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신현림 2013. 4. 5. 22:33

 

 

 

*우리는 이땅을 빌려쓰고 후손들에게 이쁘게 지켜 돌려줘야함을  잊지 않음 좋겠어요.~~ 매체쪽 지인들께 문자 띄웠고, 호응답문자를 받았어요. and 페친님들 울문화사랑에 희망을 느낍니다.

 

 

 



















































































































































남 아프리카를 대표하는 작가인 켄트리지의 전시회가 베를린 구겐하임에서 열리고 있다고 합니다.
남아프르카의 역사와 아프르키의 역사를 주로 다루었던 작가의 경력에서 보자면
이번에 나미비아의 식민지의 어두운 역사를 다루는 작품을 했다는 것은 조금도 놀라운 일이 아닙지만, 독일의 역사학에서도 아직은 언급되지 않는 어두운 과거의 역사를 다룬 예술품을 베를린의 한 복판에서 전시한다는 사실이 생각할 거리를 주는군요.
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William Kentridge, image from Black Box/Chambre Noire, 2005
Photo: John Hodgkiss Deutsche Guggenheim, © William Kentridge

William Kentridge, image from Black Box/Chambre Noire, 2005
Photo: John Hodgkiss Deutsche Guggenheim, © William Kentridge

William Kentridge, image from Black Box/Chambre Noire, 2005
Photo: John Hodgkiss Deutsche Guggenheim, © William Kentridge

William Kentridge in Stockholm during the
preparation for Black Box/Chambre Noire, 2005

Photo: Petra Hellberg Deutsche Guggenheim, © William Kentridge


William Kentridge, image from Black Box/Chambre Noire, 2005
Photo: John Hodgkiss Deutsche Guggenheim, © William Kentridge

William Kentridge, Untitled, (drawing for Black Box/Chambre Noire), 2005
Photo: John Hodgkiss Deutsche Guggenheim, © William Kentridge


William Kentridge, Untitled,
(drawing for Black Box/Chambre Noire), 2005

Photo: John Hodgkiss Deutsche Guggenheim, © William Kentridge


William Kentridge, Untitled, (drawing for Black Box/Chambre Noire), 2005
Photo: John Hodgkiss Deutsche Guggenheim, © William Kentridg

William Kentridge, image from Black Box/Chambre Noire, 2005
Photo: John Hodgkiss Deutsche Guggenheim, © William Kentridge

William Kentridge, Untitled,
(drawing for Black Box/Chambre Noire), 2005

Photo: John Hodgkiss Deutsche Guggenheim, © William Kentridge

Figures and drawings by William Kentridge
Johannesburg studio, 2005

Photo: John Hodgkiss Deutsche Guggenheim, © William Kentridge

William Kentridge in his Johannesburg studio
working on Black Box/Chambre Noir, 2005

Photo: John Hodgkiss Deutsche Guggenheim, © William Kentridge

William Kentridge in his Johannesburg studio
working on Black Box/Chambre Noir, 2005

Photo: John Hodgkiss Deutsche Guggenheim, © William Kentridge

Interview: William Kentridge
월리엄 켄트리지와 대담
Inside the Black Box
William Kentridge in an Interview

블랙 박스 내부

대담을 하는 윌러엄 켄트르지

The "Magic Flute", the Rhinoceros hunt, the German genocide on the Herero in Namibia:

with "Black Box/Chambre Noire" the South African artist William Kentridge creates

a mechanical, miniaturized world theater in the Deutsche Guggenheim that is also

an elegy to a chapter of forgotten history.

Cheryl Kaplan spoke with the artist.

"요술 피리", 무소 사냥, 나미비아에서 독일인이 자행한 헤로로 집단 살해, "블랙 박스/샹브르 누와르"로 남 아프리카 공화국 예술가 윌러엄 켄트리지는 독일 구겐하임 미술관에서 기계적이고, 축소된 세계극을 창조했다. 그것은 잊혀진 역사에 대한 비가이기도 하다.

첼린 카플란이 예술가와 대담을 했다.

In the winter of 2005, the South African artist
William Kentridge and I met in Central Park for a walk through Christo’s installation The Gates. He was just starting to work on a new

commission from Deutsche Bank for the Deutsche Guggenheim in Berlin called Black Box/Chambre Noire. William Kentridge is best known for his animated films as well as theatrical collaborations with the Handspring Puppet Company, founded in Cape Town by Basil Jones and Adrian Kohler. Kentridge has exhibited widely, from the 1993 Venice Biennale to

the Museum of Modern Art (Projects 68, 1999), the Hirshhorn Museum (2001),

the New Museum of Contemporary Art in New York (2001), Centre Georges Pompidou

(2002), Castello di Rivoli (2004), and The Metropolitan Museum of Art (2005). He has also

been awarded the prestigious Carnegie Prize at the Carnegie International (1999).

2005년 겨울, 남 아프리카 공화국 예술가 윌리엄 켄트리지와 나는 크리스토의 설치 작업 '문들'을 지나가는 산책을 하기 위해서 센트럴 파크에서 만났다. 그는 베를린 도이체 구겐하임에서 전시할 작품을 제작해달라는 도이체 방크의 위탁 작업,블랙 박스/샹브르 누와르로 불리는 작품을 막 만들기 시작했다. 윌러엄 켄트리지는 만화영화 기법으로 만든 영화와 바실 존스와 아드리안 콜러가 케이프 타운에서 설립한 재주넘는 인형 회사와의 연극 작업으로 가장 잘 알려져 있다. 켄트리지는 , 1993년 베니스 비엔날레로부터 시작해서 from the 1993 Venice Biennale to the Museum of Modern Art (Projects 68, 1999), the Hirshhorn Museum (2001), the New Museum of Contemporary Art in New York (2001), Centre Georges Pompidou (2002), Castello di Rivoli (2004), and The Metropolitan Museum of Art (2005)에 이르기까지 널리 작품을 전시했다. 그는 또한 국제 카네기 협회에서 수영하는 명성이 높은 카네기 상을 1999년에 수상하기도 했다.

Kentridge’s characters are frequently worn out by their struggles as they relentlessly strive

towards a cure. In the animated short film Tide Table, life comes to an almost dead-stop for Soho Eckstein, the fastidious power broker and frequent protagonist. From Weighing…

and Wanting to Stereoscope, Eckstein has watched kingdoms come and go. Sometimes

he’s nearly drowned in his own tears.
켄트리지의 인물들은 자신들이 투쟁에 의해서 마모되어 있으며, 마찬가지로 그들은 집요할 정도로 치유를 갈망한다. 만화영화 기법으로 만든 단편 영화 '밀물썰물 시간표'에서 삶은 까다로운 전력 회사 중개인이며 그의 영화에 자주 주연으로 나오는 소호 에크슈타인에게는 거의 죽어버린 정류장과 같다. '무게를 달고......원하기'에서부터 '입체경'에 이를 때까지 에크슈타인은 왕국들이 오고 가는 것을 지켜본다. 때때로 그는 자신의 눈물 속에서 거의 익사할뻔 했다.
In Kentridge’s 1996 film History of the Main Complaint, Soho Eckstein is in a coma,

surrounded by doctors who multiply around him. The disease, part physical and part

political, progresses, echoing South Africa’s plight as the tycoon falls apart. Kentridge’s

characters tumble in and out of their own tragic flaws. The films, mostly done in charcoal,

are relentlessly animated with a Bolex camera, frame by frame.
1996년 제작된 켄트리지의 영화 '주요 불만의 역사'에서 소호 에크슈타인은 혼수상태에 빠져있고, 그의 주변에서 증식을 하는 의사들에 둘러 싸여 있다. 부분적으로는 육체적이고 부분적으로는 정치적인 질병, 실업계의 거물이 쓰러져서 부서질 때 남아프리카 공화국의 곤경을 반영하고 있는 진보.켄트리지의 인물들은 자신들의 비극적 흠결 속에서 비틀거리거나 그것에서 가까스로 벗어난다. 대부분 목탄화로 그려진 영화들은 집요할 정도로 한 장씩 한 장씩 볼렉스 카메라로 찍어서 만들어진다.

As part of an ongoing series of conversations, I talked with William Kentridge moments

before his trip to Berlin from his Johannesburg studio. Straddling film, theater and opera,

Black Box/Chambre Noire takes as its historical start the 1904 massacre of the Hereros

in the former German colony of Namibia.

연속적으로 진행되는 대화의 한 부분으로 나는 요한네스버크 작업실에서 베를린으로 여행을 하기 전에 윌리엄 켄트리지와 함께 몇 가지 주제에 대해 이야기를 나누었다. 영화, 연극 그리고 오페라를 차용하고 있는 '블랙 박스/샹브르 누와르'는 이전 독일 식민지였던 나미비아에서 1904년 헤레로들이 학살된 것을 역사적 출발점으로 삼고 있다.

Cheryl Kaplan: Your drawings for "Black Box" reference theater, film, photography, opera, and a vaudeville act.

카를란: '블랙 박스'를 제작하기 위해 그린 당신의 밑그림은 연극, 영화, 사진, 오페라 그리고 보드빌 행위를 참조로 하고 있더군요.

William Kentridge: The films in general are drawings in four dimensions. Sometimes

a drawing starts as two-dimensional, and then it becomes a painted backdrop as in

Black Box for the Deutsche Guggenheim. There are projections on flat surfaces moving

through time, where a flat backdrop becomes animated. The logic and way of working has

to do with drawing. I extrapolate outwards into filmmaking or theater. I’m interested in how

cinema and the further development of photography coincide. Black Box references the

black box of the theater, a space for experimenting, the chambre noir – the space between

the lens and the camera’s eyepiece – and the black box as a recorder of disasters in

airplanes. A black box miniature theater is an optical toy that is a forerunner of cinema.

Instead of having actors on stage, it’s about seeing a child’s miniature toy theater and

its machinery moving. Formally, the Black Box has something to do with vaudeville,

which, in the 1890s, provided one of the transitions to movies.
켄트리지: 일반적으로 영화는 4차원으로 그려지죠. 때때로 밑그림은 2차원적으로 시작되죠 그러다가 그것은 독일 구겐하임 미술관에 전시될 '블랙 박스'에서처럼 그려진 배경막이 되기도 합니다. 시간 속을 통과해서 움직이는 평면에 투영된 모습들이 존재하죠, 반면에 평평한 배경막은 만화 영화 기법으로 만들어지죠. 그 논리와 작업 방식은 밑그림과 관련이 있어요. 나는 영화를 만들거나 연극 쪽으로 발산하죠. 나는 영화와 사진의 지속적 발전이 어떻게 공존할 것인지에 관심이 많아요. '블랙 박스'는 연극의 암실, 실험을 위한 공간, 샹브르 누와르를-대물 렌즈와 접안렌즈 사이의 공간- 참조하고 있어요. 그리고 비행기의 재난 기록장치인 블랙 박스이기도 하죠. 블랙 박스로 축소된 모형 연극은 시각적 장난감이었으며 영화의 전단계였죠. 배우들을 무대 위헤서 연기하게 하는 대신에, 아이들을 위한 축소 인형극과 움직이는 기계 장치는 보기 위한 것이죠. 형식적으로 '블랙 박스'는 보드빌 형식과 어떤 연관이 있습니다, 보드빌은 1890년대에 변화되어서 영화가 되는 한 측면을 제공했었죠.


How did you prepare for the Deutsche Guggenheim commission?
독일 구겐하임의 위탁 작업을 어떻게 준비하셨나요?


The preparatory work happened over two years of working on the opera I’ve done of Mozart’s Magic Flute using a 1:10 scale model of the set, working with projections and models of

figures on a miniature scale. The Magic Flute is about the Enlightenment and its limits

and those not eligible for it, like Papageno and Monostatos. Mozart’s Magic Flute was first performed in 1791 – and about a hundred years later, the Enlightenment appeared in the

form of the colonization of Africa. At the Berlin Conference of 1884, Africa was partitioned;

that was seen as an Enlightenment project, bringing lightness to the dark continent. I’m

looking at German colonization in reference to Namibia for the exhibition. I went there to

look at the place where there was a great massacre of the Herero by the Germans

from 1904-1907. Some of that archival material and footage shot in the mountain where the genocide began is in the final piece.


준비 작업은 1:10비율로 만든 무대 장치의 모형을 사용하서 모차르트의 요술 피리로부터 만든 오페라 작업을 하고, 축소 모형에 투사를 하고 인물들의 모형을 갖고 작업을 한 2년 이상의 세월 동안에 이루어졌어요. '요술 피리'는 계몽 그리고 계몽의 한계, 그리고 파파게노와 모노스타토스와 같이 계몽에 어울리지 않는 사람들에 관한 오페라죠. 모차르트의 '요술 피리'는 1791년 초연되었으며, 약 100년 후에 계몽은 아프리카의 식민화라는 형태로 드러났어요. 1884년 열린 베를린 회의에서 아프르카는 분할되었으며, 그것은 어둠의 대륙에 빛을 가져다 주는 계몽 계획으로 간주되었죠. 나는 전시회를 위해서 나미비아와 연관된 독일의 식민화를 고찰하고 있어요. 1904-1907년까지 독일인들에 의해서 자행된 헤레로 대학살이 있었던 장소를 보기 위해서 그곳으로 갔었죠. 기록 문서 몇몇과 학살이 시작된 산악에서 찍은 피트 길이정도의 장면은 마지막 부분에 있습니다.


Was there archival footage of the genocide?
학살을 기록하고 있는 촬영 필름이 있나요?


No, but there are copies of archival photographs and documents as well as footage of

the mountain I shot with a video camera a month ago. It’s a sequence of a Herero woman

walking through this landscape. Namibia is extremely dry, but this is a lush part. I had also seen footage of a rhinoceros hunt in Cameroon from 1912 in an archive in Berlin. one of the original impulses was a re-examination of the Magic Flute, but that rhinoceros hunt also

stayed a key element. At the site where the battle first happened, the Hereros,

in anticipation of the attack, retreated with their families and cattle to a mountain where

there was water, called Waterberg. They waited there for the attack. The German forces

fought under General Lothar von Trotha and the Herero forces under Samuel Manharero.

