었다. 논문은 마치 그 때의 내 얼굴을 보는 것 같아 참담하고 부끄러웠다. 자신을 들여다보기보다는 끝없이 외부를 향해 눈을 부라리며 시빗거리를 찾고 있는 사람 같았다. 글은 딱 그 사람의 수준만큼만 쓴다고 했던가.

그 중에서도 안중식의 <도원문진>은 그의 대표작이면서 내가 가장 심하게 비판했던 작품이다. ‘도화원에 이르는 나루를 묻는다’는 뜻의 <도원문진>은 도연명의 「도화원기(桃花源記)」에 나오는 내용을 그린 작품이다. 한 어부가 강물에 떠내려 오는 복사꽃을 따라 거슬러 올라간 끝에 신선처럼 살고 있는 도화원에 갔다 돌아온 후 나중에 찾아가 보았지만 흔적조차 없었다는 꿈같은 이야기다. 안중식은 환상적인 도화원을 표현하기 위해 골짜기마다 분홍색과 흰색점으로 꽃을 그렸다. 심하게 각지고 주름 잡힌 산은 농담이 다른 청록색으로 화려하게 장식하여 몽환적인 분위기를 살렸다. 궁중장식화의 전통을 이어받았으면서도 안중식만의 필법과 색채가 살아난 그의 대표작이다.

그런데 20여년 전에는 그 장점이 전혀 눈에 들어오지 않았다. 수많은 소재 중에 하필이면 이런 말도 안되는 옛날 이야기를 선택해서 붓을 든 안중식의 의식세계가 의심스러웠다. 나라가 어지러운 상황에서 사람들의 결기를 일으켜 세울 수 있는 소재가 아니라 현실도피적인 그림을 그린 그가 불만스러웠다. 내가 정한 원칙의 색안경을 쓰고 그림을 봤으니 그림이 제대로 보일 리가 있겠는가.

그런데 이번에 이글거리는 눈빛으로 세상과 맞붙어보려던 젊음의 속박에서 벗어나 안중식의 생애와 작품을 다시 보게 되었다. 아무런 선입견없이 편안하게 그림을 보니 예전에는 보이지 않던 부분이 새롭게 보였다. 비현실적인 소재로 사람들을 현실의 고통에 눈감게 했던 작품으로 비난했던 <도원문진>을 다르게 해석하게 된 것이다.

나라를 잃은 고통 속에서 날마다 힘겹게 살아가야만 하는 사람들에게 그림은 잠시동안 현실의 고통을 잊고 편안히 쉴 수 있는 피난처였을 지도 모른다는 생각이었다. 사소한 싸움에도 금새 어둠이 들어차는 식민지 백성의 가슴 속에 <도원문진>의 복숭아꽃은 등처럼 환한 위로가 되었을 지도 모른다. 깨어있는 시간이 있으면 잠자는 시간이 필요하듯 치열하게 몰입하는 순간이 있었다면 몰입을 풀고 쉬는 시간이 필요하다. 그럴 때 쉬는 곳이 복숭아꽃이 휘날리는 도원이라면 얼마나 행복하겠는가. 더구나 그 곳은 아무런 근심이나 고통이 없는 세상이 아닌가.

안중식은 유독 도원을 주제로 한 그림을 많이 그렸다. 3.1운동과 관련하여 옥살이까지 했던 안중식이 아닌가. 결국 옥살이가 계기가 되어 세상을 떠나게 된 사람이 그린 작품이 <도원문진>이다. 어찌 식민지 치하를 견뎌야하는 비감이 없었겠는가. 그런 사람이 그린 도원도를 스물 여섯 성급한 나이에는 깊게 들여다보지 못했다. 이제 시간이 흘러 그림을 다시 보니 젊었을 때는 보이지 않던 작가의 깊은 고뇌가 새삼 가슴에 와 닿는다.

그런 나의 심정의 변화를 보면서 깨달았다. 지금 내가 옳다고 우기는 것이 꼭 정답은 아니라는 것을. 인생에 정답은 없다는 것을 배웠으니 이제 조금은 겸손해질 것 같다. 그래서 그림공부는 내게 사람이 되는 공부다. (조정육)

tag : 좋은 생각, 그림공부, 사람공부

14.향연과 의례-국립중앙박물관

2009-11-14T14:37:24Z

10워 10일부터 상설전시관 1층 특별전시실에서 한국 박물관 개관 100주년 기념 특별전이 또 열리고 있습니다. “잔치 풍경 - 조선시대 향연과 의례”가 그것입니다. 조선시대의 기록문화의 보물이라 할 수 있는 의궤도와 기록화 그리고 평생도와 계회도를 볼 수 있는 귀종한 전시회입니다. 뿐만 아니라 의례에 사용되었던 각종 공예품도 함께 전시하고 있어 조선시대의 의례와 잔치 장면을 생생하게 되새겨볼 수 있습니다.

포스터에 등장했던 이 춤꾼들의 모습은 어디에 있는 지 지금부터 살펴볼까요?

<기축년 진찬도 명정전 외진찬>(좌), 1829년, 비단에 색, 150.2×54.0cm(각) 국박

궁중에서 열린 잔치나 향연을 '진찬' '진연' '진작' 풍정'이라 합니다. 이 작품은 아래 작품과 함께 붙어 있는 작품으로 순조임금이 보령(나이) 40세 되신 것과 왕의 등극 30주년을 기념하여 효명세자가 올린 예연의 모습입니다. 그 중에서도 이 장면은 2월 9일 창경궁 명정전에서 열린 외진찬을 그린 것입니다. 궁중잔치는 크게 외연과 내연으로 나누는데 외연은 왕을 주인공으로 하여 왕세자와 문무백관을 초대하는 잔치입니다. 궁중잔치는 즐거움과 기쁨을 나누는 자리이자 왕실의 위엄과 권위를 세우는 자리였습니다. 행사장면을 세밀하게 그리는 것은 궁중화원의 가장 큰 역할이었습니다.

<기축년 진찬도 자경전 내진찬>(우), 1829년, 비단에 색, 150.2×54.0cm(각) 국박

궁중잔치의 내연은 왕비, 왕대비, 대왕대비 등 여성이 주인공이 되어 왕세자빈과 내외 명부를 잔치에 초대하는 것을 의미합니다. 이 작품은 위의 <명정전 외진찬>의 왼쪽에 배치되어 있는데 12일에 자경전에서 베풀어진 내진찬을 그린 것입니다. 그런데 <기축년 진찬도>처럼 잔치장면을 그릴 때 그 시각이 매우 독특합니다. 잔치가 베풀어지고 있는 명정전과 자경전의 건물은 정면에서 바라보는 시각인데 반해 옆 담장의 지붕은 위에서 내려다보는 시각입니다. 이런 그림 기법은 제한된 공간내에 행사내용을 정확하게 표현하고자 했던 우리만의 전통적인 기록화방식입니다. 이 작품과 함께 원근법이 적용된 다음 작품을 비교해보시면 그 장점을 확인할 수 있을 것입니다.

<무신년 진찬도>(우), 1848년, 비단에 채색, 각 136.1×47.6cm, 국박

아래 있는 4폭 병풍과 함께 8폭으로 된 이 병풍은 헌종이 대왕대비인 순원왕후 김씨의 육순과 왕대비인 신정왕후의 망오(41세)를 기념하는 진찬례를 그린 것입니다. 첫 눈에 봐도 원근법이 적용되어 <기축년 진찬도>와 차이가 있음을 알 수 있습니다. 우리 옛 그림은 항상 오른쪽에서 왼쪽으로 보는 거 알고 계시지요? 그러니까 그림 순서가 지금 왼쪽부터 4폭, 3폭, 2폭, 1폭 순으로 놓여 있습니다. 물론 그림을 볼 때는 당연히 1폭부터 봐야합니다.

<무신년 진찬도>(좌), 1848년, 비단에 채색, 각 136.1×47.6cm, 국박

그림 순서는 왼쪽부터 8폭, 7폭, 6폭, 5폭입니다. 이 그림은 윗 그림의 왼쪽에 붙여 있습니다.

이제부터 1,2폭부터 그림을 자세히 감상하겠습니다. <무신년 진찬도> 중 '인정전 진하' 부분입니다. 진찬일 전날, 헌종이 대왕대비와 왕대비에게 존호를 올리는 것을 축하하는 장면입니다. 그런데 맨 안쪽 용상(의자) 위에 왕의 모습이 보이지 않군요. 궁중행사도에서 왕은 그리지 않습니다. 존귀하신 분을 함부러 그릴 수 없기 때문입니다. 대신 일월오봉도가 그려진 병풍 앞에 빈 의자를 그려넣어 그 곳에 왕이 계신다는 것을 암시합니다. 다섯 봉우리의 산 위에 해와 달을 그린 '일월오봉도'는 곧 왕을 상징합니다. 양 옆에 세워진 회랑의 벽체가 보이지요? 지붕만 보이던 <기축년 진찬도>와 비교해 보시기 바랍니다.

3, 4폭 '통명전 내진찬' 부분입니다. 중앙에는 대왕대비가 앉는 보좌가 보이고 동쪽에는 왕비인 효정왕후 홍씨. 왼쪽에는 경빈의 자리가 마련되어 있습니다. 대왕대비 자리 뒤에는 일월오봉도 대신 십장생 병풍이 마련되어 있습니다. 헌종의 자리는 서쪽에(검은 천막 아래) 마련되어 있습니다. 자세히 들여다보면 왕의 뒤에 배치된 병풍이 일월오봉도라는 것을 알 수 있습니다.

5,6폭 '통명전 야진찬'입니다. 향연은 하루만에 끝나지 않고 2-4일에 걸쳐 4-5차례가 베풀어지며 밤에도 행해집니다. 장소는 3,4폭과 같은 통명전이지만 곳곳에 세워진 촛대를 보니 밤이라는 것을 알 수 있습니다. 용촉이 꽂힌 대촉대 한 쌍, 처마 부근의 유리화등과 양각등, 주름과 휘장의 사롱 등을 찾아보시겠어요? 숨은 그림찾기입니다.