The Germans took months getting ready, building railway lines, and then a great battle

took place. The Hereros were driven into the desert where most of them died of thirst,

ambushed at water holes. 85% perished in three years. The site is now a national park

in Namibia. At the bottom of the mountain, there’s a German war cemetery where 23

German soldiers are buried. It’s well maintained with a visitor’s book, where German

tourists write thing like: "thanks for keeping such good care of the graves" and "please

can there be no more wars in our times and you do such honor to these people."

In the campsite dining room there are photographs of the Kaiser and his wife and of German troops, but nowhere is there any word of what happened there. It’s as if you had Auschwitz and a few Germans who died of dysentery while they were working there and then had

a sign where they were buried, but not a word else about what happened in Auschwitz.


없습니다만, 기록 사진 복사본과 내가 한 달 전에 비디오 카메라로 찍은 산악의 피트 단위의 기록 영화들이 있습니다. 이곳 풍경 속을 지나가는 헤레로 여인의 모습을 연속으로 찍은 장면입니다. 나미비아는 극도로 건조하지만, 이곳은 풀이 많이 난 지역이죠. 나는 또한 베를린 문서 보관소에서 1912년 카메룬에서 이루어진 무소 사냥을 기록한 필름을 보았습니다. 원래의 충동 중 하나는 '요술 피리'를 재점검하는 것이었지만, 무소 사냥은 주요 요소로 남았어요. 전투가 처음으로 벌어진 곳에서 헤레로들은 공격을 예감하고서 가족들과 소들을 끌고 물이 있는 산으로, 워터베르크로 알려진 곳으로 퇴각을 했었죠. 그곳에서 그들은 공격을 기다렸어요. 독일군은 로타 폰 트로타 지휘 아래 싸웠으며 헤레로들은 사물에 만하레로 밑에 있었죠. 독일인들은 준비를 하고, 선로를 깔면서 몇 달을 보냈습니다. 그리고 나서 커다란 전투가 벌어졌어요. 헤레로들은 사막으로 내몰렸고 그곳에서 대부분의 사람들이 갈증으로 죽었으며, 물 구덩이에서 습겯을 받았어요. 85%가 3년만에 사라졌어요. 이 장소가 지금은 나미비아에서 국립공원이 되어 있어요. 산 기슭에는 23명의 독일 병사들이 묻혀있는 독일 전사자 묘지가 있었죠. 방명록과 함께 잘 보존되어있어요. 방명록에 독일 관광객들은 다음과 같이 기록을 했죠 "무덤을 이처럼 훌륭하게 보존한 것에 대해서 고맙게 여깁니다" 그리고 "우리 시대에 더 이상 전쟁이 없도록 해주시고 이 사람들에게 명예가 될만한 일을 하라" 야영장의 식당에는 황제와 그의 부인 그리고 독일 군대의 사진들이 있지만, 어디에도 그곳에서 일어난 일에 대한 언급은 찾아 볼 수 없어요. 그것은 마치 아우슈비츠에서 일을 하는 동안 이질로 죽은 몇명의 독일인들이 있었으며 그들이 묻힌 곳의 표시가 되어 있지만 당신이 아우슈비츠에서 무슨 일이 일어났는지에 대해서 단 한마디도 말도 듣지 못하게 되는 것과 같은 것이죠.


Did the Hereros disappear entirely?
헤레로들이 완전히 사라졌나요?


The population went from 85,000 to 15,000. This was when theories of racial genetics got

going with Kaiser Wilhem’s Institute for Physical Anthropology in Berlin. Decapitated

heads were sent there to be measured and cleaned, charting the ethnology of the skulls.

This links the Herero of 1904 with the genocides of the 20th century. I had archival images

of those heads that were sent to Berlin and references to the measuring of skulls. There’s

a character in Black Box whose main job is to measure skulls.
인구는 8만 오천에서 일만 오천으로 줄어들었어요. 종족 유전학의 이론들이 베를린 카이저 빌헬름 신체 인류학 연구소와 함께 유행하던 시기였죠. 목이 잘린 머리들이 그곳으로 보내져서 측정되고 정리되었으며, 두개골의 종족학으로 정리되었죠. 이것이 1904년의 헤레로들을 20세기의 학살들과 연관을 시키는 점이죠. 나는 베를린으로 보내진 머리들의 기록 형상과 두개골을 잰 관련자료들을 가지고 있스빈다. '블랙 박스'에서는 한 인물이 나오죠 그의 직업은 두개골을 측정하는 것이죠.

Are there still six characters?
여전히 6명의 인물들이 있나요?


The six characters are a Megaphone man who’s the narrator; a transparent Herero woman

defined by the head-dress: she’s actually a spring with a piece of transparent gauze on her head. A mechanical running man: a cut-out piece of paper that runs; a pair of dividers,

that’s the measuring arm, measuring skulls and geography; an exploding skull that makes a brief appearance; and a second Herero woman based on a German postal scale from

1905, a scale for weighing letters.

여섯 인물들은 일종의 대변인이고 해설자죠. 머리 장식물에 의해서 정의된 투명한 헤레로 여인. 그녀는 실제로는 머리에 투명한 천 조각을 한 샘이죠. 태엽으로 작동되는 달리는 남자, 달리는 종이에서 떼어낸 조각, 분할기 1대, 그것은 팔과 두개골을 측정하는 장치죠. 잠간 모습을 보이는 폭발하는 두개골. 그리고 1905년 독일 우체국의 저울, 편지의 무게를 재는데 사용된 저울 위에 놓쳐진 두 번째 헤레로 여인

Your characters often fall into traps and then spend the rest of the film overcoming

obstacles. Are these obstacles purposeful or random?
당신의 인물들은 종종 올가미에 걸려들고 장애물을 벗어나느라고 나머지 영화에서 시간을 보내죠. 이런 장애들은 고의적인 것인가요 아니면 우연인가요?

They’re not scripted, they emerge from one drawing to the next. In Stereoscope, the

question of living in a full room and an empty room was going to be the starting point.

It became the entire film.

대본에 없었던 것이죠. 그것들은 한 장 한 장 밑그림을 그리면서 생겨난 것입니다. '요술경'에서, 보름달과 빈 방에서 사는 문제가 출발점이 될 예정이었죠. 영화 전체가 그것으로 이루어져 버렸어요.

Did your relationship to the "Magic Flute" change as you got closer to the specifics of

the "Black Box"?

당신이 '블랙 박스'의 특수한 점에 더 가까이 다가갔을 때, 요술'피리'에 대해서 당신이 지니고 있던 관계가 변화되었나요?

No, but there’s a deconstruction of the music used for the hunting and shooting scene of

the rhinoceros. The music is Sarastro’s aria, "In these holy halls, there is no vengeance

taken." There’s only benevolence and goodness. The irony of those words is that it’s taken

from the recording sung and applauded in Berlin in 1937; the gulf between those words and

reality is profound. That’s a common enlightenment problem: the gap between the words

and the authoritarianism that goes with it. In Black Box there’s a sequence of two men

beating each other or a third object based on postcards the Germans made and sent home of people being whipped, a prurient violence assumed to be a thrill that wasn’t hidden away. The mechanical figures are based on those postcards.

아니요, 하지만 무소를 사냥하고 쏘아죽이는 장면에 사용된 음악의 파괴가 있어요. 그 음악은 사라스트로스의 아리아, "이 거룩한 전당에서 어떤 앙갚음도 벌어지지 않았다"였죠. 자비와 선의만이 있죠. 이 말이 지닌 반어적 의미는 그 노래가 1937년 베를린에서 찬사를 받으면서 불려졌던 노래의 녹음에서 취해진 것이라는 것이죠. 말과 현실 사이의 격차는 깊어요. 그것이 계몽의 공통적 문제점이죠. 말과 그것에 딸려 있는 권위주의 사이의 간극. '블랙 박스'에서는 서로 치고받는 두 남자 혹은 독일인들이 만들어서 집으로 보낸 채찍질 당하는 사람의 모습을 담은 우편 엽서에 놓여진 제 3의 물체가나오는 연속 장면이 있어요, 감추어지지 않는 전율이라고 간주되는 노골적인 폭력. 태엽으로 작동되는 인물은 이런 엽서 위에 세워져 있어요.

What did your research reveal that you didn’t know at the start?

당신의 조사가 처음에는 알지 못했던 어떤 것을 드러내주었나요?

The big thing was the invisibility of the story in Namibia. It would be very hard to imagine our relationship and the history of WWII in the absence of records, books, writings, films,

memorials, museums, debates. Those are absent here, though not completely.

I by no means am the first person to look at this material. My ongoing interest is the

question of Enlightenment and Colonialism, it’s a very current question in the world today.

The Kaiser wiped out a whole population for the sake of Germany’s honor. Those questions are not so far from us still.
대단한 것은 나미비아에서 이 이야기가 거의 눈에 띠지 않는 다는 것입니다. 기록문서, 책, 저작, 영화, 회고록, 박물관, 논쟁이 없는 상황에서 2차 세계 대전의 관계와 역사를 상상하는 것을 상당히 어려울 겁니다. 이 곳에는 전적이라고 할 수는 없지만, 자료들이 없어요. 제가 이 자료를 본 첫 번째 사람이 아니죠. 나의 지속적 관심은 계몽과 식민주의의 문제입니다, 그것은 현재 전 세계에서 긴급한 문제죠. 독일 황제는 독일의 영광을 위해서 인구 전체를 일소해버렸어요. 그런 질문은 우리로부터 그리 멀리 떨어져 있는 것이 아닙니다.

What’s the role of elegy, of the act of mourning and reflection, in your films and drawings?

비애, 애도와 반성의 행위가 당신의 영화와 밑그림에서 어떤 역할을 하죠?

There was a term someone introduced to me that I’ve kept in my head for Black Box,

it’s the word Trauerarbeit – the work of mourning. Freud writes about that in 1917

in Mourning and Melancholy.

누군가가 제게 소개해준 단어가 있어요, 저는 그것을 블랙 박스를 만들면서 내내 머리 속에 담고 있었어요. 그것은 트라우어아르바이트(Trauerarbeit=슬픔에 대한 심리적 대처), 애도의 행위를 의미하는 단어죠. 프로이트는 1917년 '슬픔과 멜랑콜리'에서 그것에 관해서 썼죠

Freud talks about how memory compares to reality and what it takes to arrive at an

objective view once the lost object is actually gone. It’s a process of detachment and

de-vesting.
프로이트는 어떻게 기억이 현실과 비교를 하고 잊혀진 사물이 실제로 사라지게 되면 객관적 인식에 도달하기 위해서 무엇이 필요한가에 관해서 썼죠. 그것은 떼어내고 드러내는 과정이죠.
A Trauerarbeit machine on stage could turn, and things would come out of it.

무대 위에 올려진 슬픔에 대한 심리적 대처 기계는 돌아갈 수 있고 어떤 것들이 그것에서부터 생겨날 수 있죠.

 

현대미술의 중심 유럽에서 만난 거장들 <중> 얀 파브르의 '생명'

'21세기의 다빈치', 신체의 아름다움을 천착하다

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  • 안트베르 동물원에 설치된 작가의 거북이 브론즈 작품.
    - '파브르 곤충기' 저자 증손자이자
    - 안무가·화가· 작가 등 '통섭 예술인'

    - 맥주병공장 개조 광활한 작업실서
    - 인생의 덧없음 등 주제 엿보이는
    - 인간 '뇌' 소재 브론즈작품 준비중

    맥주는 무조건 '독일 맥주'라고 생각한다면, 천만의 말씀. 전 세계에서 가장 다양하고 특색있는 맥주를 생산하는 나라, 맥주 브랜드만도 500개가 넘는 맥주 생산국, 벨기에를 모르고 하는 말이다. 초콜릿과 와플은 물론 맥주와 중세의 찬란한 유적까지 간직한 벨기에 북부의 항구도시 안트베르펜. 소설 '플란더스의 개'로 유명한 이 도시에 얀 파브르(54)의 아틀리에가 있다.

    벨기에 안트베르펜 아틀리에 앞에서 포즈를 잡고 있는 얀 파브르 작가. 임은정 기자
    최근 국내 첫 전시(9월 5일~10월20일)를 부산에서 개최하면서 눈길을 끈 얀 파브르는 '파브르 곤충기'의 저자 장 앙리 파브르의 증손자다. 벨기에 출신의 유명 안무가이면서 화가, 공연기획자, 연극 연출가, 디자이너 등 '통섭 예술가(Consilience)'인 그는 오늘날 가장 주목받는 현대 작가 중 한 명이기도 하다. 2007년과 2009년 베니스비엔날레에서 그의 작품이 전시됐다.

    지난 14일(현지 시각) 얀 파브르를 만났다. 육중한 검은색 철문을 열고 들어선 아틀리에는 상당히 컸다. 콘크리트 구조의 4층 건물로 연면적은 무려 1만6000㎡. 작업실 가운데는 1층부터 4층까지 텅 비어 있었고, 그의 대표작인 녹색 비단벌레(딱정벌레의 일종) 날개로 제작된 거대한 입체작품 두 점이 바닥에 놓여 있었다.

    청바지와 청자켓을 입은 얀 파브르는 특유의 호탕한 웃음을 지으며, "언론에 아틀리에를 공개하기는 처음"이라며 사적 공간의 촬영은 자제해줄 것을 당부했다. 한국에서 가져간 영자 신문에서 가수 싸이의 사진을 보자 "오, 강남 스타일!"하며 어깨를 들썩이는 장난기도 보였다. 근황을 묻자 "최근 브뤼셀(벨기에 수도) 왕립미술관에서 전시회를 열었고, 안트베르펜 동물원에 브론즈 작품 4개를 재설치했다"고 답했다. 안트베르펜 출생으로 인근 작은 작업장에서 이곳으로 이사온 지 1년쯤 됐다는 작가는 "예전의 맥주병 공장을 리모델링했다. 스펙터클한 작업은 물론 저장과 그림 그리기, 조각 등이 모두 가능하다"며 만족감을 표했다. 숙소를 안트베르펜이 아닌 브뤼셀에 잡았다는 말에 서운함을 내비친 그는 고향에 대한 남다른 사랑을 과시했다.

    전시 포스터.
    본격적인 작업실 탐방이 이어졌다. 건물 입구에는 그의 대표작인 '뇌(腦)' 작품(레진 소재)들이 놓여 있었다. 화살에 맞은 뇌, 망치가 뇌에 못을 박고 있는 모습, 뇌에 삽질을 하는 인간 형상 등 다양했다. 적나라한 인간 뇌를 직접 꺼내 보인 느낌이었다. 미술 전문잡지('Art in Culture')에서 스테판 헤르트만스 전 크롤러뮐러미술관 관장은 "파브르의 작품에서 몸은 작업의 모든 결정을 위한 측정기준이다. 공간 안무 작품과 미술관 공간 간의 관계, 이들은 모두 미를 위한 척도로 이해되는 인간의 신체에 근거한다. 파브르 작업에 등장하는 어떤 종류의 아름다움도 결국 인간성(그리고 그 한계)에 대한 생각에 토대를 두고 있다"고 평했다.

    또다른 방으로 들어서자 다음 달 3일부터 벨기에의 크노커에서 전시할 신작 '뇌'작품들이 있었다. 22개 브론즈 작품과 브론즈 작품의 틀인 왁스 11점을 전시할 예정이라고 했다. 뇌 위에 '생명의 나무'를 꽃 피우거나, 본인의 얼굴 18개를 다양한 표정(화 내거나 월계관을 쓴 모습 등)으로 만든 자화상 시리즈(챕터·Chapter)를 선보였다. 다양한 사슴뿔과 찡그린 표정의 두상이 있었고, 젊은 파브르와 미래의 나이 든 파브르도 있었다. 작가는 자화상을 통해 시간과 생명, 죽음에 대해 끊임없이 생각하고 있었다. 어린시절 할아버지의 영향으로 자연과 인간, 곤충의 매력에 빠져들면서 얻은 성찰이 생명의 탄생과 소멸, 인생의 덧없음 등으로 작품에 묻어나는 듯했다. 작가의 얼굴을 한 브론즈가 긴 혀를 내민 전시 포스터도 눈길을 끌었다.

    지난 18~21일 프랑스 파리에서 열린 피악 아트페어에 소개된 뇌 작품.
    작업실 소개가 끝나자 작가는 자신의 작품이 전시된 안트베르펜 중앙역 옆 동물원으로 안내했다. "유럽에서 가장 유명한 동물원"이라고 말한 파브르는 입구 기둥 양쪽에 모자이크된 두 마리 거북이를 가리켰다. 본인이 키웠던 거북이 야네케(JANNEKE·수컷)와 미에케(MIEKE·암컷)를 소재로 했다며 "모자이크계의 롤스로이스(가장 값비싼 작품)"라고 으쓱댔다. 공원 한 가운데에 브론즈로 된 두 거북이 역시 그의 작품이다. 공원 곳곳에서 만난 관광객들이 작가에게 눈인사를 건네며 친밀감을 표시했다.

    이날 방문에서 뜻밖의 수확도 얻었다. 파브르가 연출한 연극 공연을 감상할 수 있었기 때문이다. 자신의 조각 작품 중 하나인 '구름을 측정하는 사람(건물 옥상에서 두 팔을 벌리고 구름을 측정하는 인물상)'이 놓인 건물에서 공연한 이 작품은 1984년에 초연됐으며, '연극적인 미친 힘'을 보여주었다.

    공연은 장장 4시간 15분 동안 쉬는 시간 없이 진행됐다. 30여 분간 무대 위에서 전속력으로 달리거나(숨을 고르는 5분여 동안 배우들이 직접 담배를 피우기도 함) 남자 배우가 여자 배우를 들었다 놓는 과정을 수십 번씩 반복하게 하는 등, 배우들은 관객들과 시·공간을 함께하며 극한 한계 속으로 들고 났다. 스테판 헤르트만스의 평처럼 "인간(신체)의 한계"를 여실히 드러낸 파브르 특유의 작품이었다. 지난 전시에서 부산에 대한 좋은 인상을 남긴 파브르는 내년 하반기에 드로잉 작품, 2014년엔 조각 작품으로 다시 부산을 찾을 예정이다.

     

     

     Seoul Live Music Festa Vol.15 [R.I.P Kurt Cobain]

    모두들 고맙다. 너무 불안정하고 침울한 나 자신에게 열정이란 더 이상 없는지 모르겠다.
    기억해 주길 바란다. 천천히 사라져 버리기 보다는 한꺼번에 타버리는 것이 낫다는 것을...
    - 커트 코베인


    1994년 4월 5일은 사라지지 않는 전설, 젊음의 오피니언 너바나의 리더 커트 코베인의 사망소식은 전세계 음악팬들을 충격에 빠뜨렸다.
    순수하게 음악 자체를 좋아하고, 그럼 음악을 할 수 있어서 열정적인 삶을 살았던, 그럼에도 불구하고 결코 거만하거나 자만하지 않았던 커트 코베인.

    우린 순수한 음악을 추구한다. 또 자유를 추구한다.
    특정한 장르나 사운에 얽매이지 않는 바로 음악에 있어서의 자유다.
    - 커트 코베인


    커트 코베인이 속한 너바나는 1989년 데뷔작 [Bleach]를 내놓고 씬에서 호평 받기 시작, 1991년 역사상 가장 중요한 록 앨범 중 한 장으로 언급 되는 걸작 [Nevermind]를 발표한다.
    당시 팝의 주류음악계를 지배하고 있을 무렵, 너바나의 등장은 '주류 속의 비주류' '질서 속의 무질서' 표방한 새로운 세대의 음악이라 일컫어지는 ‘얼터너티브 록’의 시대의 포문을 열어주었다.
    그리하여 빌보드 1위곡인 마이클 잭슨의 'Dangerous'의 자리마저 빼앗으며 많은 이들이 폭발적인 동의로 답을 했고 너바나는 그에 걸맞은 가공할 성공을 거두었다.

     

     

    공장에도, 실험실에도 … 미술은 어디에나 있다

    [중앙일보]입력 2012.06.14 00:32 / 수정 2012.06.14 00:46

    [2012 세계 미술을 말하다] 독일 카셀 도쿠멘타 현장 ③

    프랑스 미술가 카더 아티아(42)의 설치 ‘서구 혹은 그걸 넘어선 문화로부터의 수리(repair)’를 관람객들이 살펴보고 있다. 알제리 이민자 2세인 그는 두 문화 사이의 간극을 가로지르는 작업을 해 왔다. 장르·장소·시대를 가로지르는 것, 바로 제13회 카셀 도쿠멘타가 보여주는 야심이다. 9월 16일까지 100일간 열려 ‘100일의 미술관’이라고도 불린다. [카셀(독일)=AP 연합뉴스]

    #1. 중국 미술가 얀 레이(47)는 중국 공장에서 ‘생산’한 360점의 그림을 도쿠멘타 할레 전시장 한 방 가득 설치했다. 전시기간 중 그는 이 그림을 하루 서너 점씩 떼어 인근 폴크스바겐 자동차 공장에 가져가 공업용 도료로 반질반질하게 칠한 뒤 다시 건다. 100일간 이 작업을 반복, 마지막엔 딱 한 점만 남긴다. 제목은 ‘한정된 예술 프로젝트(Limited Art Project)’. 굴뚝공장도 미술이 될 수 있다는 웅변이다.

     #2. 오스트리아 빈 대학 안톤 자일링거(67) 교수. 1997년 세계 최초로 양자 원격이동(Quantum Teleportation)을 성공시킨 노벨 물리학상 후보다. 그는 카셀 도쿠멘타 주전시장인 프리데리시아눔 미술관(Museum Fridericianum)에 칠판을 걸어 자신의 이론을 가득 적고, 실험 기기를 작동시켰다. “양자 이론은 수학적 아름다움에 대한 얘기”라는 구절도 눈에 띄었다. 그의 ‘작품’ 앞엔 관람객이 북적댔다.

    중국 미술가 얀 레이의 ‘한정된 예술 프로젝트’. 마오쩌둥 초상화 등 각종 이미지를 중국의 ‘그림공장’에서 그려왔다. [카셀=권근영 기자]
     미술에 대한 고정관념이 깨졌다. 장르도, 장소도, 시대도 중요치 않았다. 이제 미술은 더 이상 화가·조각가의 전유물이 아니었다. 생물학자·물리학자들도 참여해 자신의 이론을 미술처럼 가시화했다. 미술이란, 그리고 전시란 궁극적으로 지식이 어디서 비롯했는지, 세계는 어떻게 가시화할 수 있는지를 보여주는 모양새였다.

     당대의 최신 미술을 보여주는 독일 카셀 도쿠멘타가 9일 시작됐다. 살바도르 달리(1904∼89)나 만 레이(1890∼1976) 등 작고 미술가의 작품뿐 아니라 기원전 3세기 중앙아시아의 돌조각 여인상도 함께 전시됐다. 인간은 어디서 왔는가를 살필 때, 서구 중심의 세계관은 더 이상 유효하지 않음을 보여주고자 한 시도였다.

     레바논 내전(1975∼90) 때 파괴된 베이루트 국립박물관의 소장품도 나와 미술과 사회와의 긴밀한 연관성을 입증했다. 참여 작가를 100명 이내로 압축했던 예년에 비해 55개국, 150명으로 늘려 지구촌의 오늘을 담으려 했다.

     해서 미술은 어디에나 있었다. 주최측은 전시장도 카셀 곳곳으로 확장했다. 18세기 말 지은 주전시장 프리데리시아눔을 중심으로 공원, 옛 나치 수용소, 벙커 등 곳곳에서 작품을 볼 수 있었다. 일상의 모든 곳이 갤러리인 셈이다. 물리·천문 박물관의 플라네타륨에선 과거와 현재, 인간과 우주에 대한 미디어 아트가 상영됐다.

     근현대미술관에선 기존의 회화 전시와 ‘현대미술의 첨단’을 달리는 도쿠멘타가 어우러졌다. 총감독 캐롤린 크리스토프-바카기예프(52)는 “전시를 관통하는 하나의 주제도, 작가 선정 기준도 없다. 나는 작가를 선정(select)한 게 아니라 모았다(aggregate)”며 “제13회 도쿠멘타가 예술·과학 그리고 세상을 한데 모은 담론의 장이 되길 바란다”고 말했다. 뉴욕 현대미술관(MoMA)의 정도련 큐레이터는 “이번 도쿠멘타는 ‘지식이 어떻게 생산되는가’를 보여준 향연이었다. 다른 분야, 다른 시간을 한데 모아 세상을 보여주겠다는 흥미롭고 야심 찬 시도였다”고 평했다.

     이번 도쿠멘타 예산은 210억원. 전시에 참여한 설치미술가 양혜규는 “미술이야말로 궁극의 럭셔리인지도 모른다. 베니스 비엔날레에 참여할 때도 그랬지만, 이 많은 거대한 작업들이 전시가 끝나면 여기서 철수한다”고 말했다. 세계 최고 권위의 현대미술제인 이번 카셀 도쿠멘타는 향후 5년간의 미술담론, 세계 지성 담론에 영향을 미치게 된다.

    <끝> 카셀(독일)=권근영 기자

    ◆카셀 도쿠멘타=1955년 시작된 세계적 현대미술 축제. 초반에는 4년, 이후 5년마다 열렸다. 예술의 사회적 역할에 대해 근원적 질문을 던진다는 취지의 행사. 도쿠멘타는 모던 아트의 기록(documentation)이라는 뜻에서 명명됐다.

     

     

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    응원 넘 고맙습니다. 제 남동생과 병원얘기는 나중에 마저 드릴게요. 지금은 차분히 한그루 사과나무를 심으며
    이땅의 평화를 위해 우리의 뜨거운 기도가 필요한 때네요.

    이틀전 큰 화분에 사과나무를 심기는 했어요.^_
    우리의 연약함을 나누고 함께 기도했으면 합니다.
    종파 구별없이요. 저는 철학으로서 불교도 참 좋아합니다. and
    ... 성경말씀중에 "피차 사랑하라"라는 말을 참 좋아합니다.
    "사랑은 모든 것을 덮어주고 모든 것을 믿으며 모든 것을 바라고 모든 것을 견디어냅니다.- 코린 13.7
    "평화와 서로의 성장에 도움이 되는 일에 힘을 쏟읍시다"-로마 14.19
    제게 신앙은 어떤 어려운 때라도
    삶의 목표나 방향을 일깨워주곤 했어요. 17년전에 쓴 제 시 한편 보시고, 잠잠히 사과나무 심으시면서 평화로우시길요

    황혼의 기도 1
    -신현림<세기말 블루스>에서


    기도한다는 것은 미신도 아니며
    하느님에게만 의지하는 것도 아니다
    오로지 그지없는 연약함과
    서러움을 지닌 인간으로 돌아가는 것이다
    -소노 아야꼬



    더는 살아낼 수가 없을 것 같아
    홀로 찬밥에 김치를 얹어 먹는 저녁
    보잘것 없는 지팡이처럼 말라서
    서서히 중년으로 가고 있다
    가죽보다 질긴 가난은 더욱 춥게 만들고
    당신을 부르는 내 입은 자꾸 헛소리를 한다
    검은 유리창에 비친 나는 유령같아
    이 허기, 쓸쓸함을 더는 견딜 수 없을 것 같아

    깊은 우물 환한 두레박 내려 깨우듯
    내게 손을 내미소서 남의 슬픔을 듣게 하소서
    가을 바람에 단풍나무 불붙듯
    힘없는 마음에 불을 지르소서
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    사진: 관심과 응원 넘 고맙습니다. 제 남동생과 병원얘기는 나중에 마저 드릴게요. 지금은 차분히 한그루 사과나무를 심으며
이땅의 평화를 위해 우리의 뜨거운 기도가 필요한 때네요.