7,8폭 '통명전 익일회작'부분입니다. 향연이 끝난 다음 날에는 수고한 관원들을 위로하는 의미에서 군신이 모여 다시 한 번 잔치를 합니다. 이것을 익일회작이라고 합니다. 그림을 자세히 들여다보세요.

이번 '향연과 의례' 표지로 등장했던 장면이군요. 지금 무녀들이 '선유락'을 공연하고 있습니다. '선유락'은 무녀들 중앙에 배를 설치하고 여러 무녀들이 나누어 서서 배를 띄우는 모습을 하면서 뱃줄을 당기며 배에 둘러서서 춤을 추는 모습입니다. 그림을 얼마나 정밀하게 그렸던 지 당시 공연자의 의상이나 공연 상황을 짐작할 수 있습니다.

의궤입니다. 국가와 왕실의 중요한 행사나 건축이 있을 때 그 행사의 진행상황과 업무과정을 빠짐없이 기록한 책을 의궤라고 합니다. 나라에 가례(결혼), 책례(책거리), 국장같은 큰 행사가 있을 때는 그 행사의 감독기관인 '도감'이 설치되고 본부인 도청에서 업무를 총괄하고 각 방에서 업무를 분담합니다. 행사가 진행되는 동안 각 방에서는 매일의 업무를 기록한 등록을 작성하며 반차도를 그립니다. 행사가 완료되면 도감은 해체되고 의궤청이라는 기구로 전환됩니다. 의궤청에서는 도감에서 작성한 등록과 반차도를 바탕으로 의궤를 작성합니다. 의궤는 보통 6-8부 내외로 제작하는 데 왕이 보는 어람용과 여러 곳에 나누어 보관하는 분상용으로 구분됩니다. 어람용은 1776년 규장각 설립 후에는 이 곳에 보관되었고 분상용은 의정부, 춘추관, 예조 등 국가 전례를 관장하는 기관과 서울과 지방의 사고에 분산 보관되었습니다. 어람용과 분상용은 종이의 질이나 장정, 표지 등에서 차이가 있습니다. 조선시대의 기록문화의 꽃이라 부를 수 있는 의궤는, 단순히 의식절차를 기록한 보고서가 아니라 당시의 경제, 사회, 복식, 음식, 공예, 회와, 무용 등 다양한 분야의 연구의 기초자료가 되고 있습니다.

이번 전시회에 출품된 서울대학교 규장각한국학연구원 소장 의궤는 지난 2007년에 유네스코 세계기록문화유산에 등재되었습니다.

<무신진찬의궤>입니다. 위의 <무신년 진찬도>의 내용을 기록한 의궤입니다. 당시 행사장면을 병풍으로 그린 다음 이런 의궤집을 편찬하였습니다. 조선시대 기록문화의 철저함을 살필 수 있습니다.

전시장 모습입니다. 전시장에는 의궤도뿐만 아니라 왕실의 책봉, 가례, 왕의 등극과 같은 축하행사에 쓰인 보인(도장), 교명과 옥책, 함 등 다양한 상징물들이 함께 전시되었습니다.

전 채용신, <고종황제 어진>, 비단에 책, 118.5×68.8cm, 국박

어진은 왕의 초상을 높여서 부른 말입니다. 대한제국이 세워지고 고종왕이 황제로 등극하면서 고종황제는 황제만이 입을 수 있는 황룡포를 착용하고 있습니다.

향연때 궁궐의 정전의 중앙에는 일월오봉도를 배경으로 어좌(임금님의 자리)가 놓이고 그 앞에는 두 개의 큰 꽃병이 놓이게 됩니다. 꽃병에는 생화를 꽂지 않고 궁궐의 전문 화장인들이 비단이나 밀랍화로 만든 꽃을 꽂습니다.

향연 때 차려진 진찬상의 모습입니다. 홍도화, 목단화, 월계화 등 각색 꽃이 진찬 상 위에 장엄되어 있어 화려함을 더합니다.

<화성능행도>, 조선 후기, 종이에 색, 46.7×4.600cm

1795년 정조대왕이 어머니 혜경궁 홍씨를 모시고 사도세자의 묘가 있는 현륭원에 다녀온 8일동안의 행차 장면을 그린 행렬도입니다. 두루마리로 된 이 행렬도에는, 행렬을 선도하는 군사와 호위병, 대신들, 혜경궁 홍씨의 가마와 왕의 어가, 그리고 각종 의장물을 든 다양한 인물들이 등장합니다. 점같이 보이는 부분을 확대해서 보면 아래와 같습니다.

<화성능행도>의 행렬도 모습(부분)

<화성능행도>의 군주쌍교

<화성능행도>의 빈 가마 부분

<화성능행도>의 혜경궁 홍씨 가마 부분

<화성능행도>의 혜경궁 홍씨 의장채여 부분

전 김홍도, <평양감사향연도 중 월야선유도>, 조선 18세기, 종이에 색, 71.2×196.6cm

평안도 감사 부임을 환영하기 위해 해진 뒤 대동강에서 벌어진 잔치 장면입니다. 수많은 군인과 관원들이 횃불을 들고 어둠을 밝히는 가운데 강 위에는 감사가 탄 배와 부속 배들이 떠 있습니다. 관찰사라고 부르는 감사는 지방 관직 중에서 가장 높은 자리였는데 거대한 권력을 가진 관찰사의 부임이 얼마나 큰 행사였는 지 알수 있습니다.

<평양감사향연도 중 월야선유도> 세부

감사가 탄 배 옆에 악기를 연주하는 악대와 관리들이 서 있고, 뒤로는 관기들이 탄 배, 음식을 준비하는 배, 아전이나 사대부들이 탄 작은 배들이 뒤따르고 있습니다. 당시 상황을 기록한 기록화이면서도 관리뿐만 아니라 구경꾼의 모습까지 세세하게 그린 작가의 시선이 예사롭지 않습니다. 그런데 이 그림을 보고 있는데 왜 '평양 감사도 제가 하기 싫으면 그만'이라는 속담이 떠오르는 지 모르겠습니다. 저런 막강한 권력을 누릴 수 있는 자리를 거부할 수 있는 사람이 과연 있을까요?

전 김홍도, <평생도 중 혼례>, 조선 18세기, 비단에 엷은 색, 53.9×35.2cm(각)

평생도는 사람의 일생 중에서 기념이 될 만한 경사스러운 일들을 골라 그린 그림으로 대개 8폭 병풍으로 제작되었습니다. 구성은 대개 돌잔치, 혼례, 회혼례 등과 과거급제, 관찰사부임 등 관직에 나간 선비가 거치게 되는 여러 벼슬살이를 그렸습니다. 평생도는 한 인물의 통과의례와 함께 영예로운 벼슬살이를 그렸던만큼 당시의 생활풍속을 사실적으로 묘사하여 기록적인 성격과 풍속화적인 성격을 동시에 엿볼 수 있습니다. 그러나 평생도는 평범한 사람은 꿈도 꾸지 못할 정도록 상당한 재력과 함께 자랑할만한 벼슬살이를 한 집안에서나 제작했겠지요? 그러고보니 그림을 통해 은근히 가문자랑을 한 셈이군요. 어떻게 자랑하는 지 한 번 살펴볼까요?

전 김홍도, <평생도 중 돌잔치>

전 김홍도, <평생도 중 삼일유가>

과거에 급제한 선비가 임금으로부터 받은 어사화를 꽂고 삼현육각을 연주하는 악사와 광대를 앞세우고 길거리를 3일동안 돌아다닙니다. 그 후 조상의 사당 앞에 과거 합격 증서인 홍패를 놓고 과거에 합격했음을 알리고, 조상의 묘에 참배한 다음 부모에게 알리는 연희를 행합니다. 경사났군요. 이런 추억을 가진 사람은 늙어서도 꼭 기록하고 싶겠지요?

전 김홍도, <평생도 중 관찰사 부임>,

게다가 관찰사까지 지냈습니다. 대단하십니다. 나머지 그림에 판서행차와 정승행차가 이어지는 것을 보면 이 그림의 주인공은 벼슬길에서 승승장구했던 모양입니다. 평생도를 그릴만 하겠군요.

<선묘조 제재경수연도>, 조선 18세기, 종이에 색, 34×125.4cm, 고려대학교 박물관

의령 남씨 일가에 전하는 의령남씨전가경완도의 일부입니다. 1605년 4월 삼청동 공해에서 재신들이 노모를 위해 개최한 경수연의 모습으로 모두 다섯 장면이 담겨 있습니다. 70세 이상 된 노모를 모신 13인의 재신들이 계를 결성하여 연 경수연 장면인데 그 중 위의 그림은 연회가 열린 청사의 입구 모습입니다.

<선묘조 제재경수연도>중 한 면,

음식을 준비하는 조찬소 주변의 모습입니다. 나머지 세 장면은 계원들의 연회 장면과 집사자제들이 대부인에 대한 헌수 장면, 경수연의 주인공인 부인들의 연회 장면이 담겨 있습니다. 나머지 세 작품은, 아직도 전시회가 긑나지 않았으니 직접 국박에 가서 보시면 어떨까요?

<회혼례첩>, 조선 18세기, 비단에 엷은 색, 33.5×44.5cm, 국박

회혼례는 결혼한 지 60년이 되는 해에 부부가 다시 혼례를 치르는 행사를 의미합니다. 회혼례는 부부가 건강하고 자식이 무고하고 번성할 때만 열 수 있기 때문에 회갑보다 더 큰 경사로 여겨지는 잔치였습니다. 그래서 태어난 지 60년이 되는 회갑, 과거에 등제한 지 60년이 되는 회방과 함께 회혼례는 장수와 복을 상징하는 중요한 행사로 인식되었습니다. 그림속에서 건물 밖에는 헌(?) 신랑의 행렬이, 건물안에는 혼례청을 차려두고 신랑을 기다리는 여인들의 모습이 보입니다.