이틀전 큰 화분에 사과나무를 심기는 했어요.^_
우리의 연약함을 나누고 함께 기도했으면 합니다.
종파 구별없이요. 저는 철학으로서 불교도 참 좋아합니다. and
성경말씀중에 "피차 사랑하라"라는 말을 참 좋아합니다.
"사랑은 모든 것을 덮어주고 모든 것을 믿으며 모든 것을 바라고 모든 것을 견디어냅니다.- 코린 13.7
"평화와 서로의 성장에 도움이 되는 일에 힘을 쏟읍시다"-로마 14.19
제게 신앙은 어떤 어려운 때라도 
삶의 목표나 방향을 일깨워주곤 했어요. 17년전에 쓴 제 시 한편 보시고, 잠잠히 사과나무 심으시면서 평화로우시길요

  황혼의 기도 1
                    -신현림<세기말 블루스>에서

                     
                                  기도한다는 것은 미신도 아니며
                         하느님에게만 의지하는 것도 아니다                   
                                       오로지 그지없는 연약함과
                      서러움을 지닌 인간으로 돌아가는 것이다
                                                               -소노 아야꼬



더는 살아낼 수가 없을 것 같아
홀로 찬밥에 김치를 얹어 먹는 저녁
보잘것 없는 지팡이처럼 말라서
서서히 중년으로 가고 있다
가죽보다 질긴 가난은 더욱 춥게 만들고
당신을 부르는 내 입은 자꾸 헛소리를 한다
검은 유리창에 비친 나는 유령같아
이 허기, 쓸쓸함을 더는 견딜 수 없을 것 같아

깊은 우물 환한 두레박 내려 깨우듯
내게 손을 내미소서 남의 슬픔을 듣게 하소서
가을 바람에 단풍나무 불붙듯
힘없는 마음에 불을 지르소서
    •  
    • 신현림 화분에 심은 사과나무가 어떻게 자랄지 궁금하네요./퐁피두미술관 앞 아델인가? 하는 작가의 작품, 다툼이란 상징이 많은 생각을 떠올리게 하네요. 이 땅에 평화를 주소서 연약한 우리를 보살펴 주소서.

     

     

     

     

     

     

     

    사진 한장으로 남자 마음 훔친 ‘미녀 범죄자’

     

    [서울신문 나우뉴스]"내 마음을 훔쳐간 그녀는 유죄!"

    최근 미국의 인터넷 사이트를 통해 퍼진 한 여성의 머그샷(경찰의 범인 식별용 얼굴 사진)이 뭇 남성들의 뜨거운 인기를 얻고 있다. 

    사진 한장으로 남성들의 마음을 홀린 화제의 주인공은 미국 플로리다 제피어힐스에 사는 메간 시몬스(27). 그녀는 지난 2010년 음주운전 혐의로 체포돼 오렌지색 죄수복을 입고 머그샷을 찍었다.

    머그샷은 일반 사진과는 달리 특별한 촬영 기술을 동원하거나 가공을 하지 않아 적나라한 외모를 드러내지만 그녀의 사진은 그냥 찍어도 '작품'이었다. 이 사진은 뒤늦게 소셜네트워크 사이트를 통해 퍼졌고 남성들의 구애가 이어졌다.

    남성 네티즌들은 시몬스에게 '매력적인 죄수'라는 별명을 붙이며 "전화번호를 알고싶다." , "내 마음을 훔쳐간 죄인" , "미국 전체 주에서 지명 수배해야 한다."는 글을 인터넷에 남겼다.

    하루아침에 유명세를 얻은 시몬스는 어리둥절하면서도 싫지 않은 표정이다. 시몬스는 "지난주 기자들의 전화를 받고서야 인터넷에 내 사진이 퍼진 것을 알았다." 면서 "나는 평범한 보통 사람으로 이렇게 유명해질 줄은 몰랐다."고 밝혔다.

    이어 "이 머그샷은 잘 나온 사진이 아니며 더 좋은 사진이 많다."며 웃었다.    

    한편 시몬스는 이혼 후 간호조무사로 일하며 네명의 아이를 키우고 있는 것으로 전해졌다

     

     

     

     

    사진: 페친님들의  관심과 응원,부탁드려요! 
이주노동자들에게 무료진료한 제 남동생을 얘기한 적 있지요. 
"보험도 없는 환자한테 어떻게 진료비를 받아" 했던 동생....

정신과 의사로 큰 병원을 개업했어요.
의사로서 사랑과 나눔을 실천하며 살려는 동생이 존경스러워요.
힐링이 절실한 때 남동생의 남다른 역할을 누나로서 기도하고 기대합니다.

IMF때 370여곳의 병원이 망하고 자살한 의사들도 많았던 때,  
저의 집도 그 타격과 우여곡절끝에 저승의 나날과 같던 15년동안 고통이 있었고,.. 엄마를 잃었죠. 
남동생은 결혼이후 평화를 되찾았지만, 그 이전의 삶은 
죽을 고비도 많던 드라마틱한 인생이라
"위험해서 찬란한 시간들을"이란 시를 쓰기도 했지만.....
이후 남동생은 00도립병원 과장으로 근무하다, 
이제  신동환병원"이란 자기 이름을 걸고 
요양병원이자 정신의학병원을 냈는데
우울증, 알콜중독,... 등 현대의 질병을 앓는 분들이
이 치유의 공간에서 회복되셔서
힐링장소로 자리매김되도록 많은 격려와  응원 부탁합니다
제 시 즐감하소서~ 고맙습니다.

     
  위험해서 찬란한 시간들을
                     -신현림<지루한 세상에 불타는 구두를 던져라>
  (......)
"내일을 자랑말라 하루동안 무슨 일이 일어날지 모르니"
"내일을 걱정하지 말라 근심은 오늘로써 족하느니"
    ....
지극히 위험해서 찬란한 시간들을 우리는 살고 있다
지극히 우리에게 소중한 너는 사지멀쩡히 살아났다

삶은 고통과 외로움의 유형지다 안전지대란 없다
안전지대란
매번 다시 살아야 한다는 다짐속에 있다
함께 인내하는 우리의 끈끈한 사랑속에 있다
상처를 상처로 끝내서는 안된다는 의지속에 있다
상처는 인생의 약초같은 푸른 그림자
광활한 슬픔을 통해 영혼을 얻을 것이다
깊고 넓은 새 인생의 대륙을 가야 한다
견딜 수 없는 인생의 충격과 절규를 통과해서
산 자들은 환희의 저수지를 퍼뜨리고
몸지지는 괴로움의 인두를 분질러 빛의 말뚝을 박아라

    봄빛이 살포시 와닿는 바람이 부드럽습니다.
    저는 작가회의 모임 잠시 들렀다가, 중국 기행6일후에 돌아와요. 절친 후배 최선영피디와 2년전부터 계획한 기행예요. 솔로인 두여성. 특히 멋진 그녀가 올해 좋은 남성을 만나 행복하길 빕니다. 저도 11년 솔로탈출을 꿈꿉니다. ^^
    최피디 그는 4월 순천정원박람회 영상담당 프로듀서예요. 마당을 나온 암탉 제작팀과 제작한 영상물이 자음과 모음사 책으로도 나오는데, 막바지원고 탈...고겸휴식을, 저도 늘 일싸가지고 다닙니다.
    소감은 다녀온 후에 전해드릴게요.

    <심야 시다방>연재가 2회분이 남았어요. 네이버 까페: 지농의 스토리하우스 클릭하시면 가입해 보실 수 있어요.
    *옹플뢰르 향해 그대 따라가네
    *저가당 여인 빵 터지다 .........마지막회.


    *아래 글은 <만나라, 사랑할 시간이 없다>글예요.

    여행은 일상생활에 거리를 두고 볼 여유가 생긴다.
    그 여유속에서 보지 못한 것을 보고, 듣지 못한 것을 듣는 신비한 체험을 누린다. 살아숨쉬는 만물의 소리에 귀를 기울이며 살리라.
    살결을 느끼고, 옷의 질감을 느끼고, 꽃잎과 잎사귀의 흔들림을 보고, 바람을 느끼리라. 밥알을 씹는 느낌과 흙의 감촉, 비누향기까지 모든 감각을 살려 인생의 아름다움을 다시 느껴보리라.

     

    출생: 1965년 6월 7일

    학력: 골드스미스대학교

    작품활동

    1990년 천년

    1991년 상어

    1992년 약국

    1993년 분리된 어머니와 아이



    영국의 청년작가 YBA(Young British Artist)의 대표적인 인물 데미안 허스트 Damien Hirst

    데미안 허스트는 '죽음'이라는 일관된 주제로

    충격적인 작품들과 직접적인 표현 방법으로 논란의 중심에 있는

    영국 현대미술의 거장이라고 불리는 인물입니다.


    20세기 미국으로 넘어간 현대미술의 역사를 영국으로

    되찾아 온 장본인이기도 하죠 ^^




    [데미안 허스트]


     

    (출처: thewhatwherewhen http://www.thewhatwherewhen.org/events/brian-dillon-on-damien-hirst/)



    1991년 데미안 허스트의 모습입니다.


    괴기스럽고 독특한 데미안 허스트의 작품만큼이나

    익살스러운 표정이 그의 작품 성향을 말해주고 있는 듯 합니다.

    디콘은 이 사진을 봤을 때, 너무 놀랐는데요!

    그의 옆에 놓인 사람의 얼굴너무나 사실적으로 표현되어

    마치 실제 사람의 머리처럼 보이지 않나요?

    하지만! 놀라운 사실은 저 두상은 작품이라고 해요.




    [데미안 허스트의 "신의 사랑을 위하여"]


    (출처: itsliquid http://www.itsliquid.com/featured-artist-damien-hirst.html)



    데미안 허스트의 대표작 중 <신의 사랑을 위하여>라는 작품입니다.


    실제 영국에서 살던 어느 남성의 유골로 만들어져 큰 화제가 되었어요.

    '죽음'을 상징하는 해골을 이용하여 인간의 사치와 허영심을

    대표하는 다이아몬드를 포장해 버림으로써

    인간과 죽음의 상관관계를 조망했다고 합니다.



    "인간 존재의 무상함을 형상화 했다.

    해골은 죽었다. 그럼에도 불구하고 웃고 있다."

    -데미안 허스트-




    [데미안 허스트의 "살아있는 자의 마음속에 있는 죽음의 육체적 불가능성"]


    (출처: yatzer http://yatzer.com/Tate-Modern-Damien-Hirst)



    <살아있는 자의 마음속에 있는 죽음의 육체적 불가능성>이라는 작품입니다.

    죽은 상어의 시체가 마치 살아있는 것처럼 느껴지는

    아이러니함이 모티브로 결코 죽음 끝에서 살아있음을 증명하는

    동작들을 영위할 수 없음을 의미한다고 해요.



    "처음에는 상어를 그리려다가 진짜 상어를 사용했다.

    이후 내 작품이 엄청나게 변화했다.

    상어 이후 나는 뭐든 할 수 있다는 자신감을 갖게 되었고,

    이후 작품의 아이디어도 여기(상어)에서 나왔다."

    -데미안 허스트-



    데미안 허스트는 상어 작품 이후 축산물 차용한 작품들을 꾸준하게 전개했습니다.




    [데미안 허스트의 대표작]




    (출처:A world history of art http://www.all-art.org/art_20th_century/Hirst1.html)




    포름알데히드 용액 안에 실제 동물이 절단되어 단면이 보이게끔

    유리상자에 넣어 둔 모습이 엽기적이면서 낯설게 다가옵니다.


    실제로 작품을 본다면 적나라한 동물의 내장을 볼 수 있다고 하니,

    경악하지 않을 수 없겠죠?


    '삶과 죽음, 가벼움과 무거움, 유한함과 무한함에 대한 탐구'


    표현 방법과 주제 선택에 있어서 파격적이지 않을 수 없는데요,

    디콘은 데미안 허스트의 과감성과 뭐든 할 수 있다는 자신감에

    감탄하지 않을 수 없네요! ^^





    [데미안 허스트의 "찬송가"]


     

    (출처: Bizarrebytes http://goo.gl/umRpp)



    데미안 허스트의 <찬송가 Hymn>이라는 작품입니다.


    1996년 그는 과학교재용 인체 해부모형으로

    6미터 높이의 대형 조각 작품을 만들었습니다.


    이 작품이 유명한 이유는 브론즈라는 재료와 기념비적인 크기 때문이라고 하는데요,


    사진에서도 보이는 것처럼 압도적인 크기라는 것을 알 수 있어요. ^^

    <찬송가>라는 작품은 젊은 과학자들의 해부학 모형을 그대로

    복제했다는 이유로 논란을 불러일으키기도 한 작품입니다.

    그가 영국 현대미술계에서 악동으로 유명해진 사건이기도 해요.




    [데미안 허스트의 "발륨"]


    (출처: ryanboden http://www.ryanboden.com/damien-hirst-valium-2000/)




    <발륨 valium>이라는 제목의 작품입니다.


    우울증의 치료제로 쓰이는 '발륨'이라는 알약을 모티브로 만들었어요.

    발륨이 우울증의 완충제 역할을 하지만, 심하게 중독될 경우 환각증세가 나타나고

    다량 섭취할 경우 심장박동이 느려져 사망에 이르기까지 한다고 합니다.


    데미안 허스트는 죽음의 불가항력을 신경 안정제에 쓰이는 안료의 색감을 이용해

    단순하고 독특하게 표현했습니다.


    디콘은 작품을 해석할 때 그 안에 숨은 의미와 이미지를 함께

    생각해 볼 필요가 있다는 것을 느꼈어요.

    화려하고 아름답게 보이지만 작품 안에 담긴 의미와 함께

    바라봤을 때, 역설적 표현이었다는 것을 느끼게 되는 반전의 매력이 있는 작품이죠? ^^





    [데미안 허스트의 스핀 아트와 제품들]


    (출처: itsliquid http://www.itsliquid.com/featured-artist-damien-hirst.html)

     


     

     

    (출처: STUDIO18 GALLERY http://goo.gl/d1Z7R)

    (출처: Blackbook http://goo.gl/qYbTB)


    (출처: Fashion INDIE http://fashionindie.com/damien-hirst-for-harley-davidson/)


    스핀 페인팅 기법으로 제작된 작품입니다.

    일명 '스핀 아트 Spin Art' 라고도 불리는 이 기법은

    캔버스를 빙글빙글 돌리고 거기에 물감을 던져 이미지화 하는 방식으로

    데미안 허스트가 창조했다고 해요.


     

    그의 작품들은 상품화되어 대중들에게 널리 알려지기도 했습니다.


    밝은 컬러의 매혹적인 단순함으로 표현된 스핀 페인팅이

    티셔츠와 바지, 헬멧 등 다양한 곳에 사용되었어요.


    디콘은 예술 작품으로만 볼 때와는 또 다른 매력이 느껴지는 것 같아요.

     

     

     


    [데미안 허스트]

    (출처:A world history of art http://www.all-art.org/art_20th_century/Hirst1.html)



    (출처: http://quintinlake.photoshelter.com/image/I0000NOcOu.fdgLo)

     

     

     

     

    데미안 허스트의 작품은 괴기스럽고 장난어린 작품으로

    보여지지만, 그 작품의 제목과 함께 곰곰이 생각하며 감상하면

    죽음에 대해 또는 지금 삶에 대해 고민을 하게 되는 것 같습니다.



    사람들은 죽음에 대해 많은 생각을 하고 삶에 대해 고민하게 됩니다.

    작품을 통해 자신이 생각하는 죽음에 대한

    많은 생각들을 다양한 작품으로 표현한 데미안 허스트~


    작품을 통해 전달하는 확실한 메시지와 비쥬얼 적인 컨셉으로

    많은 이슈를 불러오고, 논란이 되었지만

    그의 작품에 열광하게 되는 이유는

    누가 뭐라 해도 굽히지 않는 그만의 의지와 신념때문이지 않을까요? ^^




     

    *




    오늘 디콘은 '죽음'이라는 주제를 독창적이고 신선하게 재해석한

    아티스트 데미안 허스트에 대해 준비해 보았습니다.



    그의 작품들이 충격적이고 엽기적인 것은 사실이지만,

    디콘은 데미안 허스트의 작품들을 살펴 보면서

    무겁고 어려운 주제를 단순하고 가장 효과적으로 잘 표현했다는 생각을 했습니다.


    여러분들은 어떻게 보셨나요? ^^

    디콘은 데미안 허스트를 통해서 과감한 도전정신과 자신감을

    배울 수 있는 좋은 기회였어요!!


    오늘부터 새롭고 크리에이티브한 생각을 가지고

    과감하게 도전하는 자신감 넘치는 여러분들이 되시길 바라면서

    이상 디콘이었습니다.

     

     


    쉬린 네샤트 Shirin Neshat

    영화와 비디오, 사진 작업으로 알려진 쉬린 네샤트는 시간, 장소, 정체성, 몸, 언어, 영성이라는 주제로 살펴볼 수 있을 만큼 다층적인 작업을 하는 작가다. 주로 정체성에 초점을 맞추어 이야기 하자면 정체성은 예술가, 여성, 이란인(그리고 페르시아인), 이민자, 외국인이라는 복수적 정체성을 탐색해온 네샤트에게 특히 풍성한 주제다.

    1957년에 이란에서 태어난 쉬린 네샤트는 로스앤젤레스에서 미술을 공부하기 위해 1973년 미국으로 이주했다. 그녀가 성장하던 당시 이란은 팔레비 왕조 치하였는데, 통치자 샤는 서구를 모델로 경제 변화와 사회적 행동의 해방을 옹호했다. 하지만 쉬린 네샤트가 미국에 머물던 1979년에 이란은 지각변동을 겪게 된다. 이슬람혁명에 샤 정권을 전복해 근본주의자 호메이니의 새로운 정권이 옹립하면서 공적, 사적 행동에 대한 통제가 강화된 것이다. 호메이니 통치하에 종교적 구속은 복장의 사소한 부분까지 지배하게 된다.(이와 유사한 근본주의로의 회귀는 20세기 후반 중동과 북아프리카의 여러 이슬람 국가에서 나타난 현상이다).

    그로부터 12년 후인 1990년에 이란을 방문한 쉬린 네샤트는 엄청난 변화에 충격을 받았다. 이 경험은 그녀의 문화적 정체성을 일종의 중간 지대에 머무르게 했다. 그녀는 완전히 서구화되지도 못했고, 더 이상 모국의 문화에서 일체감을 느낄 수도 없었다. 여기서 오는 충격은 이란의 국가적 정체성에 무슨 일이 일어난 것인지, 그중에서도 이란 여성들에게 어떤 일이 생긴 것인지를 미술을 통해 이해하고 표현하도록 그녀를 북돋았다. 그녀는 작품 활동을 통해 성 역할, 전통과 근대화 간의 갈등 그리고 영원한 이방인 같은 느낌을 받는 이주자들의 심리적 압박감 또한 탐색하기 시작했다.

    쉬린 네샤트가 이란에서 목격한 가장 큰 가시적 변화 중 하나는 이제는 어디를 가든 머리부터 발끝까지 덮는 검정 차도르를 뒤집어써야 하는 여성들이었다. 차도르는 이란에서 전토적으로 여성이 입는 헐렁한 가운과 베일로 1936년에 폐지된 바 있다. 차도를 입은 여성은 네샤트의 작품에서 상징적인 존재가 되었다. 본격적인 작품으로는 첫 작업이었던 <알라의 여인들Women of Allah>(1993~1997)이라는 도발적인 사진 연작에서, 작가는 순교의이름으로 기꺼이 죽을 정도로 혁명에 사로잡혀 있는 이란 여성들의 이데올로기를 탐색했다. 네샤트는 각 사진에 현대 페르시아어인 파르시Farsi 글씨와 총 이미지 그리고 검은 베일을 겹쳐 넣어 "동방의 무슬림 여성들이 연약하고 종속적이라는 서구의 고정관념"에 도전했다. 글자들은 근본주의 이슬람 지역에서 여성들이 보일 수 있는 특수한 신체부위인 눈과 얼굴, 손, 발을 장식하고 있다. 문화 간 소통의 실패는 대부분 서구 관객들에게는 해독 불가능한 글자의 사용에서 나타난다. 서구인들은 필체의 아름다움은 알아볼 수 있지만 이를 시로서 인지할 수는 없다. 시의 내용은 이란에서 급진적이라고 여겨질 만한데, 그 이유는 각 시가 차로드 착용의 가치에 대한 서로 다른 견해를 표현하고 있기 때문이다. 문화적 이방인들이 여성의 형상과 총을 보고 어떤 섣부른 판단을 하든 간에, 글씨의 존재는 진정한 이해를 위해서는 보다 깊은 배움이 필요하다는 사실을 암시하고 있다.

    서구의 많은 사람들이 근본주의로 회귀한 이란에 대해 경악과 경멸(예를 들어 근본주의가 여성을 완전히 예속시키고 있다는 고발)을 표출하지만, 쉬린 네샤트의 예술적 대응은 훨씬 뉘앙스가 섬세하며 모호함으로 가득하다. '동양', 이슬람 세계, 성 역할, 종교적 환상, 폭력에 대한 낡거나 새로운 전형들이 어떠한 해답도 없이 그녀의 작품 속에서 만나고 섞인다. 작가는 여러 인터뷰에서 의미가 잔뜩 부가된 이미지를 사용할 때 내재되는 모순에 대해 알고 있다고 밝힌 바 있다.

    쉬린 네샤트가 국제적으로 각광받기 시작한 것은 대체로 <격동Turbulent>(1998), <환희Rapture>(1999), <열정Fervor>(2000)이라는 영화 삼부작에 대한 찬사를 받으면서부터다. 흑백 필름으로 찍은 극적인 이 영화는 이란에 대한 심상 속의 신화적 존재를 시적 본질에 이르기까지 탐색한다. 여기서 이란인들(첫 영화에서는 모로코인 배우가 대신 연기했다)은 여느 사람들처럼 공통의 가치와 전통의 의미를 찾는 동시에 개인의 자유를 위해 투쟁한다. 이 두 성향 사이의 긴장은 연출된 장면을 비극적인 전설로 바꿔놓는다.

    <격동>에서 한 남자 가수는 잃어버린 사랑에 대한 전통적인 노래를 부른다. 그는 카메라를 마주보고 노래를 하는데, 등 뒤에는 어두운 색바지와 흰색 셔츠를 맞춰 입은 한 무리의 남자들이 노래를 듣고 있다. 공연이 끝난 후 그 노래의 주인공으로 보이는 한 여자가 자신의 노래를 부르기 시작한다. 대조는 압도적이다. 여자의 노래는 개인적이고 직관적이며 감성적인 일종의 음악적 절규다. 남자의 공연이 아무리 아릅답더라도 표현을 금지하는 전통에 갇혀 있는 반면, 여자의 공연은 아무런 전례도 경계도 없이 펼쳐진다. 여자의 노래는 다른 쪽 벽에서 그녀를 바라보며 경청하는 남자 가수 못지않게 우리를 끌어들인다. 영화가 특별히 통렬해지는 것은 오늘날 이란에서는 여성이 대중 앞에서 노래하는 것이 금지되어 있다는 사실을 우리가 알고 있기 때문이다.



    영화 삼부작을 비롯해 이후의 여러 비디오 설치에서 작가는 마주보는 벽에 영상을 짝지어 트는 방식을 활용했다. 이러한 이중 영사는 전형적으로 남자와 여자를 다른 영역으로 분리해서 보여준다. 이 형식은 작가가 남성과 여성, 문화와 자연, 전통과 변화, 공적인 것과 사적인 것, 통제와 자유 같은 이분법을 제시할 수 있도록 해준다. 관객이 우리는 움직이는 이미지의 두 흐름 사이에 있는 빈 공간을 점유하게 된다. 또한 동시에 양쪽을 볼 수 없기 때문에 어느 쪽을 보고 어느 쪽을 포기할 것인지를 선택해야 한다. 완전한 감상이 불가능하다는, 관람에 있어서의 무력함은 네샤트 작품의 중심 사상이다. 그렇기 때문에 그녀의 미술에서 중첩된 의미는 부분적으로 아직 베일에 싸인 미스터리로 남아 있게 된다. 그것은 흘낏 엿볼 수는 있지만 완전히 파악하기는 절대 불가능한 것이다.

    영화 삼부작의 두 번째 작품인 <환희>는 12분 30초 짜리 비디오 두 편을 동시에 영사했다. 한 영화에서는 백 명도 넘는 한 무리의 남자들이 역시 짙은 바지와 흰색 셔츠를 똑같이 맞춰 입고, 마을을 통과해 고대의 성채로 향한다. 그곳에서 남자들은 종교적 의식을 수행한다. 그들은 사다리를 오르고, 훈련하고, 손을 씻고, 양탕자를 펼치고, 레슬링을 한다. 이들은 뭔가 일을 하는 것처럼 보이는데, 낡은 성채에 대한 공격에 대비하는 듯하다. 하지만 남자들은 마치 성채의 죄수들, 즉 '남자로 만들어지는' 전통에 속박된 사회의 상징처럼 보이기도 한다. 맞은편 스크린에서는 비슷한 숫자의 여자들이 메마른 사막에 나타난다. 그녀들은 모두 개인적인 정체성을 감추는, 머리부터 발끝까지 가리는 차도르를 입고 있다. 차도르로 가려진 여자들의 모습은 풍경을 배경으로 존재하는 조각처럼 보인다. 여자들은 맞은편 영화의 이미지들을 건너다보며 남자들을 지켜보다가, 중동에서 전통적으로 경고나 경축의 의미로 불리던 곡소리를 제창하기 시작한다. 여자들의 움직임은 숨이 멎을 만큼 아름답다. 여자들은 바람에 흩날리듯 여섯 명의 여인이 있는 바닷가로 모여드는데, 그녀들은 위험한 탈출을 택하고는 나머지 여자들의 도움을 받아 작고 약해 보이는 나무 보트를 타고 바다로 떠난다. 맞은편 벽에서는 남자들이 자신들의 성채에서 여자들을 향해 인사를 보낸다.



    쉬린 네샤트의 영화는 리얼리즘 다큐멘터리처럼 보이기는 하지만, 실상 주의 깊게 계획되고 고안된 것이다. 작가는 베일을 쓴 여성들의 행동을 설정하여 각기 다른 맥락에서 서로 다른 의미를 보여줌으로써 우리가 베일 쓰는 행위의 유동적이면서도 구성된 의미를 알아차릴 수 있도록 한다. 그녀의 작품에서 차도르는 여러 목적을 충족시킨다. 그것은 여성의 몸을 신비롭게 감추기도 하고 몸을 보호하기도 하며, 여성들이 자신의 다층적인 정체성을 숨길 수 있도록 하여 일종의 힘을 부여하기도 한다. 무엇보다 네샤트의 작품 세계에서 베일을 쓴다는 것은 속박되고 맹목적이고 침묵을 강요당하는 것과 동일하지 않다. 네샤트는 적극적으로 풍경을 탐색하고 다른 이들을 응시하면서 노래와 울부짖음으로 그들의 감정에 목소리를 부여하는 여성들을 보여준다. 이들은 강력한 행위자다. 이와 동시에 쉬린 네샤트는 성별을 분리시키는 행위가 남녀 모두에게 미치는 대가와 어려움에 대해 조사한다. 삼부작의 마지막 영화이자 성적 욕망에 대한 내용을 담고있는 <열정>에서, 남성 공간과 여성 공간의 물리적 분리는 때로 적나라하고도 기념비적인 하나의 이미지로 명백히 드러나기도 한다.


    쉬린 네샤트의 작품과 만나는 주요 관객은 유롭과 미국의 관람자들이었다. 그러므로 작가의 의도가 어떻든 작품에 등장하는 베일을 쓴 여성의 이미지는 서구 식민주의의 환상이자 성적 유혹의 의미를 지닌, 베일에 싸인 에로틱한 이슬람 하렘의 여자들을 연상시키게 된다. 베일에 사이고 하렘에 갇힌 무슬림 여성에 대한 서구의 역사적인 환상은, 억압에 저항하기에는 너무 수동적이고 체념적이어서 서구에 의해 구출될 필요가 있는 억눌린 여성에 대한 인식을 수용한다. 베일을 억압된 사회의 상징으로 바라보는 이와 같은 관점은 식민주의를 정당화하는데 기여했다.

    이슬람 사회의 베일 쓴 여성의 이미지를 바라보면서, 현대의 서구 관객들은 서양 여성들의 자유를 상상하며 우월감을 느낄지도 모른다. 이러한 시각과 반대로 쉬린 네샤트는 이렇게 말했다. "몸과 섹슈얼리티에 대해 구체적으로 말할 수 있는 서구에서는 모든 것이 너무 외향적이라, 결국 신비로 남는 것은 아무것도 없으며 경계같은 것도 존재하지 않는다." 네샤트는 자신의 정체성을 두 세계 사이에 붙잡힌 이방인으로 묘사한다. "나는 언제나 나 자신을 추방자로 생각한다. 그건 내가 이란인들 사이에서 있건 서구인들 사이에서 있건 마찬가지다"그녀는 자신의 체험을 영화 속 배역들의 추방과 연관시킨다. "회고적인 눈으로 나 작품들을 되돌아볼 때, 나는 내 영화의 모든 여성 캐릭터들이 성적이든 문화적이든 정치적인 이유에서든 간에 자신의 사회에서 '추방자들'이라는 사실에 아이러니를 느낀다. 여기에는 '개인'대 '공동체' 사이의 지속적인 긴장이 존재하며 대개는 통합이 불가능하다."