<회혼례첩>,

자손들로부터 장수를 기원하는 술잔을 받는 장면입니다. 집안 식구들일텐데 여자와 남자가 양쪽으로 나누어서 각 상을 받고 있는 것이 특이합니다.

부귀영화를 상징하는 모란병풍은 왕실의 행사뿐만 아니라 민간에서도 혼례식 등의 축하 행사에 많이 쓰였습니다. 부부가 부귀영화를 누리고 금슬 좋게 살기를 바라는 의미로 초례청을 장식하였을 뿐만 아니라 단독 그림으로 그려지는 등 많은 사람들의 사랑을 받았습니다.

이 외에도 향연과 의례에 쓰이던 함, 등, 주전자, 잔, 항아리, 소반 등 다양한 공예품들이 함께 전시되어 있는데 다 다루지 못했습니다. 제가 그림에 관심이 있다보니 아무래도 그림이 먼저 눈에 들어옵니다. 우리가 지금 어느 지점에 서 있는 지 모르고 부초처럼 느껴질 때 이런 전시회에 한 번 가 보면 어떨까요? 나의 뿌리가 상당히 깊은 땅 속까지 뻗어 있다는 것을 알고 나면 왠만한 바람이 불어도 꿈쩍하지 않을 것입니다. 세종대왕이 그러셨던가요? '불휘기픈 남간 바라메 아니뮐쎄...'라고요. 바람이 불어도 너무 상심하지 말아야 된다는 것, 잊지 말아야겠습니다. (조정육)

tag : 국립중앙박물관, 향연과 의례, 의궤도

13.<여민해락-한국박물관 개관 100주년 기념 특별전>

2009-11-13T17:17:39Z

<몽유도원도>를 보러 가던 날, 사람들이 너무 많아서 다른 작품을 구경할 수가 없었습니다. 그래서 주마다 바뀌는 정선의 화첩을 보러 가면서 특별전도 함께 볼 수가 있었습니다.

우리 박물관의 역사가 백 년이 되었다는군요. 박물관은 한 나라의 정신세계와 문화를 가늠할 수 있는 보고라 할 수 있습니다. 박물관이 없었더라면 5천년 우리 문화를 눈으로 직접 확인할 수 없었겠지요. 오늘의 내가 어떻게 해서 여기까지 왔고, 어느 지점에 서 있는 지를 알게 해 주는 곳이 박물관이 아닐까 싶습니다.

<몽유도원도>가 끝날 때부터 피기 시작한 국화는 지금도 한창입니다.

가을에 국화가 없었더라면 얼마나 황량했을까요. 국화향기 그윽한 가을에 박물관 뜰에는 꽃에 취한 벌들이 잉잉거립니다.

<몽유도원도>가 전시된다는 사실이 워낙 큰 뉴스였던 때문인 지 아직도 그 작품을 찾는 사람이 있는 모양입니다. 입구에 <몽유도원도> 전시가 끝났다는 안내문이 적혀 있습니다. 전시장은 한산했습니다. 그 때 4시간 이상을 기다리던 사람들의 행렬이 어른립니다. 그 사람들은 지금 모두 어디에서 무엇을 하는 지 갑자기 궁금해졌습니다.

김은호, <순종어진>, 1923-28년, 종이에 색, 62.0×46.0cm, 고려대학교박물관

전시장에 들어서자 가장 먼저 순종황제의 사진이 걸려 있었습니다. 처음 관람때는 <몽유도원도>를 보기 위해 뛰어가느라(맨 앞 줄에 서서 기다렸습니다.) 몰랐는데 나중에 보니 순종황제의 어진 초본이었습니다. 우리 박물관의 역사가 대한 제국의 마지막 황제인 순종황제의 제실박물관에서 시작되었기 때문이라는 것을 나중에 도록을 보고 알았습니다. '더불어 즐거움을 나누고자' 한다는 '여민해락(與民偕樂)'을 위해 순종황제가 우리나라 최초의 박물관인 창경궁의 제실박물관을 일반에게 공개했다고 합니다.

<청자상감진사채포도동자문표형주전자와 승반>, 총높이36.1cm, 12세기 후반, 국박

<은도금주자와 승반>, 고려, 주자높이34.3cm, 승반 높이 16.8cm, 미국 보스턴미술관

정말 보고 싶은 작품이었는데 이번에 실물을 보게 되었습니다. 바탕은 은으로 만들고 겉면은 모두 금도금을 한 작품으로 무척 화려하고 아름다운 작품입니다. 고려 금속공예품의 수준이 어느 정도였는 지 새삼 되새겨볼 수 있는 작품입니다.

<청자주자와 승반>, 고려, 주자높이27.3cm, 승반높이12.4cm, 국박

언뜻 보기에는 마치 백자인 것처럼 유약이 연하고 부드럽습니다. 고려 청자의 유약은 두텁고 불투명한 중국 청자와 달라 속이 훤히 들여다보일 정도로 얇고 투명한 것이 특징입니다. 그래서 기면에 새겨진 문양을 확인할 수 있지요. 맑은 가을하늘같은 청자입니다.

<백자철화끈무늬병>, 조선 16세기, 높이31.4cm, 국립중앙박물관

끈이 달린 술병의 이미지를 그린 듯한 이 병은 '넥타이 병'이라는 별명으로 불리기도 합니다. 단순하면서도 운치있는 작품으로 백자중에서도 가장 맘에 드는 '욕심나는' 병입니다.

<석조부처>, 조선 후기, 높이 98.0cm, 국박

불상을 보면 깨진 자국이 보일 것입니다. 여러 조각으로 깨진 불상 파편을 복원작업을 거쳐 이렇게 완성했습니다. 문화재 보존과학의 힘이 느껴지는 작품이었습니다.

<건칠보살>, 출토지 미상, 고려 말-조선 초, 높이 126.0cm, 국박

<건칠보살>, 출토지 미상, 고려말-조선초, 높이 122.0cm, 일본 도쿄 오쿠라슈코칸

마치 한 작가가 만든 작품인 듯 비슷한 크기와 느낌을 준 <건칠보살>입니다. '건칠(乾漆)'이란 나무나 흙으로 원형을 만든 다음 그 위에 천이나 종이를 여러 겹 바르고 옻칠을 하여 만든 기법을 의미합니다. 건칠불은 돌이나 금속에 비해 가벼울 뿐만 아니라 세밀한 표현이 가능하다는 장점이 있습니다. 반면 제작과정이 복잡하고 비용이 많이 들어 우리나라에서는 많이 제작되지 않아서 고려시대부터 조선시대까지의 건칠불이 약 15구가 전합니다. 머리에 쓴 보관과 어깨위의 머리카락, 상체의 장신구, 귀와 손등 돌출된 부위는 따로 만들어 부착시켰습니다.

<수월관음도>, 고려 14세기, 비단에 채색, 113.7×55.2cm, 미국 메트로폴리탄박물관

올 해는 정말 운 좋게도 <수월관음도>를 두 점이나 봅니다. 이번 작품은 지난 번 통도사박물관에서 전시된 가가미진자 소장 <수월관음도>만큼 크지는 않지만 섬세함과 화려함이 그에 못지 않습니다. 수월관음도에 대한 자세한 설명은 이 코너의 2번 <고통받는 사람은 모두 내게 오시오>를 참고하시기 바랍니다. 다만 이 작품에서는 화면 하단의 선재동자가 관세음보살의 앞쪽이 아니라 뒷쪽에 배치되어 있는 것이 특징입니다. 앞쪽에 용왕과 그 권속을 배치하다보니 선재동자가 뒤로 밀린 것 같습니다. 이런 도상은 매우 희귀한데 일본 교토의 다이토쿠지에 소장된 작품 정도가 알려져 있습니다.

<치성광여래왕림도>, 고려 14세기 후반, 비단에 색, 미국 보스턴 미술관

치성광여래는 도교의 칠성신앙을 불교에서 수용하여 북극성을 여래로 인격화한 것입니다. 고려 불화에서는 그리 많지 않지만 조선시대 불화에는 많이 그려집니다. 왼손에 보륜을 든 치성광여래가 소가 끄는 수레를 타고 호위하는 신들과 함께 하늘에서 내려오고 있습니다. 주위에는 십이궁, 북두칠성, 구요성, 이십팔수 등의 별자리를 상징하는 신들이 그려졌습니다. 간송전에서도 전시되었지만 도석인물화는 불로장생과 현세구복을 바라는 사람들의 심리가 작용해서 시대를 초월하여 많이 그려졌음을 알 수 있습니다.

<미륵사지석탑 사리장엄구와 봉안기>, 전북 익산 미륵사지, 백제639년, 국립문화재연구소

지난 번에 미륵사지에 가서 봤던 사리장엄구를 다시 보니 반가웠습니다. 무더운 여름 날, 오로지 이 한 점의 사리장엄구를 보기 위해 익산까지 내려갔던 기억때문인 지 특별한 느낌이었습니다. 사람이나 작품이나 시간과 정성을 들여야 특별해지는 것 같습니다. 그런데 특별히 마음을 주었던 사람에 대한 기억은 어떻게 해야 하나요?

<천마총 천마도>, 경주 천마총, 신라 5-6세기, 53.0×75.0cm, 국립경주박물관(위는 원본, 아래는 적외선 사진)

이번 전시회에서 <몽유도원도>만큼이나 많은 사람들의 주목을 받았던 작품이었습니다. 이 <천마도>는 1973년 발굴된 경주 황남동 155호분에서 출토되었습니다. 자작나무 껍질에 그려진 <천마도>는 적외선 사진도 함께 전시되어 있어 원래의 모습을 확인할 수 있었습니다. 최근에는 천마가 아니라 기린일 것이라는 주장이 제기되기도 하였습니다.

강세황, <복천오부인86세초상>, 조선 1759년 추정, 비단에 색, 78.3×60.1cm, 개인소장

이번 전시회에서 제가 가장 마음 깊이 봤던 작품이 바로 이 작품이었습니다. 전주 이씨 밀창군 이직(1677-1746)의 묘에서 출토된 밀창군 부인 오씨의 초상입니다. 이 작품 곁에는 밀창군의 초상 2점(하나는 관복을 입은 모습이고 하나는 금관조복을 입은 모습)과 아들인 이익정의 영정도 함께 전시되어 있었는데 화려한 관복을 입은 이들 부자의 모습보다는 늙은 오씨의 초상화가 유독 눈길을 끌었습니다. 강세황이 40대에 그린 초상화를 확인할 수 있는 자리여서 의미가 있었지만 그보다는 작품의 내용이 더 중요했습니다. 지팡이를 옆에 두고 한쪽 다리를 세워 두 손을 맞잡은 할머니는 눈꺼풀이 내려앉을 정도로 노쇠합니다. 그 모습 속에서 조선여인의 기품을 잃지 않으며 살아온 시간이 읽어집니다.

호분이 변해서 거뭇거뭇해진 것마져도 나이 든 할머니를 상징하는 것 같았습니다. 핏기라고는 찾아볼 수 얼굴, 가르마가 훤히 보일 정도로 머리카락이 없는 모습을 보자 돌아가시기 한 해 전까지 비녀를 꽂으셨던 저의 엄마가 떠올랐습니다. 몇가닥 남지 않은 머리카락을 빗질하시며 비녀를 꽂을 때마다 편하게 커트머리를 하시라는 딸들의 소리를 들으시던 엄마. 결국 돌아가시기 얼마 전에는 초상화 속 여인처럼 짧은 커트머리였습니다. 그림 속 할머니는 커트를 한 것 같지 않지만 짧기는 마찬가지입니다. 표정을 알 수 없을만큼 긴 시간을 살아 온 이 여인의 기억속에는 어떤 사연이 담겨 있을까요. 꽃같은 봄날도 있었고 사랑때문에 가슴 아팠던 순간도 있었겠지요. 설마 저 모습속에 그런 추억이 있을까 싶겠지만 이 분도 한 때는 꽃같이 아름다웠던 시절이 있었을 것입니다. 누군가 렘브란트의 초상화를 보고 '인물의 전 인생을 말해준다'고 말했습니다. 강세황이 그린 <복천오부인86세초상>에서도 그녀의 전 인생이 그려집니다.

세월이 변하고 사람은 떠나도 꽃은 피고 바람은 붑니다. 부는 바람 속에 낙엽이 지고 꽃이 집니다. 찬 바람이 부는 것을 보니 겨울이 멀지 않았습니다. 자꾸 스산해지는 마음이 찬바람에 쓸려가지 않도록 마음단속을 잘해야겠습니다.

이번 전시회는 박물관 100년의 역사를 살펴볼 수 있는 특별한 전시회였습니다. 전시 내용도 명품을 보여주기보다는 유물을 어떻게 발굴하고 보존하는 지 박물관의 역할을 확인할 수 있게 꾸며 졌습니다. 그런데 관람하는 사람은 그 의도와는 상관없이 작품을 감상하는데 정신이 팔려 있습니다. 원래 그런 것 같습니다. 기획자와 관람자의 의도가 딱 일치하기는 쉽지 않은 듯 합니다. 전시된 작품도 <서봉총금관>,<금관총출토금제허리띠> <무녕왕릉출토금제관식>,<청자사자모양향로><한송사지석조보살상> <무구정광대다라니>...등등 중요한 작품이 많음에도 불구하고 저의 눈에는 특별히 소개하고 싶은 작품들은 따로 있습니다. 그러나 고생해서 꾸며놓은만큼 관람하는 사람이 즐겁고 재미있게 볼 수 있다면 그것으로도 충분하겠지요? 다음 번에는, 현재 국박에서 전시되고 있는 "향연과 의례"를 소개하겠습니다.(조정육)

tag : 국립중앙박물관, 여민해락

아들의 수능시험과 나의 인터뷰

2009-11-12T19:26:10Z

오늘은 큰 아들이 수능 시험을 보는 날이다.

5시에 일어나 아침을 준비하고 도시락을 쌌다.

작년에 자퇴를 하고 올 해 검정고시를 볼 때까지 무던히도 속을 썩이더니 드디어 오늘 시험을 봤다.

아침에 일어나지 못한 아이를 깨울 때마다 소리 지르며 화를 내던 시간이 고속필름처럼 지나간다.

그것도 모두 추억이 되었다.

도시락에 밥을 담고 새로 만든 나물과 뜨거운 물을 담으면서 시간에 대해 생각했다.

결국 모든 시간은 지나간다. 때론 아픔을 주고 때론 고통을 주면서 쉬지않고 흘러가는 것이 시간이다.

그 많은 시간 속에서 내가 만났던 사람들. 내게 왔던 사람들. 그들은 지금 어디서 무엇을 하고 있을까.

햄에 계란을 씌워 후라이팬에 부치고, 콩나물을 무쳐 상에 올리고 마지막으로 국을 담아 아침상을 차렸다.

밥을 먹은 후 남편이 출근 길에 큰 아들을 차에 태워 시험장까지 데려다주겠다고 함께 나갔다.

잘 가라는 말을 하기가 무섭게 나는 내 일을 준비하느라 바빴다.

오늘은 KBS 1TV '느티나무'라는 프로그램과 서울대 규장각에서 인터뷰를 하기로 한 날이다.

'추사체'에 대한 내용인데 내가 김정희에 대한 책을 쓴 것때문에 인터뷰 제의가 들어온 것 같다.

방송은 다음 주 목요일(19일) 밤 10시 50분에서 10분간 방송된다고 한다.

목요일이라니.

PD한테 방송날짜를 듣자마자 내 입에서 나온 첫 마디가 이랬다.

저, 그 시간에 아이리스 봐야 하는데요.

2TV에서 하는 연속극때문에 내가 나온 프로그램을 보는 사람은 별로 없겠지만 그래도 성실히 준비했다.

어제 학교 수업이 끝나고 집에 온 뒤로 내가 쓴 "조선의 글씨를 천하에 세운 김정희"를 다시 읽었다.

2007년 3월에 출판된 책이니 벌써 2년반이 흘렀다. 출판된 후 지금까지 한 번도 읽지 않았다. 글 쓰는 과정이 너무 힘들어서 뒤돌아보기도 싫은 책이었다. 그런데 다시 읽고 놀랬다.

정말 잘 썼구나...

내가 쓴 책을 읽고 내가 놀라다니. 남들은 의아해할 것이다. 오히려 부끄러워해야 하지 않나, 생각할 지도 모른다. 그러나 나는 내 책에 대해 한 번도 부끄러워 한 적이 없다. 비록 부족해도 그 책을 쓰는 순간까지의 나의 최선이 담겨 있기 때문이다. 나는 책을 쓰면서 대충이란 것을 생각해 본 적이 없다. 사력을 다하는 심정으로 썼다. 그래서 후회가 없다. 더 좋은 글이 되지 못했다면 그것이 나의 한계이기때문이지 나의 게으름때문은 아니다.

김정희를 쓰기 위해 그의 흔적이 있는 곳이라면 안가본 곳이 없었다.

예산 생가터부터 그의 글씨가 있는 영천 은해사까지, 봉은사에서 유배지인 제주도 대정리까지 몇 년을 그의 흔적을 뒤쫓았다. 볼 수 있는 한 다 봤고 가 볼 수 있는 한 다 가 봤다. 그렇게 고생해서 쓴 책이기때문에 특별히 그 책은 내가 쓴 책 중에서도 가장 아끼는 책이다. 오히려 너무 힘들게 쓴 책이라 질려 버려서 읽지 않았을 뿐이다.

그런데 몇 년이 지난 뒤에 다시 보니 그 때의 기억이 새롭다. 힘들다고 생각했던 시간이 지나고 나니 그리움으로 가득하다.

큰 아들을 보낸 후 집을 나서기까지 한 시간동안 어젯밤에 작성한 글을 소리내어 읽었다. 아는 내용이라도 입이 기억할 수 있게 하려면 소리내어 읽는 것이 최선이다. 입 안에 단어들을 기억시키는 것이다. 인터뷰할 때 이 단어들 잊으면 안된다, 알았지? 나는 그렇게 내 혀와 목소리에 다짐을 받는다.

10시 반 쯤 서울대에 도착해보니 "중국 수묵화의 법고창신"이란 플랭카드가 붙여 있다.

박물관에서 특별전을 하고 있었다. 이게 웬 횡재인가. 빨리 인터뷰 끝내고 박물관에 가야지.

휴게실에 앉아서 11시가 될 때까지 원고의 내용이 혀에 익숙해지도록 중얼거린다.

인터뷰는 순조롭게 끝났다. 좀 버벅거리기는 했지만 무사히 마치고 박물관으로 향했다.

중국근현대 작가 11명의 작품을 한 자리에 볼 수 있는 귀한 자리였다.

혼자 보기 아까워서 서울대에서 가까운 곳에 있는 출판사의 지인한테 전화를 해서 불렀다.

어차피 점심을 먹어야 할 테니까 얼른 왔다 가라고 했다. 전화를 받자마자 택시를 타고 10분만에 왔다.

함께 점심을 먹고 작품을 보면서 쌓인 얘기를 풀어놨다.

도록을 사고 헤어져서 오는 길에 아는 선생님한테 전화를 했더니 지금 당장 연구실에 오란다.

일본에서 주문한 판화 전집이 도착했다는 것이다.

피곤했지만 판화 내용이 궁금해서 동대입구까지 나갔다. 눈이 호사를 했다.

그리고 집에 돌아왔다. 시험이 끝나고 온 아들을 보니 피로가 한꺼번에 몰려온다.

그렇게 오늘 하루도 지나간다. 긴 하루였다. 또한 지나간 시간이 그리운 하루였다.

모든 일이 무사히 끝났으니 따스한 햇볕이 들어오는 집에 가서 편안하게 잠 한 번 자 봤으면 좋겠다.