    쉬린 네샤트는 1957년에 이란의 카즈빈에서 태어나 1973년 미국으로 이주했다. 그녀는 UC버클리 대학에서 순수미술로 석사 학위를 받았고, 현재 뉴욕에서 살고 있다.

     

     

     저속하고 속물적인 것을 고급문화와 접목시키는 키치예술의 대가 쿤스는 1976년부터 뉴욕에서 활발한 활동을 하며 헝가리이탈리아 포르노 배우 출신인 치치올리나와의 노골적인 성관계 등을 작품화하는 등 도발적 작품을 발표해 왔다. 이후 '강아지' '토끼' 등의 작품으로 뉴욕 메트로폴리탄미술관과 프랑스 베르사유궁에서 단독 전시를 열며 전 세계 가장 인기 있는 작가로 꼽히고 있다.

    이번에 설치되는 작품은 2008년 뉴욕 메트로폴리탄미술관 옥상에 전시됐던 작품과 크기와 모양은 같고 포장색이 보라색인 것만 다르다. 임근준 미술비평가는 "스테인리스 스틸에 특수코팅하는 기술을 개발해 고반사도의 거울을 만들어 냈다"며 "이음새조차 볼 수 없는 물신주의와 거울에 비치는 자신의 모습에 홀리는 것이 이 작품의 묘미다"고 말했다. 한편 이달 말 쿤스의 방한이 예정돼 있다.

     차이 구어치앙(Cai Guo-Qiang) 설치작품

     

    <뉴욕스케치>차이 구어치앙(Cai Guo-Qiang) 설치작품

    【뉴욕=뉴시스】

    중국 현대아티스트 차이 구어치앙(Cai Guo-Qiang) 설치작품 전시의 언론설명회가 21일(이하 현지시간)구겐하임미술관에서 열렸다.

    ‘나는 믿고 싶다’(I Want to Believe)는 제목으로 열리는 이번 전시회의 하이라이트는 9대의 포드 토러스 승용차가 사고가 나서 미술관 천장에서 떨어지는 모습을 담고 있다.

    기발한 자동차 설치 작품외에도 실제크기 늑대들의 모습들이 주목을 받을 것으로 예상된다. 22일 개막해 5월28일까지 전시된다

    와 구정이다.... 고향갈 짐을 싸면서....

    <세계명화 동시 놀이터>에서는 좀 수정했지요~

     

    아래 마네의 <풀밭위의 식사>

     

    눈치 안보고 살 거야

    -신현림

     

     

     

     

    오 마이 갓

     

    저리 발가벗어도 되나요

     

    저질이야

     

    여자도, 화가 마네도 저질이야

     

     

     

    우리 엄마는 저질이 아니래요

     

    옷이 껍질이고 알맹이만 보인 거래요

     

    눈치 안보고 살고 싶은 거래요

     

    나도 멋대로 살고 싶을 때가 있긴 해요

     

     

    만일

     

    내가 옷벗고 풀밭위에 있으면

     

    경찰들이 잡으러 올 거야

     

     

     

    그럼, 나 잡아봐라, 약올리며

     

    우다다다 도망칠 거야

     

    우다다다

     

     

    마이

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

    풀밭위의 식사...세계명화와 뛰노는 동시놀이터에서

     

    아래 글은 펌입니다. 제글이 아닙니당^^


    오르세이는 박물관 크기가 적당하다. 크지도 작지도 않고 특별한 사전 지식이 없어도 알만한 그림들이 많이 전시되어 있다. 원래는 역이었다는데 역이 지어졌을 당시에도 이 건물의 아름다움은 많은 사람들을 즐겁게 혹은 당혹시켰다고 한다. 이 역이 폐쇄되고 오랫동안 방치되어 있던 것을 미술관으로 개조하여 다시 문을 연 것이 1987년이라고 한다. 그 전에 루부르에 있던 것, 인상파 미술관, 그 외 여기 저기 흩어져 있던 1848년 이후부터 1914년 1차 세계 대전 이전까지의 작품을 한 자리에 모아 전시해놓았다.

    인상파는 얼마나 행복한 유파인가. 이렇게 근사한 독립 전시관을 가지고 있고 그 전시관을 찾는 사람들의 물결이 1년 내내 끊이지가 않는다. 사실 인상파의 출발은 어느 유파나 마찬가지로 외로웠다. 인상파는 아니지만 인상파의 선구자로 불리는 마네의 <풀밭 위의 식사>는 그 당시 아카데믹한 미술계에 엄청난 파문을 불러일으켰다. 아프로디테나 헤라도 아닌 보통 여성이, 그것도 창녀가 옷을 벗고 버젓이 그림을 보는 사람을 바라보고 풀밭에 앉아있다니! 참 이상하지 않은가? 남자들은 넥타이까지 꼭꼭 매고 있는데 한 여자는 나체로, 한 여자는 더위를 참을 수 없다는 듯이 반쯤 옷을 벗은 채 몸을 축이고 있다.

    서양회화에서 여자의 벗은 몸이 드문 일은 아니건만 지금 봐도 참으로 낯설게 보인다. 아마도 그 전까지 여자의 나체는 철저히 아름다움의 대상으로 그려졌던 데 반해 마네의 나체는 아름답기는 커녕 그냥 몸뚱아리 자체로 그려졌기 때문이 아닐까? 그뿐 아니라 보이는 대상이기를 거부하고 그 자신이 관자를 대상으로 전락시키는 강한 시선을 지닌 주체라는 선언을 하고 있기 때문이 아닐까?

    생각해보자. 앵그르가 그린 나신들, 루벤스가 그린 나신들. 여자가 벗고 있으면 남자도 거의 다 벗고 있다(벗는다는 얘기를 자꾸 하니까 조금 이상하긴 하다). 앵그르의 나신들은 거의 대부분 인체의 아름다운 곡선을 강조할 수 있는 포즈를 취하고 있고 어떤 포즈를 취하든, 설사 그가 우리를 바라볼 때라도 그는 몸으로 말하지 눈으로 말하지는 않는다.

    근데 <풀밭위의 식사>에서의 여성은 우리를 빤히 쳐다보며 야릇한 미소를 짓고 있다. 여기에서 여성은 더 이상 신화적인 알레고리도 아니고 아름다움의 소유자도 아니다. 우리가 그토록 찬탄해마지 않는 앵그르의 참을 수 없는 매끈함에 비하면 마네의 나신은 도저히 아름답다고 할 수가 없다. 이상적인 아름다움의 구현으로도 중요한 주제의식의 발로로도 이 작품을 볼 수가 없다.

    현실 속의 여자, 진짜 여자가 저기 앉아 있다. 마네의 그림을 보면 이상하게 통쾌함을 느끼게 된다. 보잘 것 없는 내 몸이 저리도 당당하게 그림 속에 표현된 것 같은!

    온 몸을 완벽하게 싸매고 있는 남자들은 이 여성을 위한 소도구에 지나지 않는다는 생각이 든다. 너희가 날 여자로 보든, 바라보든 난 상관하지 않는다. 난 나일 뿐이다.

    갑자기 오래 전에 번역했던 보드리야르가 생각난다. 보드리야르는 남성지배하의 수동적인 여성상을 깨뜨리기 위해 여성해방론자들이 적극적으로 여성의 성욕을 강조하는 것에 대해 반대하면서 오히려 수동성을 극대화하라고 말했었다. 수동성을 극대화하여 성행위를 할 때조차도 성욕에 사로잡힌 남성 스스로에게 욕망에서 허우적대는 자신을 바라볼 수 있게 하라는 것이다.

    <풀밭위의 식사>에 등장하는 옷을 벗고 있는 여성을 보며 아름다움의 대상으로 전락한 여성, 그 여성을 보고 즐기는 남성의 구도를 발견하고 여성으로서 기분나쁠 수도 있다. 그러나 나는 그렇게 생각하지 않는다. 오히려 보드리야르의 전략처럼 그것을 역으로 뒤집어놓은 게 아닌가 하는 생각이다. 여성을 성적 대상으로 만들고 자신들이 '바라보는 자'라고 생각하는 남성주체들을 당돌한 시선으로 '빤히 바라보는' 여인의 시선을 통해 여성은 오히려 '바라보는 자'로서의 주체로 우뚝 서 있는 것으로 보인다.

    이렇게 생생하게 그림 속으로 뛰어든 여성의 몸이 빛으로 환하게 빛난다. 멀리서 몸을 축이는 다른 한 여성 역시 빛을 머금고 있다. 그 외, 옷을 입은 남성들이나 숲은 짙은 초록과 검정으로 어둡다.

    바로크 이후 빛은 늘 화가들에게 화두였을 것이다. 카라바조, 렘브란트, 베르메르, 조르주 드 라 뚜르... 마네 이후 이제 그 빛이 어떻게 루앙 대성당을 비추고 모네의 정원을 비추고 피크닉을 즐기는 부르조아의 얼굴에 어른거리는지 보게 될 것이다

     

     

     

     

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    중세시대의 미술은 주로 신을 그렸습니다. 그리스 로마 신화에 나오는 신들을 주로 그리다가 사람을 그리기 시작했습니다.
    그리고 인상주의 화가들이 나오면서 세상의 풍경이나 정물을 그리기 시작합니다. 꽃이나 해바라기 사과 등등을 그린다는 것은 물감 낭비였죠. 하챦은 것들을 그릴 만한 가치가 없었으니까요.

    18세기가 프랑스 미술은 아카데미즘이 주류였습니다. 그런데 한 젊은 화가가 1863년 살롱전에 벌거벗은 여인 둘을 그린 그림을 들고 나와서 세상을 놀라게 합니다.

     

     

    너무나도 유명한 마네의 풀밭위의 식사(1863)입니다. 이 풀밭위의 식사는 두명의 여자가 나옵니다. 한명은 뒤에서 목욕을 하는듯 하구요. 한명은 남자들과 수다를 떨고 있습니다. 그런데 옷을 다 벗고 있네요. 옷도 방금 벗은것이 아닌 옷을 벗고 풀밭위에서 점심식사를 한듯 합니다.

    사람들이 놀란것은 이 두 여인 때문이었습니다. 19세기만 해도 누드는 허용했지만 그건 어디까지나 사람이 아닌 신이 벗은 몸만 허용 했습니다. 그래서 중세시대 그림들 중 누드그림들은 다 신이 벗은 것이였죠. 그러나 사람이 벗으면 안되었습니다. 그 차이를 확연히 구분해 놓았던것이 서양 미술입니다. 지금 우리의 눈으로 보면 그게 그거 아니냐고 말할 수 있지만요. 그래서 그랬나요? 수년전에 한나라당 진모 여자 의원은 시사프로그램인 헤딩라인뉴스에서 중세의 명화에 여성의원의 머리를 우겨넣어 패러디를 했든데 그 명화가 바로 누드그림이었습니다.. 여자의원은 노발대발했고 명예훼손과 압력을 넣었고 그 헤딩라인뉴스는 외압에 의해 폐지되었습니다.

    몰이해와 상식없음이 더 웃기던 일화네요.

     

     

     

     

     

    에두와르 마네 ....

     

    작 가 명 : 에두와르 마네 [Edouard Manet]

     

    연 도 : 1832-1883

     

    화 풍 : 인상주의.

     

     

     

    프랑스 파리 출생의 화가로 인상주의의 개척자로 불린다. 유복한 법관의 아들로 태어나 처음엔 아버지의 반대로 견습선원으로 있다가 1850년 겨우 퀴튀르의 아틀리에에 들어갈수 있었다. 그러나 아카데믹한 교습에 반발하고 루브르 박물관의 고전회화를 모사하면서 할스나 벨라스케스 등 네덜란드 화가로 부터 영향을 받았다.

     

    그후 살롱에 여러번 출품했으나 그의 작품은 이미 그만의 독특한 화풍을 확립한 후여서 그시대에 비해 대단히 이색적이며 혁신적인 작품으로 여러차례 낙선을 거듭하였다. 그러나 그의 등의 작품이 살롱에서 비난을 받으며 오히려 세간의 주목을 끌어 그의 표현기법이 오히려 신선하고, 참신한 이미지로 나타나게 되었다.

     

    이후 피사로, 모네 , 시슬레 등 청년화가들 사이에서 후에 인상주의의 길을 여는데 기둥역할을 하였다. 그러나 그는 아카데미즘의 공인을 기다리며 적극 참여하지는 않았다. 만년에는 류마티즘으로 고생하며 신체적 피로가 적은 파스텔화에 전념하기도 하였다.

     

    세련된 도회적 감각의 소유자로 이전의 어두운 화면에 밝음과 활기 있는 현실성을 예민하게 포착함으로서 전통과 혁신을 연결하는 중개 역할을 훌륭히한 전래 없는 화가였다.

     

     

     

    현대 미술의 출발점으로 간주되는 1863년의 낙선전에 마네는 <풀밭위의 식사>를 출품하여 큰 반향을 일으킨다.

     

     

    이작품은 마네가 파리스의 심판 구도를 이용하여 그린 것 이다.똑바로 앞을 보며 두려워하지 않는 나체의 여인 시선은 보는 이를 화폭 안으로 끌어들인다

     

     

    그린 방법 역시 색조의 조정에 의해 명암효과를 추구하는 전통방식을 버리고 면면이 강조되고 단일 색채로 크게 처리하여 평면적으로 보이는 방법을 선보인다.

     

     

     

    마네의 의의는 근대회화의 기틀을 마련하는 새로운 양식의 작가로서 회화의 평면성을 추구하고 있다는 점이다

     

     



     

    16세기 마르칸토니오 라이몬디 동판화인 파리스의 심판

     



    가장 먼저 풀밭위의 식사의 남 녀의 포즈는 라이몬디의 동판화 파리스의 심판에서 차용했습니다.
    위 붉은 테두리 안의 인물들의 포즈를 보세요. 상당히 유사하죠.