고향같은 집에서.(조정육)

12.<불로장생을 꿈 꾼 사람들-도석인물화전(2)>:간송미술관 전시회

2009-11-08T01:22:55Z

<불로장생을 꿈 꾼 사람들-도석인물화전(2)>:간송미술관 전시회

김건종, <호리건곤:잔 속 하늘과 땅>, 종이에 담채, 39.0×30.5cm, 간송미술관

-불교의 신과 신선들

불교의 인물화는 절에서 불상 뒤에 그려진 정통적인 불화가 아닌 선종(禪宗)계통의 인물 등이 많이 그려졌습니다. 선종의 조사인 달마대사를 비롯하여 포대화상, 한산과 습득, 관음보살과 나한상입니다. 물론 각 인물의 신분을 입증할 수 있는 지물과 함께 그려집니다.

평생동안 지팡이에 자루를 매달고 다니며 중생이 원하는 물건을 내주었던 포대화상. 스님도 아니면서 속인도 아닌 비승비속의 한산, 습득의 모습도 볼만합니다. 더불어 스님이 좌선하고 염불하고 탁발하는 틈틈이 장기를 두고 이를 잡는 일상을 들여다보는 재미도 만만치 않습니다. 여기에 유교, 불교, 도교의 세 종교를 화합하는 것을 상징하는 ‘삼소도(三笑圖)’도 도석인물화의 소재로 인기가 있었습니다. ‘삼소도’에는 유불선의 대표격인 공자, 노자, 석가모니가 함께 대화를 하면서 웃는 장면이 그려졌습니다. 김건종의 <호리건곤>도 같은 소재를 그린 그림입니다. 높은 경지에 오른 성인이나 신선들은 자신의 논리를 강요하기 위해 핏대 올리며 싸우는 일은 없는 것 같습니다. 사실 싸움이란 고만고만한 사람들끼리 맞붙는 것 아니겠어요? 내가 옳다는 생각에 핏대 오를 때마다 한번씩 <삼소도>를 떠올려봐야겠습니다.

① 달마도해:달마대사가 바다를 건너다

불교 인물화 중에서 가장 인기있는 인물이 ‘달마’입니다. <달마도>는 일필휘지로 그린 김명국의 작품이 유명한데 국립박물관에 소장되어 있습니다. 소림굴에서 면벽수행하고 있는 달마와, 팔을 끊어 자신의 구도심을 보인 혜가의 모습이 함께 그려진 <혜가단비도>도 화가들이 즐겨 그린 달마 관련 그림입니다. 일본의 셋슈 토오요오의 작품이 볼 만합니다.

이번 간송전에서는 축연의 <달마대사>가 소개되었습니다. 금강산 유점사 화승이었던 축연이 그린 <달마대사>는 아무런 배경 없이 댓잎자리 위에 앉아 수행하는 달마의 모습이 간결하게 그려졌습니다.

축연, <달마대사>, 비단에 수묵, 28.5×33.8cm, 간송미술관

달마대사는 남인도 향지국의 셋째 왕자로 태어났으나 출가하여 스님이 되었습니다. 520년경에 전법을 위해 중국 양나라로 왔으나 공덕을 과시하려는 무제를 피해 숭산 소림사에 건너가 9년 동안 면벽수도하며 때가 오기를 기다렸습니다. 그 후 달마대사의 선법은 2대 혜가스님한테 전해졌고 달마대사의 모습은 수행자의 표상으로 그려지기 시작했습니다. 달마대사의 얼굴은 서역 출신답게 검은 피부와 부리부리한 눈, 큰 코와 덥수룩한 수염 등 이국적인 모습으로 많이 그려졌습니다.

달마와 관련된 그림 중에서 화가들이 가장 많이 사랑했던 주제는 <달마도해>일 것입니다. 갈대잎을 타고 양자강을 건넜다는 고사를 그린 <달마도해>는 시대를 뛰어넘어 오랫동안 많은 작가들의 상상력을 자극했습니다. 양자강을 건넜기 때문에 그림 제목을 정확히 표현하자면 <달마도강>이 될 것입니다. 그러나 작가의 상상력에 의해 ‘강’이라는 좁은 틀이 ‘바다’에 가 닿아 <달마도해>가 되었습니다.

심사정, <달마도해>, 종이에 수묵, 27.6×35.9cm, 간송미술관

김홍도, <절로도해>, 종이에 담채, 58.3×105.5cm, 간송미술관

조석진, <달마도해>, 비단에 채색, 40.7×154.0cm, 간송미술관

김은호, <달마도해>, 비단에 채색, 19.6×32.5cm, 간송미술관

정언신, <달마도해>, 종이에 담채, 47.5×124.0cm, 간송미술관

이번 간송전에서도 역시 <달마도해>가 많이 나왔습니다. 심사정, 김홍도, 이수민, 조석진, 유숙, 김은호 등 많은 작가들이 달마를 그렸습니다. 같은 인물을 그렸기 때문에 비교해서 보시면 각 작가들의 개성이 느껴져 즐거운 감상이 될 수 있을 것입니다. 특히 달마대사를 조선 사람으로 그린 김홍도의 작품과 중국 화가 정언신의 작품을 비교해 보시면 비슷하면서도 미세한 차이를 느낄 수 있을 것입니다. 그 미세한 차이가 한국과 중국의 미감 차이가 아닐까요?

② 좌수도해:앉아 졸면서 바다를 건너다

달마도가 얼마나 인기가 많았던지 달마의 모습을 어린 아이가 졸고 있는 모습으로 변형시킨 <선동도해>까지 그려졌습니다. 심사정, 김홍도, 이수민, 유숙 등 이 번 전시회에 출품된 <선동도해>만 해도 여러 점입니다. 그 중에서도 심사정의 <선동도해>는 가장 매력적인 작품이 아닌가 싶습니다. 물거품이 일고 있는 바다 위에서 갈대 위에 쪼그리고 앉은 어린 아이가 살풋 잠이 들었습니다. 무섭지도 않을까요? 천진난만한 어린아이가 아무런 근심 걱정없이 잠이 들었습니다. 갈대 위에 앉아 있기만 하면 아무리 깊은 바닷길이라도 건널 수 있다는 믿음 때문에 편안하게 자는 걸까요. 아니면 인생은 어차피 어린아이가 홀로 망망대해를 건너 가듯 혼자 가야 된다는 고독한 진리를 얘기하는 걸까요. 무릎을 세우고 잠든 어린아이를 보고 있자니 생각이 많아집니다. 만약 내게 인생의 바다를 헤쳐 나갈 그 무엇이 있다면 풍랑 속에서도 잠들 수 있는 저 어린아이처럼 넉넉한 믿음으로 건너가고 싶습니다.

심사정, <선동도해>, 종이에 담채, 27.3×22.5cm, 간송미술관

심사정의 <선동도해>에서 쌔근쌔근 잠자는 어린아이의 숨결소리가 들린다면 김홍도와 이수민의 <좌수도해>는 밤중에 듣는 파도소리가 들리는 듯 합니다. 금새라도 빠뜨릴 듯 시퍼런 물결이 보는 사람을 자꾸 불안하게 합니다. 세상 모르고 자고 있는 저 아이를 깨워야 하는데 어떻게 하나. 빨리 일어나야 할 텐데.

어쩌면 우리가 세상을 살아가는 모습이 바로 저러지 않을까 싶습니다. 어찌어찌해서 물에 빠지지 않고 육지에 도달한다 해도 위태롭기는 마찬가지일 것입니다. 천신만고 끝에 집에 찾아 들면 집이 불타는 줄도 모르고 놀고 있는 어린아이처럼 또 그렇게 살다 가는 것은 아닐 지.

김홍도, <좌수도해>, 종이에 담채, 38.4×26.6cm, 간송미술관

이수민, <좌수도해>, 종이에 담채, 26.0×20.5cm, 간송미술관

<선동도해>는 아니지만 선배들의 작품을 보고 힌트를 얻었을 법한 작품이 유숙의 <오수삼매>입니다. 유숙은 바다니 갈대니 하는 소품은 과감하게 생략해버리고 오직 잠 든 스님의 모습만 그렸습니다. 만약 잠에 빠진 아이가 그려진 <선동도해>가 빠지고 <달마도해>와 이 작품만 있다면 두 작품상의 연관관계가 쉽사리 이해되지 않을 것입니다. 이렇게 한 작품은 시대와 작가에 따라 변형되고 새롭게 창조됩니다. 때론 그 원형이 무엇일까 의심스러울 정도로 변주가 심한 작품도 많습니다. 그런데 상황에 따라 변장한 작품의 원류를 찾아가는 작업도 상당히 재미 있습니다. <오수삼매>가 그런 예입니다.

눈썹까지 세밀하게 그린 얼굴과 먹의 농담변화를 절묘하게 결합한 승복이 묘한 대조를 이루면서 태산 같은 잠의 무게가 느껴집니다. 스님은 지금 천지가 파열한다해도 끄덕없을만큼 깊은 잠에 빠져 있습니다. 졸릴 때 눈꺼풀의 무게를 느껴 본 사람이라면 충분히 공감할 수 있는 잠입니다.

유숙, <오수삼매>, 종이에 담채, 28.0×40.3cm, 간송미술관

③ 포대화상

포대화상은 달마대사만큼 인기가 많았던 분입니다. 지금도 절에 가면 둥근 배를 내밀고 자루를 맨 채 넉넉하게 웃고 있는 포대화상의 모습을 쉽게 만날 수 있을 것입니다. 도대체 포대화상은 누구일까요?

법명이 ‘계차’인 포대는 당나라 말 오대 때 사람인데 확실하지는 않습니다. 그는 항상 지팡이 끝에 달린 포대자루 속에 온갖 물건을 가득 담고 다니면서 중생이 원하는 것은 무엇이든 나눠 주었다고 합니다. 그래서 그를 포대화상이라 부르게 되었습니다. 포대자루를 가지고 다니는 스님이라는 뜻입니다. 지팡이 끝에 포대자루를 들고 있거나 혹은 둥근 포대자루곁에 앉아 있는 모습으로 그려지는 포대화상은 재물과 복을 주는 존재로 여겨졌습니다. 그래서 지금까지도 조각상과 그림으로 수없이 제작되고 있습니다. 불로장생에 대한 욕망만큼이나 재물과 복을 원하는 사람들의 갈망은 끝이 없는 듯 합니다.