     

    1. 즐겨쓰는 소재

     

     

    마네는 인상주의 화가라고 정확히 말할수는 없지만, 인상주의 화가들에게 지대한 영향을 끼친 화가입니다. 그 이유는 마네의 '풀밭위의 점심'이라는 그림에서 잘 드러나는데요.

     

    우선 이전 신고전주의 화가들은 '고전으로 돌아가자'는 화파로서 주로 신화적 내용이나 역사적 내용 등을 그립니다. 대표적인 화가로서 다비드가 있습니다.

     

    그런데 마네는 그러한 역사적 그림을 그린것이 아니라, '플밭위의 점심'과 같은 일상을 그리곤 하죠. 이것이 '눈앞에 보이는 현상을 그린다'라는 인상주의와 맞물린 것 입니다.

     

    풀밭위의 점심식사/ 압상트(술의 일종으로 알고있습니다)/거리의 여가수/올랭피아 등, 일상에서 흔히 볼수 있는 풍경이나 창녀, 가수 등을 소재로 그렸기 때문에 당시 살롱에서 비판을 받았죠. 역사화나 신화같은 위대하고 고상한 주제가 아닌 어찌보면 당시 프랑스 브르주아들의 어두운 면을 볼수 있는 작품을 그렸으니깐요.

     

     

    2. 즐겨쓰는 색채

     

     

    인상주의자들은 눈앞에 보이는 현상을 있는 그대로 그립니다. 모네의 건초더미 연작이나 성루앙대성당 연작을 보시면 그러한 점을 아실수 있을것입니다.

     

    마네 역시 이전의 화가들과는 다르게, 자신이 눈에 보이는 색채를 그리려고 노력한 면을 볼수 있는데요. 우선 이전의 화가들의 그림에서 인물을 보면, 살결은 마치 단단한 석고 조형물 같이 매끈하게 표현이 됩니다.

     

    풀밭위의 점심에서 벌거벗은 여자를 자세히 보시면, 그 피부 표현이 굉장히 평면적입니다. 올랭피아에서 역시 마찬가지고요. 그리고 풀밭위의 점심에서의 여자의 피부는 햇빛에 노출, 반사되어 햇빛에 빛나는 살갗을 표현한것이구요.

     

    인상주의자들만큼은 아니지만, 이전 시대의 화가들과는 다르게 과장되고 아름답게 그리려는 것이 아니라, 있는 그대로의 색채를 쓰려고 했다는 점에서 마네의 인상주의적 면을 볼수 있습니다.

     

     

     

    3. 즐겨쓰는 구도

     

     

    초상화가 꽤 많았던것 같구요. 이러한 초상화에서 배경은 아무것도 없는 빈공간으로 표현되는 경우가 많습니다

     


     

    티치아노의 전원교향곡

    또 하나의 작품은 티치아노의 전원교향곡입니다. 이 작품은 포즈가 아닌 두 여자가 옷을 벗고 있고 두 남자가 옷을 입고 있는 모습을 참고 했습니다. 따라서 풀밭위의 식사에서 옷을 벗고 있는 여자가 몸을 파는 여자가 아니라는 것이죠. 마네는 그냥 두 작품을 참고해서 재해석해서 그린것이니가요.
    이 주장은 저자의 주장인지 정설인지는 모르겠습니다. 또한 정답은 마네 자신만 알고 있을테구요.
    이렇게 세상은 서로에게 영향을 주고 받으면서 새로운 세상을 만들어 갑니다. 음악도 마찬가지죠. 다른노래를 듣고 그 노래에서 새로운 영감을 얻서 새로운 곡을 만드는 것이구요.

    마네의 풀밭위의 식사는 위 두작품의 영향을 받았지만 그걸 그림에 표시하지 않았습니다. 영화에서도 보면 존경하는 감독의 작품을 오마쥬해서 영화속에 삽입하기도 하잖아요. 그런데 오마쥬를 하면 감독이 인터뷰를 할때나 영화속에서 자연스럽게 오마쥬라는것을 알게 하는 장치를 삽입합니다. 그러나 마네의 풀밭위의 식사는 그런 장치가 없습니다. 이런 이유로 표절이다라고 말할 수도 있을 것 입니다.

    얼마전 모 미술 작가가 서양유명 화가의 그림속 주인공들이 나오는 한국홍보물 CF를 고소했습니다. 자기작품을 배꼈다 이거죠.
    참 어려운게 표절시비입니다. 그걸 기계적으로 걸러내기도 힘들고 그렇다고 판사가 무슨 전문가도 아닌데 일일이 옳바르게 판단할 수도 없구요. 가장 중요한것은 창작자들의 양심이겠죠.

    이 글도 저 오프 더 레코드 현대미술이라는 책을 참조했으니까 표절일까요?
    표절은 막아야 겠지만 너무 옥죄지는 않았으면 합니다.

    우리는 유대인에 대해 뭘 알고 있을까?

    70억 인구 중 유대인은 한 줌에 불과해 보인다.

    하지만 그 한 줌이 다이아몬드라면?

    SBS가 방영한 다큐멘터리의 한 장면.

    세계 곳곳에 흩어진 유대인 수는 1,400여만 명.

    우리나라 인구의 3분의 1 수준이다.

    그러나 유대인은 세계 최강대국인 미국을 움직이는 주요 민족 중 하나이며,

    세계 금융과 문화, 법률, 언론, 학계 등을 이미 지배하고 있다.

    노벨상 수상자도 170명이 넘는다.

    음모론자들은 "유대인이 세계를 지배하려 한다"고 말한다.

    그건 그들이 뭘 모르는 것이다.

    유대인은 이미 세계를 지배하다시피 하고 있다.

    초강대국이라는 미국부터 보자.

    미국 내 유대인은 560여만 명으로 미국 인구의 2%가 안 되지만, 국내 총생산에서 차지하는 비중은 15%에 달한다.

    하버드 대학교 재학생의 30%, 예일 대학교의 28%, 보스턴 대학교의 24%가 유대인이다.

    유대인이 설립했거나 주인인 기업 로고들.

    미국 100대 기업 중 3분의 1 이상이 유대인 소유다.

    세계 3대 곡물 메이저 회사 모두와 세계 7대 메이저 석유 회사(일명 세븐 시스터즈) 6개가 유대인 소유다.

    미국 역사상 가장 유명했던 재벌로 FRB(연방준비제도이사회) 설립을 주도했던 J.P 모건은 유럽 금융황제였던 유대인 로스차일드 가문과 관련이 있다.

    스타벅스 회장 하워드 슐츠, 조지 소로스, 엔디 글로브 인텔 창업자, 마이클 델 델 컴퓨터 창업자, 블룸버그 통신 창업자인 마이클 블룸버그 뉴욕 시장, 마크 저커버그 페이스북 창업자 등이 현재 활동 중인 유대인 기업가다.

    FRB 의장이었던 앨런 그린스펀, 세계은행 총재를 지낸 폴 울포위츠, 세계은행 총재 로버트 졸릭도 유대인이다.

    미국 스포츠재벌 랜디 러너, 맬컴 글레이저, 로버트 크래프트, 퓰리처상을 제정한 신문왕 조셉 퓰리처도 유대인이다.

    우리가 영화관에서 자주 접하는 워너브라더스, MGM(메트로-골드윈-메이어), 파라마운트, 20세기 폭스, 유니버설 스튜디오, 콜럼비아 픽처스도 모두 유대인이 설립했다.

    NBC, ABC, CBS-TVLA 타임스, 워싱턴 포스트, 뉴욕타임스, 뉴스위크, 월스트리트 저널도 유대인이 소유하고 있거나 설립자다.

    하지만 이건 맛배기.

    현재 유대인과 이스라엘을 이해하려면 로스차일드 가문을 알아야 한다.

    이스라엘 건국 스폰서

    로스차일드 가문,

    힘의 원천은 정보력

    유대 금융재벌 로스차일드 가문의 로고. 화살은 마이어 암셀 로스차일드의 다섯 아들을 뜻한다.

    로스차일드 가문에 대해서는 온갖 음모론이 횡행한다.

    하지만 음모론은 음모론일 뿐이다.

    다음은 영국의 전기작가 데릭 윌슨이 로스차일드 가문 사람들과 직접 인터뷰한 책 <로스차일드>에 나오는 이야기다.

    로스차일드 가문은 1774년 독일 프랑크푸르트의 유대인 빈민거주지(게토. Geto)에서 마이어 암셀 로스차일드가 태어나면서 시작됐다.

    마이어는 젊은 시절 궁정 대리인이 되어 금융가로 성공한다.

    이때부터 빨간 방패(Rothshilds)’를 가문의 상징으로 사용했다.

    마이어는 다섯 아들을 두었다.

    아들들은 아버지의 독일 프랑크푸르트 가게를 물려 받고, 영국 런던, 오스트리아 빈, 이탈리아 나폴리, 프랑스 파리로 흩어져 각자 금융기업을 만들었다.

    마이어는 그의 다섯 아들들에게 화살 하나하나를 부러뜨리기는 쉽지만, 뭉친 화살은 부러뜨리기 어렵다는 탈무드 우화를 유언으로 남긴다.

    로스차일드를 국가 이상의 금융재벌로 만든 계기는 바로 나폴레옹의 독재와 전쟁이다.

    나폴레옹은 영국과 전쟁을 벌이기로 하고 해협봉쇄를 시작하는데, 이때 밀수선을 운영하며 영국을 도운 게 로스차일드 가문이다.

    이와 함께 웰링턴 공작에게 금괴 수송을 애주면서 영국 왕실 및 친척들과 밀접한 관계를 맺게 된다.

    1812년 워털루 전투 때에는 웰링턴 공작을 도우면서 동시에 채권 시장에 역정보(Disinformation)를 흘린 뒤 매입, 차익으로만 23천만 파운드라는 막대한 부를 모으게 된다.

    이 돈을 현재 우리의 화폐가치로 환산하면 대략 69조 원 쯤 된다고 한다.

    이때 로스차일드 가문은 정보력과 실행의지, 도전정신을 중대한 유산으로 여기기 시작했다.

    특히 정보력은 돈과도 맞바꾸지 않는 재산이라고 생각했다.

    유대 금융재벌 로스차일드 가문의 가계도. 250년 동안 금융계를 지배했다.

    아이러니 하게도 로스차일드 가문의 영향력이 크게 줄어들게 된 것도 잘못된 정보때문이다.

    2차 세계대전 당시 로스차일드 가문은 유럽에서 최고의 부와 명예, 권력을 가졌다.

    하지만 이들은 결정적인 실수를 하게 된다.

    나치 최대의 군수업체인 IG 파벤에 대규모 투자를 한 것이다.

    IG 파벤에 투자할 때 나치 고위층은 로스차일드는 유대인이 아니다. 안심하라고 꼬드겼다.

    로스차일드 가문은 이 말만 믿고 계속 IG 파벤에 투자를 하면서 나치를 지원했다.

    하지만 2차 세계대전이 일어나자 나치 정권은 IG 파벤을 국유화한 뒤, 로스차일드 가족들을 유대인 강제수용소로 보낸다.

    이 일로 로스차일드 가문 사람 중 3분의 1이 죽었다.

    여기에 충격을 받은 로스차일드 가문은 이스라엘 건국에 자신들의 재산 대부분을 쓰기로 한다.

    그리고 이스라엘 건국에 참가한 사람들에게 정확한 정보의 중요성을 강조한다.

    실제 6.25전쟁 때는 영국 로스차일드의 상속자인 빅터 로스차일드가 MI6 요원이 되어 영국 내 소련 스파이들에 맞서 싸우기도 했다.

    북한 핵실험을 본 모사드,

    중국을 어떻게 움직일까?

    북한 핵실험에 분노한 유대인을 설명하면서 뜬금없이 미국 유대인과 로스차일드 이야기를 꺼낸 것은, 이스라엘과 유대인의 특징을 설명하기 위해서다.

    유대인들은 가장 존경하던 최고의 부자이자 권력가가 정보때문에 몰락하는 걸 봤다.

    2000년 동안 흩어져 살던 유대인에게 정보란 곧 생존을 의미했다.

    이는 이스라엘 정보기관에게도 마찬가지였다.

    지략과 행동력을 갖추지 않는다는 건 죽음멸망을 의미했다.

    이런 유대인들이 북한이 이란과 함께 핵실험을 벌이고, 그 기술과 운반수단을 자신들의 적에게 퍼뜨리고 있음을 확인한 이상, 2000년 동안 지켜온 전통대로 움직이게 될 것이다.

    이스라엘은 먼저 미국과 중국을 움직이려 할 것이다.

    리 로젠버그 AIPAC 회장이 오바마 대통령과 어깨동무를 하고 있다.

    미국이야 미국-이스라엘 공공정책 위원회등 로비단체와 곳곳에 있는 유대인들을 통해 움직일 수 있다.

    이스라엘과 유대인이 움직이면, 미국 언론, 문화, 기업은 물론 정치인, 군인들까지 대북무력사용을 반대하지 않을 것이다.

    겉으로 보기에는 미국보다 중국을 움직이는 게 어려워 보인다.

    하지만 이스라엘에게는 중국을 움직일 강력한 지렛대가 있다.

    모사드와 반인류 범죄 여론전, 기업이다.

    모사드와 중국 간의 관계는 독특하다.

    1964년 중국 국가안전부(MSS)가 아프리카에 진출해 아랍 테러리스트를 지원하며

    이스라엘을 공격하라고 부추기자, 모사드는 케냐, 가나, 콩고, 잠비아 등 곳곳에서

    차량 폭파, 총기 암살, 약물주사 후 사자와 악어에게 먹이로 던져주는 식으로

    중국 MSS 요원들을 암살했다.

    중국 MSS는 당시 수십 만 명의 인력과 소련 KGB에 맞먹는 예산을 갖고 있었지만,

    모사드를 당해내지 못했다.

    아프리카로 갔던 중국 MSS 요원들이 속속 죽어 나갔다.

    시신도 못 찾을 정도였다.

    중국 MSS는 결국 모사드에 질려 모부투 자이레 대통령을 앞세워 휴전을 제의했다.