김득신, <포대흠신:포대화상이 기지개를 켜다>, 종이에 담채, 27.2×22.8cm, 간송미술관

안중식, <환희포대:즐거운 포대화상>, 비단에 담채, 62.0×139.8cm, 간송미술관

노수현, <포대화상>, 비단에 담채, 28.0×20.2cm, 간송미술관

하루 종일 중생들에게 자루 속에 든 물건을 주고 나서 잠시 쉴 때의 넉넉함. 그것은 베풀어본 자만이 느낄 수 있는 평화일 것입니다. 남의 것을 빼앗기 위해 혈안이 되어 있는 사람은 결코 느낄 수 없는 여유입니다. 포대화상의 얼굴은 누가 그리더라도 항상 웃는 모습입니다. 불룩한 배가 포대만큼 부풀어있고 있는 것도 특징입니다. 넉넉함으로 기억되는 사람의 모습은 아름답습니다. 언젠가는 먼지로 사라질 몸에 신경쓸 것이 아니라 마음에 좀 더 신경을 써야겠습니다. 포대화상님. 당신은 멋진 남자입니다.

④ 호랑이와 스님

부처님의 제자 중 한 사람인 인게다 존자는 호랑이를 길들여서 데리고 다녔다고 합니다. 한 생각의 차이로 맹수가 되었지만 짐승에게도 불성이 있다고 생각했기 때문입니다. 이 소재는 선종화나 문인화의 소재로 크게 환영받았는데 『고씨화보』에도 그 도상이 담겨 있습니다. 정선의 <송암복호:소나무 밑 바위에서 호랑이가 엎드리다>는『고씨화보』의 형식을 충실히 따르고 있습니다. 그러나 진경산수화가답게 그림 속에 등장하는 스님과 호랑이는 물론 소나무까지도 조선적입니다. 소나무 아래에서 스님이 호랑이를 쓰다듬고 있는 그림으로는 서울대 박물관에 소장된 장승업의 작품이 뛰어납니다.

양기성의 <사자와 나한>은 인게다 존자를 그린 것인 지 확실히 모르겠습니다. 그림을 보면 항상 이런 숙제가 남습니다. 전시회에서 돌아와 그 숙제를 푸는 과정이 제게는 공부입니다. 사자는 성스러운 동물로 불화에서 자주 등장하는만큼 여기서는 수행자를 지켜주는 동물로 보는 것이 맞을 것 같습니다. 그러나 확신이 들 때까지 비슷한 그림을 자주 들여다봐야겠습니다. 김홍도의 <고승기호:고승이 호랑이를 타다>에서는 스님이 호랑이를 길들이는 데서 한 걸음 더 나아가 아예 호랑이 위에 올라타고 있는 모습입니다. 그는 누구일까요. 인게다 존자일까요?

정선, <송남복호>, 종이에 담채, 51.0×31.5cm, 간송미술관

양기성, <사자나한>, 종이에 수묵, 34.5×28.0cm, 간송미술관

김홍도, <고승기호>, 종이에 담채, 35.7×31.8cm, 간송미술관

⑤ 수행자 스님

허필이 그린 <나한>을 보면, 소나무 아래 노스님이 향을 피우고 앉아 참선을 하고 있습니다. 화보를 참조한 듯 현실감이 떨어지지만 담백한 붓질로 수도자의 생활을 보여주려는 의지가 담겨 있습니다. 최북의 <관수삼매>에서는 종려나무와 태호석이 있는 계곡에서 한 스님이 가부좌를 틀고 앉아 화두에 몰입하고 있습니다. 그런데 화두가 잘 잡히지 않는 모양입니다. 스님이 인상을 찡그리고 있습니다. 언제나 봄날일 수 있겠습니까. 비가 오는 날이 있으면 해가 뜨는 날도 있겠지요. 다만 쉬지 않고 계속한다는 것이 중요하겠지요? 힘내세요, 스님. 저도 힘내겠습니다. 이제 이 글을 마칠 때도 얼마 남지 않았습니다.

허필, <나한>, 종이에 수묵, 23.2×30.5cm, 간송미술관

최북, <관수삼매:물을 보며 삼매에 들다>, 비단에 담채, 11.0×31.6cm, 간송미술관

지칠만 하니까 역시 좋은 작품이 나옵니다. 김홍도의 작품은 다 좋지만 만약 그의 작품에서 두 작품만 고르라고 하면 저는 주저없이 <남해관음>과 <염불서승>을 고르겠습니다. <염불서승:염불하며 서방정토로 올라가다>는 수행자의 향기가 느껴지는 작품입니다. 아미타부처님이 계시는 극락정토는 서쪽에 있다고 하지요. 그래서 서방정토라고 합니다. 죽을 때 ‘나무아미타불’을 지성으로 열 번만 염송하면 극락세계에 태어날 수 있다고 합니다. 불교에 귀의했던 김홍도가 이대로의 모습 그대로 극락에 태어나고자 하는 발원이 담긴 작품입니다. 두광 바깥을 파르라니 물들인 표현방식도 좋고 구름과 연꽃이 뒤섞인 모습도 좋습니다.

김홍도, <노승염불>, 종이에 담채, 19.7×57.7cm, 간송미술관

염불로 극락왕생하고자 하는 바램이 담긴 작품이 또 있습니다. <노승염불>입니다. 담묵으로 노스님과 시자를 그린 이 작품은, 잘 그려야 되겠다는 화가의 마지막 욕심마져 비워 낸 작품같습니다. 저도 이런 글 한 편 쓰고 싶은데 아직은 욕심이 덜어지지 않습니다. ‘단원 늙은이’라는 뜻의 ‘단로(檀老)’가 적힌 것으로 봐서 <염불서승>과 마찬가지로 단원 김홍도의 만년작입니다. 제시를 보니 ‘입으로 항하의 모래알만큼 외우고 또 외운다’라고 적혀 있습니다. 항하는 인도의 겐지스강을 뜻합니다. 겐지스강의 모래알만큼 외우고 또 외우고 싶은 염불. 그것은 ‘나무아미타불’입니다.

⑥ 일상생활 속의 스님

스님들의 일상적인 모습을 살펴볼 수 있는 작품들도 있습니다. 조영석의 <노승헐각:노승이 다리를 쉬다>와 <노승휴장:노승이 지팡이를 짚고 가다>, 그리고 이인문의 <나한문슬:나한이 이를 떨어내다>와 김득신의 <송하기승:소나무 아래에서 장기 두는 승려>등이 그것입니다.

물론 이런 작품들은 고려 시대라면 그려지지 않았겠지요. 고려시대까지 왕의 스승을 하던 스님들은, 조선시대가 되면 사대문 안에 들어갈 수 없는 천민으로 전락합니다. 자연히 고려시대같이 뛰어난 고승들이 많이 배출될 수 없었을뿐더러 사대부들의 천대도 만만치 않았습니다. 그러다보니 김홍도의 <염불서승>같은 뛰어난 작품보다는 스님의 일상을 느낄 수 있는 작품들이 많이 제작된 듯 합니다.

조영석, <노승헐각>, 비단에 담채, 17.2×26.8cm, 간송미술관

조영석의 <노승헐각>은 노스님이 지팡이를 짚은 채 소나무 등걸에 앉아 쉬고 있는 장면을 그렸습니다. 목에는 염주를 두르고 머리에는 송낙을 쓴 노스님은 먼 길을 걸어온 듯 지친 몸을 잠시 쉬고 있습니다. 맑은 담채로 과장없이 풀어낸 조영석의 문인취향이 느껴집니다.

김득신, <송하기승>, 종이에 담채, 27.0×22.4cm, 간송미술관

그런가하면 김득신의 <송하기승>은 인물만 스님일 뿐이지 완벽한 풍속화입니다. 소나무 아래서 장기 두기에 여념이 없는 스님들의 모습을 풀어내는 방식에서 김홍도의 영향이 엿보입니다. 그러나 <야묘도추:병아리를 물고 가는 고양이>처럼 김득신의 풍속화는 대상에 최대한 접근하여 순간적인 장면을 잡아내는 생생함이 담겨 있습니다.

스님의 생활을 다룬 그림으로는 신윤복의 <이승영기:비구니가 기생을 맞이하다>와 <노상탁발> 그리고 <문종심사:종소리 들으며 절을 찾아가다> 등이 출품되었습니다. 여인의 모습이 담긴 풍속화를 주로 그린 신윤복답게 역시 세 작품 모두 화사한 여인들이 주인공입니다.

신윤복, <노상탁발>, 종이에 담채, 35.6×28.4cm, 간송미술관

그런데 이쯤해서 과연 ‘도석인물화’가 무엇인가, 에 대해 다시 한 번 생각해봐야겠습니다. 도교의 인물상들은 그 그림이 비록 감상화라 할지라도 그 안에 장수, 다남, 재물, 복을 바라는 사람들의 욕망이 담겨 있습니다. 그러나 불교의 인물화는, 절에 걸기 위한 불화가 예배대상으로서의 성격이 분명한 반면 도석인물화로 분류되는 나한, 승려 등의 인물상은 순수한 감상용으로 제작된 것 같습니다. 신윤복의 <노상탁발>이 예배용이나 축수용으로 그려지지는 않았을 테니까요.

⑦묘길상

묘길상은 내금강으로 들어가는 마지막 관문에 새겨진 거대한 마애불입니다. ‘문수보살’의 다른 이름인 묘길상은 그 높이가 15m로, 얼굴 크기만 3미터에 달하는 거불입니다. 같은 장소를 그린 세 작가의 작품을 보면, 그림을 풀어내는 작가의 시각과 개성을 느낄 수 있을 것입니다. 김홍도의 작품이 마애불을 향해 절하는 두 스님을 그려서 풍속화의 느낌이 짙다면, 이한철의 마애불은 하단과 옆면을 여백으로 비워두어 마치 높은 벼랑 위에 떠 있는 듯 합니다. 그런가하면 김홍도와 이한철이 서 있던 위치에서 한참 뒤로 물러나서 붓을 들면 김은호의 작품이 나올 것입니다. 김은호는 묘길상이라는 마애불보다는 그 불상이 놓여진 주변의 가을 풍경에 더 매료된 것 같습니다.

김홍도, <묘길상>, 종이에 담채, 18.2×23.6cm, 간송미술관

이한철, <묘길상>, 종이에 담채, 28.0×24.6cm, 간송미술관

김은호, <묘길상>, 종이에 담채, 45.2×33.3cm, 간송미술관

⑧호계삼소:호계의 세 사람 웃음소리

드디어 이번 간송미술관 전시회에 대한 글을 마무리할 때가 되었습니다. 사실은 처음에는 이렇게 길게 쓸 생각은 아니었습니다. 전시회 동향이 어떠했는 지 간략하게 올릴 생각이었습니다. 그런데 학생들 레포트를 받고 나서 생각이 달라졌습니다. 전시회를 보고 감상문을 제출하라고 했더니 거의 인상비평 수준을 넘지 못했습니다. 그림속의 인물이 누구이며 왜 그렸는지에 대해 거의 알 지 못하더군요. 그만큼 도석인물화가 일반인들에게 생소한 분야라는 것을 알 수 있었습니다. 그래서 가능한한 쉽게 이해할 수 있도록 도상과 지물을 설명하는 식으로 글을 전개하게 되었습니다. 도움이 되었는 지 모르겠습니다.

글을 마치면서 마지막으로 소개하고 싶은 작품이 있습니다. 최북의 <호계삼소>입니다. ‘호계의 세 사람 웃음소리’란 뜻인데 유, 불, 선을 대표하는 세 사람이 서로 웃으며 얘기하는 모습을 그렸습니다. 최북(1738-1786)이 살던 시대에는 유, 불, 선이 동양의 대표적인 종교였으니까 각 종교를 대표하는 사람들이 만났습니다. 그런데 서로 자기 종교가 우세하다고 목소리를 높이거나 강요하지 않고 서로 웃고 있습니다. 참 보기 좋습니다.

모름지기 사람 사는 세상이 저래야 되지 않을까, 싶습니다. 종교가 틀리고 정치적인 견해가 틀려도 함께 어울려 웃을 수 있는 세상. 다른 사람의 생각이 나의 생각과 틀려도 그대로 인정해주고 받아줄 수 있는 사회. 나와 다른 색깔로 살아가도 비난하지 않고 받아줄 수 있는 사람 관계. <호계삼소>가 지향하는 세상이 제게 이런 저런 생각을 하게 합니다. 어쩌면 그것은, 조금만 나의 기준에서 벗어나도 금새 화를 내고마는 저같은 사람한테 꼭 필요한 그림이기 때문일 것입니다. 오랫 동안 이 그림을 들여다보면서 ‘관용’과 ‘배려’에 대해 고민해보겠습니다.(조정육)

최북, <호계삼소>, 비단에 담채, 21.0×29.7cm, 간송미술관

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섬진강여행(3)

2009-11-02T12:29:34Z

섬진강에서 산내리까지 지나다가 찍은 사진입니다. (조정육)

빈 집 곁에 누런 호박이 열렸습니다. 가을이 되면 마루 위에 누런 호박을 여러 덩어리 올려놓았던 옛 집이 생각납니다. 이번 주말에는 호박죽을 쒀 먹어야겠습니다.

다른 작가들이 작품 사진 찍기에 바쁜데 박선생님이 저를 큰소리로 부릅니다.

얼마 만에 보는 탱자인 지 모르겠습니다. 가져오려고 바닥에 떨어진 시커먼 탱자를 주으려니까 박선생님이 탱자나무를 마구 흔들어 노란 탱자를 일부러 떨어뜨립니다. 주인한테는 미안했지만 박선생님이 고마웠습니다.

사진이 될만한 곳은 어디든 안 가본 곳이 없다는 박선생님이 이 곳에 오자고 한 이유는

집 뒤의 은행나무 때문이었습니다. 은행나무가 물들면 정말 아름답다면서 행여 물들었을까, 확인하러 왔답니다. 그러나 저는 은행나무가 아니라 주인이 떠난 빈 집과 호박이 더 눈에 띕니다.

이 집의 옛 주인은 벌을 키우던 사람이었던가 봅니다. 주인도 벌도 떠난 집의 담벼락에는 옛 추억만이 걸려 있습니다.

때로는 수줍은 사랑을, 때로는 가슴 아픈 이별을 담고 있었을 창호지 너머의 안방. 그 안방의 주인은 어디론가 떠나고 세월에 뚫린 창호지문은 굳게 닫혀 있습니다. 이렇게 찢어진 문이라도 좋으니 그 안에 나의 어머니가 기다리고 있었으면 좋겠다는 생각을 했습니다.

마루 한 켠에 남겨진 검정 고무신 한 켤레. 이 고무신을 신었던 사람은 지금 어디서 무엇을 하고 있을까요.

검은 기름을 먹여 반질반질하던 가마솥에 녹이 내려앉았습니다. 밖에서 놀다 집에 오면 가마솥 안에서 누룽지나 찐 고구마를 꺼내 먹고 했습니다. 매운 생솔가지를 피우며 불을 때서 밥을 끓이시던 엄마가 생각나서 울컥 했습니다.

다시는 되찾을 수 없는 추억을 간직한 채 사라져가는 것들.

'제행무상'이란 말이 절로 떠오릅니다.

그러나 기억은 사라지지 않고 영원히 남아 그립게 합니다.

이번 섬진강 여행은 그리움과 만난 여행이었습니다.

겨울이 되면 다시 가야겠습니다. 그때는 또 어떤 그리움과 만나게 될지...(조정육)

tag : 섬진강

섬진강 여행(2)

2009-11-02T12:10:54Z

섬진강을 따라 조금 더 가 보겠습니다.(조정육)

tag : 섬진강

섬진강 여행(1)

2009-11-02T11:50:07Z

잠월미술관에 다녀온 날 박주오선생님의 집에서 잠을 자고 이튿날 섬진강에 갔습니다.

알고 보니 박주오선생님의 사모님은 저와 같은 동네 출신이었을 뿐만 아니라 고등학교 3년 선배였습니다.

폐끼치는 것 같아 모텔에서 자겠다고 했더니 무조건 선배집에서 자야한다고 하셔서 편안하게 잤습니다.

아침에 일어나 고구마 굽는 것부터 밑반찬 만드는 것 까지 살림의 노하우를 전수해주시는 것도 잊지 않으십니다.

어제 고향에 다녀온 후 허전했던 마음이 학교 선배님의 따뜻함으로 채워지는 것 같았습니다.

손을 데일 정도로 뜨거운 군고구마를 먹고 든든한 마음으로 섬진강으로 향했습니다.

어제 작품을 전시했던 작가분들과 함께 차 2대가 김용택 시인의 생가가 있는 섬진강 상류로 떠났습니다.

여러 차례 문학기행을 맡아 안내를 해 준 경험이 있는 박주오 선생님의 제안으로 떠난 멋진 가을 여행이었습니다.

영화 "아름다운 시절"을 촬영한 전북 임실군 덕치면 구담마을입니다. 가을 여행도 잊고 일하시는 분 들. 사진 보시면서 잠시 머리를 식혀보세요~(조정육)

tag : 섬진강

고향가는 길

2009-11-02T10:46:43Z

함평에 있는 잠월미술관에 가는 길이었습니다.

토요일 1시쯤 광주터미널에 도착했더니 사진작가 박주오 선생님이 마중나오셨습니다.

교사이신 박주오 선생님은 20여년 전부터 사진을 찍기 시작하여 각종 사진 대회에서 큰상을 받은 작가로 이 지역에서는 꽤 유명한 분이십니다. 저하고는 전남대학교 1학년 때 같은 반이었는데 2학년 때 각각 다른 과를 지망하는 바람에 그 후 오랫동안 만나지 못했습니다. 당시 박선생님은 군대를 갔다 온 예비역이었고 저는 대학 새내기였다는 것 외에는 달리 기억나는 추억이 없었습니다. 그런데 기억력 좋으신 박선생님은 저의 모습까지 생생하게 기억하고 있어서 놀랬습니다. 역시 머리 좋은 사람은 달라도 한참 다른 것 같습니다. 국어교사이신 박선생님이 몇 달 전, 우연히 저의 책을 보신 후 메일을 보내서 다시 연락을 하게 되었습니다. 대학교 1학년 때 이후 처음 보는 거니까 거의 30년 가까이 된 것 같습니다.

광주에서 점심을 먹고 선생님의 차를 타고 광주에서 함평가는 차 안에서였습니다.

저한테 고향이 어디냐고 물으시기에 초등학교 1학년 때까지는 시골에서 자랐다고 했습니다.

시골 어디냐고 다시 물으시더군요.

본량면 양산리라고 했습니다.

그랬더니 깜짝 놀라는 목소리로 양산리 어디냐고 또 물으십니다. 처가집이 양산리라는 것입니다.

양산리 양곡부락인데 초등학교 1학년 때 이사와서 기억이 잘 나지 않는다고 했습니다. 고향에 한 번 꼭 가 보는 것이 소원인데 가는 방법을 잘 모르겠다는 말도 덧붙였습니다. 가끔씩 꿈에 나타나는 고향 마을이 저의 가슴 속에 얼마나 큰 그리움으로 남아 있는 지 넉두리처럼 중얼거렸습니다. 산 바로 밑에 우리 집이 있었고 넓은 마을을 지나 방앗간이 있는 큰 거리까지는 다리가 아프도록 걸어야 갈 수 있는 곳이었습니다. 워낙 오래 전에 떠나온 곳이라 친척도 없고 저를 기억하는 사람도 없을텐데 이상하게도 그곳은 항상 그리움으로 남아 있었습니다. 고향이기때문일 것입니다. 가끔씩은 꿈 속에 제가 지친 모습으로 마을 입구로 걸어들어갈 때도 있었습니다. 때로는 집 옆 언덕에 있는 무덤가 잔디밭에 앉아 마을을 내려다볼 때도 있었습니다. 그러나 초등학교 6학년 때 한 번 고향을 다녀온 이후 지금까지 가보지 못했습니다.