    함께 KGB를 막자는 제안을 했다.

    그 뒤 모사드의 태도는?

    중국과 급속히 친해졌다.

    나중에는 중국과 함께 미국의 주요 연구소를 털기도 했다.

    200555.

    중국 MSS, 인민해방군 정보국과 함께 미국의 핵무기 연구소인 로스 알라모스에서 가짜 화재를 일으킨 뒤, 중요한 핵무기 정보가 든 하드 드라이브를 해킹했다.

    당시 미국 정부는 로스 알라모스의 이 하드 드라이브를 분실한 것으로 생각했다.

    한 달 뒤 구석에 숨겨져 있던 하드 드라이브를 발견한 뒤, 난리가 났다.

    특히 FBI는 배신감에 치를 떨었다.

    이렇게 함께 아프리카를 '평정'했던 중국 MSS와 이스라엘의 모사드가 다시 싸우게 된다면?

    49년이 지난 지금, 중국은 2005년부터 아프리카 독재정권들에게 막대한 외화를 뿌리며 영향력을 확대하고 자원을 모으려다 지역주민들의 극심한 반발로 쫓겨나다시피 한 상태다.

    반면 이스라엘은 흑인 유대인들과 우방국 네트워크를 활용해 아프리카에서 여전히 상당한 영향력을 갖고 있다.

    또한 모사드는 지난 50년 동안 중국 MSS와 함께 공작활동을 벌이면서 그들의 행태를 일거수일투족 꿰뚫고 있다.

    시몬 페레스 총리가 '중국 손님'이 가져온 그림을 보고 있다.

    이런 상황에서 모사드가 북한이 핵개발을 하지 못하도록 압력을 행사하지 않으면 세계 전역에서 1964년 이전으로 돌아가게 될 것이라고 으름장을 놓는다면 중국 공산당은 어떤 반응을 보일까.

    중국 MSS가 모사드와 전면전을 벌인다면 과연 승산이 있을까?

    중국 공산당 지도부의 약점은?

    반인류 범죄: 장기매매사업

    중국에게는 다른 약점도 있다.

    바로 반인류 범죄.

    모사드는 우리들 생각과는 달리 휴머니즘문제에 예민하다.

    모사드 요원들이 2004년 서울에 요원을 보내 탈북자들과 만났을 때 있었던 일이다.

    이때 모사드 요원들은 탈북자들이 중국과 동남아를 거쳐 우리나라로 오는 루트를 뉴 엑소더스 루트라고 보고했다.

    생존을 위해 탈출하는 모습이 유대인과 비슷하다는 생각을 많이 했다고 한다.

    이런 모사드를 흥분케 한 사건 중 하나가 중국 공산당의 장기매매사업이다.

    물론 모사드가 중국 공산당의 '장기매매사업'을 막으려 직접 나섰다는 증거는 없다.

    하지만 눈여겨볼만한 행사가 최근 열렸다.

    20일 한국을 방문한 야콥 라비 박사가 중국 공산당의 장기매매사업에 대해 폭로하고 있다.

    20일 오후 2시 서울 마포에 있는 카톨릭청년회관에서는 잘 알려지지 않은 출판기념회가 열렸다.

    책 제목은 <국가가 장기를 강탈하다>(원제 State Organs)’.

    이 책의 저자 중 한 명인 이스라엘 심장 전문의 자콥 라비(Yacob Lavi) 박사도 이날 행사에 참석했다.

    라비 박사는 이스라엘 보건부 산하 장기이식센터장으로 아부다비 병원장도 맡고 있다.

    라비 박사는 2005년 자신의 환자 중 한 명이 중국으로 장기이식여행을 떠나는 것을 본 뒤 이상하다며 추적했다.

    라비 박사는 중국이 파룬궁 수련자와 위구르 인, 티벳인, 탈북자, 기독교도들을 살해해 외국인들에게 돈을 받고 장기를 판매한다는 것, 이런 사업을 중국 공산당 고위층과 인민해방군이 운영하고 있다는 사실을 의학저널과 언론에 폭로했다.

    이후 이스라엘에서는 장기이식을 할 때 돈을 주고받거나 중개하는 행위를 법으로 금지했다고 한다.

    이 법은 지역에 관계없이 유대인 모두에게 적용했다고 한다.

    라비 박사는 이날 출판기념회에서 다음과 같은 의미 심장한 말을 했다.

    폴란드 나치수용소의 아픈 역사를 가진 우리(유대인)가 중국의 이런 반인류적 만행을 그냥 두고 봐서는 안 된다.”

    이 말이 과연 라비 박사 한 개인의 생각에 불과할까.

    이것이 북한 핵문제와 결합되면 그 파장은 심각해진다.

    모사드에는 세계 언론계를 움직여 여론을 조성하는 심리전국(LAP)이 있다.

    이스라엘 정부가 모사드 LAP를 이용해 중국의 장기매매 사업의 실체를 세계 각국에서 대대적으로 보도한다면?

    최악(?)’의 경우 중국 공산당 체제가 흔들릴 수도 있다.

    이스라엘과 유대인이 목숨 걸면?

    중국 공산당은 거지’!

    북한 미사일과 핵무기가 이스라엘의 생존을 위협하는데도 중국이 대북제재에 계속 미온적인 태도를 보인다면, 다른 차원의 무기를 사용할 수도 있다.

    바로 금융, 에너지, 식량이다.

    유대인은 세계 곡물시장과 에너지 시장, 금융시장에서 절대권력을 갖고 있다.

    이들이 만약 북한 배후에 중국이 있다고 보고, ‘선전포고를 한다면 모든 것을 걸 수도 있다.

    비슷한 사례는 로스차일드 가문에서도 있었다.

    로스차일드 가문은 2차 세계대전을 겪은 뒤 부와 권력보다 더 중요한 것이 생존질서임을 새삼 깨닫게 된다.

    그리고 가문의 자산을 모아 이스라엘 건국 자금으로 댄다.

    로스차일드 가문은 금융 시장의 룰(Rule)을 정하기에 돈을 직접 보유할 필요가 없기도 했다.

    로스차일드 가문은 2000년 말까지 가족회의에서 세계 금괴 가격을 정하는 권한을 가졌었다.

    가득 쌓인 금괴더미. 로스차일드 가문은 2000년 말까지 1kg 금괴가격을 정했다.

    과거 수백조 원 이상으로 평가받던 로스차일드 가문의 현재 자산이 50억 달러가 채 안 되는 이유, 그럼에도 여전히 월스트리트를 벌벌 떨게 만드는 데에는 이런 사연이 숨어 있다.

    이런 유대인들이 중국, 북한에게 선전포고를 한다면,

    중국 외환 보유고가 33천억 달러이건, 김정일 비자금이 수십억 달러건,

    북한 핵무기가 어떻든 간에 싸우기도 전에 붕괴시킬 수도 있다.

    북한이 무기 수출대금을 받는 창구도,

    중국이 막대한 외환 보유고를 보관하는 곳도,

    식량과 원유 대금을 지불하는 곳도,

    중국 공산당 고위층이 비자금을 숨긴 곳도,

    유대인의 ''을 거치지 않을 수 없기 때문이다.

    유대인들의 거미줄 같은 네트워크를 과연 중국과 북한이 피할 수 있을까?

    이스라엘이 미국-중국 움직일 때

    우리나라 역할은?

    한편 중국 공산당은 북한 3차 핵실험 직후에는 대북제재를 규탄하다, 또 유엔 안보리 제재에 딴죽을 걸고 있다.

    이런 태도에 이제는 중국 국민까지 반발하고 있다.

    시간을 끌수록 중국에게는 불리하다는 말이다.

    이 상황에서 우리나라, 특히 국정원 같은 안보기관은 어떤 역할을 할 수 있을까?

    최근 CJ E&M이 만든 첩보영화 베를린600만 관객을 넘겼다고 한다.

    영화에서는 국정원 요원이 미국 CIA와 이스라엘 모사드 요원을 갖고 논다고 한다.

    최근 관객 600만 명을 돌파했다는 CJ영화 '베를린'의 한 장면. 한석규가 국정원 요원으로 나온다. 하지만 영화는 영화일 뿐이다.

    영화는 영화일 뿐이라고 말하지만 제발 그런 국정원 요원들이 좀 많았으면 좋겠다.

    중동-유대인 문제로 비화한 북한 핵문제에 대해 우리는 지금 과연 물 밑에서 무엇을 하고 있을까?

     


     

     

     

    01 SG워너비(SG Wanna Be) - 내 사람
    03 MC 몽 - 서커스


    04 옥주현 - 사랑한단 말못해

    05 제이워크 - 사랑한다 외쳐요(브라운아이드걸스)
    06 주현미&소녀시대(서현) - 짜라자짜(feat. 다비치)
    07 가비앤제이(Gavy NJ) - Lie


    08 KCM - 있을때 잘해(feat. 쥬얼리_하주연 수호)
    09 컬투(Cul Two) - 세상 참 맛있다
    10 왁스(WAX) - Lucky

    11 박지윤 - 하늘색 꿈


    12 배치기(Baechigi) - 남자의 로망
    13 채연 - 흔들려
    14 에픽하이(Epik High) - 트로트
    15 태사비애(殆死悲愛) - 마법같은 사랑
    16 현진영 - 소리쳐봐


    17 브랜뉴데이(Brand New Day) - 살만해
    18 김종욱 & SG워너비 - 운명을 거슬러
    19 브이오에스(VOS) - Beautiful Life
    20 타이푼(Typhoon) - 그리울 사랑


    21 브라운아이드걸스(Brown Eyed Girls) - My Style
    22 빅뱅(BIGBANG) - 마지막 인사
    23 다비치(Davich) - 사랑과 전쟁(Narr. 하하)
    24 유승준 - 사랑해 누나


    25 A & T(에이스타일-티맥스) - 가슴이 어떻게 됐나봐
    26 손담비 - 토요일 밤에
    27 써니힐(Sunny Hill) - 너는 모르지
    28 에이스타일(A`ST1) - 1234 Back
    29 채정안 - 편지
    30 디바(Diva) - 딱이야

    31 이기찬 - 그대 없이 난 아무 것도 아니다
    32 박현빈 - 대찬인생
    33 이태종 - 바람의 추억

    34 나몰라 패밀리 - 내 사랑 로맨스(feat.태인)
    마이티마우스 - 연애특강(feat. 한예슬)


     

     

     

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    日 애니 산실 ‘미타카의 숲 지브리 미술관’ 가다




    [서울신문]일본 애니메이션의 역사를 한눈에 볼 수 있는 지브리 미술관은 거대한 동심의 세계였다. 일본 도쿄 동부의 미타카씨에 위치한 미술관의 정식 명칭은 '미타카의 숲 지브리 미술관'. 이름 그대로 숲속 한가운데 서 있는 미술관은 건물이라기보다 만화 속에 나오는 배경의 일부처럼 보였다.

    미술관은 일본을 대표하는 애니메이션 제작사 '지브리 스튜디오'가 2001년 세웠다. '이웃집 토토로', '하울의 움직이는 성', '천공의 성 라퓨타' 등이 모두 지브리 작품이다. 감독은 일본 애니의 거장 미야자키 하야오. 따라서 미술관은 미야자키 감독의 애니메이션에 나오는 인물과 배경을 입체화한 공간으로 그 자체가 하나의 작품이었다.

    지난 20일 이곳을 찾았을 때 맨 먼저 눈에 들어온 것은 매표소였다. 아이들이 필름 모양의 티켓을 직접 살 수 있도록 어린이용 발판이 마련돼 있다. 스테인드 글라스와 벽면·천장 등 총 3층짜리 건물 구석구석에도 어린이들의 시야에서 볼 수 있는 지브리의 캐릭터들이 숨겨져 있다. '미아가 됩시다. 다 함께!'라는 캐치프레이즈에서도 알 수 있듯이 미야자키 감독은 입구부터 철저히 어린이들을 배려한 공간으로 꾸몄다.

    지하 1층으로 내려가니 '토성좌'라는 이름의 영화관이 방문객을 맞이한다. 해와 달이 그려진 천장과 풀로 꾸며진 벽면 등이 마치 숲 속에 들어와 있는 듯한 착각을 불러일으킨다. 뒤쪽에는 기차 모양의 영사기가 놓여 있다. 마침 생쥐들의 스모 경기 시합을 다룬 '추우스모'가 상영되고 있었다. 지난 1월 완성한 최신작으로 미야자키 감독이 직접 기획했다. 노부부가 자신들의 집에 사는 생쥐들에게 음식을 먹여 경기에서 승리하게 한다는 이야기. 내용 전개도 깔끔하지만, 캐릭터들의 표정과 동작이 살아있고 재미있다.

    영화관을 나와 한 층 올라가니 애니메이션 제작 과정이 펼쳐진다. 여러 장의 셀을 겹쳐 빨리 돌려 움직이는 것처럼 보이게 하는 '움직임을 시작하는 방'에서부터 캐릭터를 구상하는 작업장 '소년의 방', 만화 배경화면을 그리는 '소녀의 방', 셀에 색칠하는 공간, 색칠된 그림을 카메라로 찍는 과정을 보여주는 공간 등 지브리 애니메이션이 만들어지는 공정을 세심하게 둘러볼 수 있었다.

    이야기가 만들어지는 공간에 들어서니 미야자키 감독이 사랑한 책, 원화가 그려진 종이 등으로 뒤덮인 만화가의 책상이 눈에 들어왔다. 군데군데 책상 반대쪽으로 뒤집혀 있는 인형들은 창작자의 무거운 고뇌를 상징한다고 한다. 건물 외부에는 '천공의 성 라퓨타'에 나오는 거대 로봇이 동판으로 제작돼 있다.

    나카지마 기요부미 관장은 "시선을 최대한 낮춰 어린이들에게 즐거움을 주려고 했으며, 어른들에게는 동심을 이끌어 내고자 했다."고 설명했다.

    응원합니다 짝짝짝짝~

    위험해서 찬란한 시간들.... 가슴에 찐하게 와닿습니다
    슬픈일 당한 사랑하는 조카에게 위로가 되는 시 일거같아요
    조카에게 들려주고 싶으네요
    ♣암 산소에 답이 있다 :암세포의 증식을 막는 방법은 면역력을 높여주는 것이다