그럼 지금 갑시다.

제 얘기를 듣던 박선생님이 아주 쉽게 얘기를 합니다. 누군가에게는 엄두가 나지 않는 일이 누군가에게는 아주 쉬운 일일 수도 있는 것 같습니다. 알고 봤더니 박선생님의 처가집이 저의 고향인 양곡부락 옆동네였습니다. 4시부터 특강인데 시간이 되겠느냐고 했더니 그곳이 함평 가는 길에 있다고 했습니다. 그렇게해서 거의 35년만에 고향이 가게 되었습니다.

저기가 삼도 중학교인데 지금은 폐교됐어요.

삼도중학교면 우리 집에서 너무 멀어 가지는 못하고 말로만 듣던 학교였습니다. 아직 초등학교도 들어가지 못한 나이에 중학교에 다니는 언니가 교복을 입고 다니던 곳이 삼도중학교였습니다. 하늘처럼 높아보이던 학교였습니다. 제가 유일하게 기억하는 곳이 1년을 다니다 전학 온 초등학교였습니다. 지금은 폐교가 되었다고 친절하게 설명해주십니다.

삼도중학교를 지나 조금 더 달리자 산 아래 기품있는 기와집이 들어선 마을이 시작되었습니다. 그 곳이 박선생님의 처가집 동네라고 자랑을 합니다. 그러나 저는 눈에 들어오지 않습니다. 빨리 제가 살던 마을에 가고 싶은 마음 뿐입니다.

공덕비가 즐비한 기품있는 마을을 지나자 제가 다니던 초등학교가 나왔습니다. 폐교가 되었다고 합니다. 제가 학교 다닐 때는 1층짜리 건물이 'ㄱ'자로 두 동이 있었는데 현재는 3층짜리 본관이 한 채 있었습니다. 제가 전학가고 난 뒤에 새로 지은 것 같습니다. 학교 뒤에 심어진 늠름한 소나무들도 기억이 생생했습니다. 비록 1년밖에 다니지 못했지만 초등학교를 떠올릴 때마다 항상 기억나는 곳이었습니다. 가을 운동회를 하고 운동장가에 있는 수돗물을 받아먹고 그네를 뛰던 곳. 그리운 학교였습니다.

학교를 지나고 나서 조금 더 들어가자 거기서부터 조금씩 헷갈리기 시작했습니다. 우리 마을과 학교는 아주 멀리 떨어져 있어 학교가는 길이 무척 길었던 기억때문입니다. 그러나 울퉁불퉁하던 길에 도로가 깔려 있어 차로 달리니 10분거리도 되지 않아 잠시 어리둥절한 것입니다. 하긴 초등학교 1학년의 발걸음으로 걸어가기에는 먼 거리였을 지도 모릅니다.

자꾸 아득해지려는 기억을 더듬어 작은 산모퉁이를 지나자 탁구선수 김택수의 기념물이 세워져 있었습니다. 바로 이곳이었습니다. 이 마을 출신의 김택수 선수가 올림픽 메달을 땄다고 아주 자랑스러워했던 얘기를 들었기 때문입니다. 좁은 도로를 따라 차가 천천히 올라가자 기억속의 고향이 모습을 드러냈습니다. 그런데 완전히 변해서 전혀 알 수가 없었습니다. 큰 집이 있었던 언덕옆의 감나무집은 사라졌고 돌담이 아름다웠던 우물가의 집터에는 양옥집이 들어서 있었습니다. 낙엽 하나 보이지 않도록 반질반질 빗질이 되어 있던 흙길은 시멘트길로 대체되었고 무엇보다 들쭉날쭉 세워진 비슷비슷한 집들이 눈에 거슬렸습니다.

드디어 산꼭대기 아래 위치한 우리집으로 올라가는 마을 뒷길.

그러나 그 곳은 길이 없이 무성한 대나무와 잡풀로 막혀 있었습니다. 몇 해 전 장마에 산사태가 나서 마을을 휩쓸었다고 하더니 제가 살던 집이 없어진 모양입니다. 그 곳에 살던 어린 시절도 사라진 지 오래되었고 나의 손을 잡고 골목을 걸어다니신 엄마도 세상을 떠났습니다. 어수선하게 늘어진 나무와 풀을 바라보며 망연히 서 있었습니다. 큰 양은 주전자에 물을 뜨러 마을의 샘까지 오르내리기가 무척 힘들었던 길. 멀리 장에 가신 엄마가 늦어지실 때면 조금씩 조금씩 내려오다 결국 마을 입구까지 내려 오던 길. 친구들과 놀기 위해 집집마다 돌아다니며 친구를 불러내던 길. 그 길도 없어지고 친구들도 없습니다. 고향을 찾아 왔는데 추억 속의 고향은 오직 기억속에만 있습니다.

다음 일정이 바빠 마을을 나오는데 친구집 마당에서 놀았던 기억이 생생하게 떠오릅니다. 얼른 와서 함께 놀자. 그렇게 얘기하는 것 같습니다. 친구들과 한참을 놀고 있는데 멀리서 엄마가 부르시는 소리가 들립니다. 얼른 집에 와서 밥 먹어야지. 지금은 없어진 그 집에 가서 엄마가 차려준 따뜻한 밥을 먹어왔으면 좋겠습니다.(조정육)

11, 연꽃밭에서의 석 달-잠월미술관에서 만난 연꽃

2009-11-02T09:09:20Z

오랫만에 전남 함평에 있는 잠월미술관으로 가을 여행을 다녀왔습니다.

잠월미술관(http://www.zamworl.com/)은 불갑산이 바라다보이는 함평군 해보면 산내리에 있는 작고 예쁜 미술관입니다. 이곳에서 <연>을 주제로 한 6인의 전시회가 있다고 해서 가 보았습니다.

미술관 마당에는 추억 속의 펌프가 있어서 어른과 아이 모두 무척 즐거워합니다. 옆에 계신 분은 잠월미술관 관장님이십니다.

왼쪽부터 이번 전시회 사진전을 지도해주신 박주오선생님과 저, 정선희 학예사와 김광옥관장님이십니다.

<연>전시회 오프닝 장면입니다.

맨 왼쪽에는 김광옥 관장님이시고 그 옆에는 망호리 이장님, 중앙에는 오프닝 세리모니에 어울리지 않는 복장의 저입니다. 제 옆에는 잠월미술관의 정선희 학예사, 오른쪽은 사회를 맡은 오맹택 작가입니다.

이 번 전시 작품은 영암읍 망호리 소랏재 공원에 심어진 연꽃을 7월부터 9월까지 관찰하여 찍은 사진들입니다.

망호리 이경호 이장님의 설명으로 평소 연꽃에 대해 궁금했던 점을 자세히 들을 수 있었습니다.

특히 홍련과 백련을 함께 심으면 백련이 배겨내지 못하고 죽는다고 하는데 사실이냐고 물었더니 그렇다고 합니다.

꼭 따로따로 심어야 백련이 살 수 있다고 합니다.

연꽃에 대한 애정이 철철 넘치신 이장님의 설명 감사했습니다.

평소 연꽃에 관심이 많았던 저는 이번 기회에 '우리 문화 속의 연꽃'이란 주제로 특강을 했습니다.

강의 준비를 하면서 고구려 고분벽화속의 연꽃부터 근대 안중식까지 연꽃을 살펴보는 작업은 저한테도 매우 행복한 시간이었습니다.

엄마 손을 잡고 온 초등학생부터 참여 작가와 관람객까지 부족한 강의를 진지하게 들어주셨습니다. 감사합니다.

연꽃밭에 둘러 쌓여 행복한 순간입니다. 이제부터 작품을 감상하시겠습니다.

박주오 작 <연>

김승재 작

오맹택 작

박정숙 작

윤효숙 작

김병훈 작

사진 작가이자 교사인 박주오 작가를 중심으로 6명의 작가들 작품이 전시되었습니다.

새벽 3시에 잠에서 깨어 카메라를 들고 연꽃밭으로 향하여 7시까지 사진을 찍고 출근 하기를 석달 열흘 계속했다는 작가들의 눈빛 속에 연꽃이 피어있는 것 같았습니다. 뭐에 씌운 듯 카메라를 들고 산 여름 한 철의 격정이 전시장 가득 피어났습니다. 진흙속에서 피지만 더럽지 않고 꽃이 피는 것과 동시에 열매를 키워내는 연꽃은 생성과 소멸, 탄생과 죽음을 담고 있는 꽃입니다.

미술관 마당에 놓은 작은 나무 의자 둘.

어느 유치원에서 버려진 것을 가져왔다고 하네요.

어른이 앉기에는 너무 작고 연약해보이는 의자를 바라보고 있자니

그 의자 위에 비비적거리고 앉아 세상을 배우고 노래했을 아가들의 모습이 떠올랐습니다.

이제 시골에서는 이 의자에 앉을 아가들을 볼 수가 없어 유치원도 사라지고 초등학교도 폐교가 되었습니다.

노인들만 살고 있던 작은 시골 마을에 미술관이 생기자 누구보다 반기고 즐거워한 사람들은 마을 어르신들이라고 합니다.

미술관이 생기니 젊은 사람들이 들락거리고 오랫동안 정적만이 감돌던 곳에 생기가 돈다고 하십니다.

잠월미술관은 시골 마을 속에서 미술관이 어떻게 융합하고 함께 할 수 있는 지를 보여주는 좋은 모범 사례가 아닐 수 없습니다.

이것은 철저히 마을 주민과 함께 하고자하는 관장님과 학예사 여러분의 의지가 있기에 가능한 일일 것입니다.

산과 들이 가을로 물들어가는 이 즈음에 잠시 시간을 내 잠월미술관에 다녀오지 않으시겠어요?

그 곳에 가면 오랫동안 잊고 살았던 아늑함과 고즈녁함을 만나실 수 있을 것입니다. (조정육)

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